Bienvenido a How’d They Do That? – una columna mensual que desentraña momentos de magia cinematográfica y celebra a los magos técnicos que los lograron. Esta entrada explica cómo funciona go-motion, el efecto especial pionero de Phill Tippett.
Espero que todos hayan traído sus pequeños kits de herramientas y sombreros de ala ancha, ¡porque estamos a punto de hacer algo de arqueología de animación!
Antes de principios de la década de 1990, si querías incluir criaturas fantásticas, dinosaurios u octava maravilla del mundo en tu película, tenías que confiar en los efectos prácticos. Y mira, soy fanático de los trajes de tamaño masculino y de las marionetas enormes tanto como el próximo monstruo. Pero destaca una técnica práctica, tanto como medio creativo por derecho propio, como uno de los efectos especiales más antiguos del cine: la animación en stop-motion.
Casi 150 años después de su invención, el stop-motion sigue vivo y coleando. Y aunque me encantaría sentarme aquí y cantar las alabanzas de las Animaciones de Laika y Aardman por mantener la antorcha encendida, vale la pena recordar que una parte significativa del propósito del stop-motion no llegó al siglo XXI. Películas como Kubo and the Two Strings (2016), Missing Link (2019) y A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon (2019) no buscan el realismo. El Stop-motion, tal como existe hoy en día, está estilizado, exagerado y no está interesado en convencerte de que lo que estás viendo es otra cosa que animación. Pero no siempre fue así. Durante un tiempo, el objetivo de stop-motion fue crear secuencias animadas realistas que se vieran y se movieran como si existieran en el mundo real.
Y esto nos lleva a una década fascinante, aunque condenada, en la historia de la animación: un período de tiempo en el que mentes innovadoras buscaron (y posiblemente lograron) llevar el stop-motion a un nuevo nivel de realismo justo antes de que CGI derribara la proverbial puerta. Como dice la revista Big Picture, go-motion es un «fósil de transición casi olvidado», un ambicioso puente entre la asombrosa tactilidad que Ray Harryhausen hizo famosa y la fluidez cinética a la que nos hemos acostumbrado en la era digital. Echemos un vistazo a cómo funcionó:
¿Cómo lo hicieron?
En resumen:
Mediante el uso de articuladores controlados por movimiento, go-motion permite que una marioneta articulada se mueva mientras el obturador de la cámara está abierto. Esto crea la apariencia de desenfoque de movimiento. La idea es evitar la sensación de tartamudez que a veces viene con la animación en stop-motion tradicional.
Larga historia larga:
Para apreciar completamente los aspectos técnicos de go-motion, es importante comprender por qué se inventó el proceso en primer lugar.
El Stop-motion es una técnica que requiere mucho tiempo y trabajo y que consiste en fotografiar objetos a medida que se mueven de forma incremental. Cuando esta serie de imágenes se proyecta a los 24 fotogramas por segundo estándar, un fenómeno óptico conocido como persistencia de la visión toma el control y el objeto parece moverse (más o menos) fluidamente.
Mientras que la película de acción en vivo usa fotogramas individuales para capturar el movimiento que realmente ocurrió, el stop-motion usa fotogramas individuales para capturar objetos fotograma a fotograma. Como consecuencia, el stop-motion tiende a crear un efecto de staccato reconocible. Este estroboscópico tiene lugar porque el objeto animado es estático en cada fotograma después de reposicionarlo. Si pausaras aleatoriamente una secuencia de stop-motion, cualquier fotograma en el que aterrizaras sería perfectamente nítido, lo que es genial para capturar capturas de pantalla, pero algo problemático para crear un movimiento creíble.
Los objetos reales en movimiento capturados en la película tienen desenfoque de movimiento porque se mueven mientras el obturador de la cámara está abierto. Si tuviera que pausar un video de su perro haciendo zoom en una playa, es probable que cualquier fotograma fijo presente una mancha del color de un perro en lugar de un sujeto completamente afilado. La falta de desenfoque de movimiento de la animación Stop-motion es parte de lo que hace que el stop-motion se parezca tan claramente al stop-motion. Y mira: este tipo de movimiento brusco y deliberado es perfecto para algo inherentemente torpe como el gigante de bronce de 70 metros de altura en Jason y los Argonautas de Don Chaffey. Pero, en general, este tipo de tartamudeo puede distraer y ser un signo revelador de la presencia del stop-motion. Y esto puede ser un problema real para una película que espera integrar perfectamente la acción en vivo y el stop-motion en la misma secuencia.
Go-motion se desarrolló como una forma de crear animación stop-motion de aspecto menos entrecortado. La idea central del proceso consiste en mover ligeramente la marioneta o el modelo durante la exposición de cada fotograma, lo que produce un desenfoque de movimiento de aspecto realista entre cada reposicionamiento estático. Mientras que la animación en stop-motion consiste en imágenes de movimientos incrementales, el movimiento en movimiento se compone de imágenes del objeto tomadas en el mismo instante en que se mueve.
Los animadores utilizaron una variedad de técnicas para simular el desenfoque de movimiento, muchas de las cuales equivalen a empujar ligeramente la marioneta durante la exposición de cada fotograma sin derribar todo o mover las cosas demasiado. Si estás pensando para ti mismo «wow, esto suena aún más difícil que tomar un montón de fotografías de una modelo posada», estarías en lo correcto.
Go-motion fue pionero de la Luz Industrial & El mago de magia y SFX Phil Tippett durante la producción de Star Wars: Episodio V – El Imperio contraataca (1980). Durante su gran oportunidad en Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza, las tareas de efectos especiales de Tippett incluyeron un efecto animado en stop-motion de una manada de figuras holográficas enfrentándose en un tablero de ajedrez. Este trabajo abrió la puerta a su innovador trabajo (y el de Jon Berg) en Empire, incluida la Batalla de Hoth, en la que la base de hielo del Rebelde es asaltada por imponentes transportes blindados todo terreno. En lo que respecta al stop-motion, la secuencia es tan monumental como cualquier cosa que Willis O’Brien o Harryhausen hayan producido. Si bien se utilizaron diferentes técnicas y modelos de diferentes tamaños, los Tauntauns de movimiento rápido y los caminantes imperiales AT-AT hicieron uso de go-motion, aunque de una forma más rudimentaria que la que Tippett e ILM desarrollarían más tarde. Para los Tauntauns (las criaturas bípedas de la alianza, como camellos), los títeres se movían ligeramente a lo largo de una pista controlada por movimiento con cada apertura del obturador de la cámara.
«La gente de Stop-motion había estado durante años tratando de encontrar formas de agregar desenfoque de movimiento a las cosas, pero era demasiado lento y engorroso, y nada se veía muy bien de todos modos, hasta ese momento», explica Tippett en el Escuadrón de monstruos de Heather A. Wixton. «Cuando llegamos a ILM y comenzamos a crear Empire, estaba muy claro que una de las primeras cosas que teníamos que hacer era experimentar con la combinación de la tecnología de control de movimiento que usaban las naves espaciales, y luego encontrar una manera de aplicarla a los personajes de stop-motion. Terminó siendo un conjunto muy rudimentario que hicimos, en el que simplemente unía dos tipos de tecnología y veía lo que podían hacer.»
Así como las cámaras controladas por computadora fueron fundamentales para elevar los efectos ópticos de pantalla azul de Star Wars a nuevas alturas, el proceso go-motion buscó capitalizar el potencial de los mecanismos de control de movimiento para la animación. En su forma más sofisticada, go-motion implicaba programar una computadora para mover varillas externas que manipularían ligeramente varios puntos de una marioneta durante cada exposición. Cada varilla se uniría a motores paso a paso conectados a un ordenador capaz de registrar los movimientos del modelo tal y como fue animado por los titiriteros. Este movimiento expuesto, combinado con la manipulación manual tradicional entre fotogramas, crea un movimiento articulado con desenfoque de movimiento que parece bastante convincente.
En un sentido, el tiempo de Tippett la innovación fue fortuito. Star Wars explotó la demanda de trabajo de efectos visuales. Y en la década de 1980, antes del CGI, eso significaba muchas oportunidades para el movimiento en movimiento. La técnica aparece en todo, desde el Eborsisk de dos cabezas en Willow (1988) hasta el monstruo Señor Supremo Oscuro en Howard el Pato (1986). Pero, por mi dinero, la demostración más asombrosa de la destreza de go-motion está en el primer proyecto de Tippett después de Empire: la película de espada y hechicería de 1981, Dragonlayer. Para todas las dudosas esteras ópticas de Dragonslayer, el dragón titular (cuyo nombre, no te jodas, es Peyorativo de Vermithrax) se ve increíble. Si bien se utilizaron una variedad de técnicas para dar vida a lo peyorativo, las bendiciones de go-motion son visibles cuando el dragón camina por tierra: la enorme bestia clama fluidamente a través de estrechas cavernas, escabulléndose furiosamente tras nuestro héroe en peligro sin el tartamudeo de sus ancestros del stop-motion. Diseñado y animado por Tippett, Stuart Ziff y una gran cantidad de otros creativos de ILM, el modelo de movimiento terrestre de Peyorativo incluía un complejo sistema de control de movimiento compuesto por seis varillas accionadas por motor (una para cada pierna, una para el cuerpo y una para la cabeza). Para probar que su movimiento se ve idéntico, si no mejor, que cualquier dragón CGI, no necesitamos buscar más allá de DragonHeart de 1991, otro producto de Tippett que carece del pesado y táctil je ne sais quoi de Peyorative.
En una especie de giro de cuchillo, Tippett estuvo directamente involucrado en el proyecto que efectivamente hizo que el stop-motion (y, por extensión, el go-motion) fuera obsoleto: Jurassic Park. Originalmente, go-motion iba a ser utilizado ampliamente para los efectos de dinosaurio en la película, pero el director Steven Spielberg finalmente optó por seguir el entonces prometedor CGI. Tippett permaneció en la película, trabajando en estrecha colaboración con el equipo de CGI de ILM, prestando su experiencia paleontológica y colaborando en el Dispositivo de Entrada de Dinosaurios, una armadura de stop-motion tradicional con codificadores de movimiento que traducían el movimiento físico en un modelo digital.
Una mirada retrospectiva a «Parque Jurásico», la innovadora decisión de crear dinosaurios digitales y el impacto que tuvo en el futuro de las películas. fotografía.Twitter.com/suKZykh6NC
– The Academy (@TheAcademy) Octubre 12, 2020
Mientras que la última película adecuada de la era del movimiento en movimiento llegaría un poco más tarde en el verano de 1993 con Toothy Garthok de Coneheads, Jurassic Park marcó el giro de la carrera de Tippett y de la industria hacia VFX. Go-motion, y todos los esfuerzos significativos para manejar el stop-motion como una opción viable para efectos animados realistas, se extinguieron. Hoy en día, el desenfoque de movimiento mecánico es en general una cosa del pasado y ahora se puede simular digitalmente en posproducción (que es su propia lata de gusanos).
Notablemente, mientras que la llegada de CGI creíbles no ayudó a la supervivencia de go-motion, por su parte, la técnica también era prohibitivamente costosa. Tippett sirvió como productor asociado de RoboCop y animador en la película, supervisando las secuencias del amenazante droide ED-209 junto a Craig Hayes, Randy Dutra y Harry Walton. El efecto ED-209 se componía de un modelo en su mayoría estático, de siete pies de altura y 300 libras, así como de un títere más articulado. «No podíamos permitirnos el Go-Motion», le dice Tippett a VFX Voice. «Y ya sabes, en términos de credibilidad, los robots tienden a prestarse al proceso de stop-motion.»Y, al final del día, esta es la lección más importante: no necesariamente hay técnicas «mejores» o «peores», solo lo que mejor se adapta a una historia dada (y su presupuesto).
¿Cuál es el precedente?
El principio básico detrás de go-motion ha existido supuestamente desde al menos la década de 1920. Se dice que el legendario animador polaco-ruso Ladislas Starevich inventó la técnica después de establecerse en Francia. Starevich es recordado hoy como un pionero de la animación basada en títeres, una técnica que prácticamente inventó con su película de 1921 La bella Lukanida. También es famoso por filmar películas con protagonistas de animales, incluido el uso de insectos muertos con patas de alambre articuladas.
Como señala Mark Player en su artículo de 2016 «Media-Morphosis», el stop-motion de Starevich»fue inusualmente fluido para el período de tiempo». En lo que respecta al movimiento en movimiento, se dice que Starevich empleó la técnica de «bump», en la que exponía el títere después de ponerlo en movimiento para crear un desenfoque de movimiento convincente. También se dice que usó la técnica de «mover la mesa»: cuando un personaje corría, movía el set en la dirección opuesta. Puedes ver los resultados por ti mismo en varias películas posteriores de Starevich, incluida su película de 1937 The Tale of the Fox, su primer largometraje completamente animado.
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