Estilo de época
El concepto de estilo de época apareció por primera vez en los escritos del erudito alemán Johann Joachim Winckelmann (1717-1768). A menudo llamado el padre de la historia del arte, Winckelmann desarrolló un marco histórico para la escultura griega que se basaba en la apariencia de los objetos. Los griegos y los romanos también habían escrito sobre las obras, pero sus historias y guías discutían principalmente obras maestras específicas o grandes artistas. Winckelmann, por otro lado, creó una estructura que se basaba en características visuales, que definió con hermosos pasajes ecfrásticos sobre esculturas individuales.43 Esto significaba que era posible relatar obras anónimas de las que poco se sabía del arte más famoso del mundo Antiguo. También significaba que un objeto individual podía considerarse, por ejemplo, un ejemplo tardío de un estilo. La fecha de realización ya no determinaba el grupo en el que se colocaba una obra.
Al menos tan importante como la definición de estilo de Winckelmann fue su adopción de un modelo biológico para su estructura. Todo estilo tiene que tener límites, lugares donde comienza y termina, y Winckelmann los concibió en términos de la secuencia del crecimiento natural. Cada estilo comenzó con su nacimiento (la etapa temprana), progresó hasta la madurez (la fase media o clásica), un declive (la tardía) y, finalmente, la desaparición. El uso de este esquema ordena las obras en un orden muy específico y es un orden que implica juicios de valor. Los ejemplos tempranos o tardíos, que en opinión de Winckelmann se sitúan al principio o al final de un estilo, son necesariamente incompletos y, por lo tanto, imperfectos. Lo maduro, a menudo llamado clásico, representa la definición más completa y mejor del estilo.44 Este orden es tan común en la historia del arte moderno que es difícil concebirlo como el resultado de elecciones. Sin embargo, la definición de estilo de Lang, explicada anteriormente, nos recuerda lo mucho que este esquema también depende de la interpretación.
Utilizando variaciones del modelo de Winckelmann, historiadores y críticos han creado definiciones de estilo de época para muchos otros tipos de arte. Uno de los más importantes fue desarrollado por Heinrich Wölfflin (1864-1945) en Principios de la Historia del Arte, publicado en alemán en 1915 y todavía leído en la traducción al inglés hoy en día. Dos aspectos de su libro han sido particularmente influyentes. En primer lugar, la forma en que Wölfflin definió el estilo de época. Creía que el análisis de obras de arte particulares «revelaría la conexión de la parte con el todo»45 y rechazó decididamente la «analogía de brote, flor, decadencia».»46 Creó grupos, no secuencias, y definió sus límites oponiéndose a diferentes usos de los mismos elementos formales. Este método de análisis por oposición y comparación sigue siendo la forma en que se organizan muchas conferencias de historia del arte. Wölfflin dio por sentado que sus grupos eran en última instancia arbitrarios, y discutió de cuántas otras formas se podía dividir el mismo material.47
Los conceptos específicos utilizados por Wölfflin para definir ciertos estilos de época han sido muy influyentes. La idea de «lineal» versus «pictórico», vinculada a un cambio fundamental en la forma en que se ve el arte europeo de los siglos XV y XVI en comparación con el del siglo XVII, todavía aparece en los textos de encuestas de hoy.48 Los historiadores también continúan usando la palabra «pictórico».»Los otros pares explicados por Wölfflin en Principios han sido menos influyentes: plano / recesión, forma cerrada/abierta, multiplicidad/unidad, y claridad/falta de claridad.49
Incluso en la traducción, los análisis de Wölfflin de obras de arte particulares son excepcionales. Como Winckelmann, escribió sobre lo que vio magistralmente. Su aplicación del concepto de lo pictórico a la escultura, por ejemplo, resulta en una descripción hermosa y vívida del busto del cardenal Borghese de Gian Lorenzo Bernini (Galería Borghese, Roma):
Las superficies y los pliegues de la prenda no solo son inquietos por su propia naturaleza, sino que se conciben fundamentalmente con la mirada puesta en lo indeterminado plásticamente. Hay un parpadeo sobre las superficies y la forma elude la mano exploradora. Los reflejos de los pliegues destellan como lagartos, al igual que los reflejos, realzados con blanco, que Rubens introduce en sus dibujos. La forma total ya no se ve con vistas a la silueta. . . . un contorno que, inquieto en sí mismo, en todos los puntos lleva al ojo más allá del borde . La misma jugada continúa en la cabeza. Todo está dispuesto con vistas a la impresión de cambio. No es la boca abierta lo que hace que el busto sea barroco, sino el hecho de que la sombra entre los labios se considere algo plásticamente indeterminado. . . . t es fundamentalmente el mismo diseño que encontramos en Frans Hals y Lievens. Para la transformación de lo sustancial en lo insustancial que solo tiene una realidad visual, el cabello y los ojos son en este caso siempre especialmente característicos. La «mirada» se obtiene aquí por tres agujeros en cada ojo.
Wölfflin resumió la alternativa, el estilo lineal, en una frase sobre un busto de retrato de Pietro Mellini de Benedetto da Majano (Museo Nazionale, Florencia): «El punto esencial es que la forma está encerrada en una silueta firme, y que a cada forma separada – boca, ojos, arrugas separadas – se le ha dado una apariencia de determinación e inmovilidad basada en la noción de permanencia.»50
A través de esta y muchas otras comparaciones, Wölfflin argumentó a favor de una división entre los dos períodos, basada en un cambio fundamental en el estilo artístico. «Toda la noción de lo pictórico ha cambiado. La imagen táctil se ha convertido en la imagen visual, la revolución más decisiva que conoce la historia del arte.»51 Aunque encontró lo lineal y lo pictórico en otros lugares y períodos – la pintura impresionista, por ejemplo, era pictórica – fue el movimiento de lo que todavía llamamos Renacimiento al Barroco lo que más le interesó.