Exposición: 'She Who Tells a Story: Women Photographers from Iran and the Arab World' en el Museo de Bellas Artes de Boston-Art Blart

Fechas de exposición: 27 de agosto de 2013-12 de enero 2014

Gohar Dashti. 'Sin título #5' 2008

Gohar Dashti (Iraní, b. 1980)
sin Título #5
2008

me encanta que este archivo da una presencia de voces dispares.

Esta es una exposición importante, que desafía «las nociones occidentales sobre el ‘Oriente’, examina las complejidades de la identidad y redefine el documental como género.»El trabajo de 12 mujeres artistas de Irán y del Mundo Árabe desafía los estereotipos y proporciona información sobre cuestiones políticas y sociales. «Las imágenes, que van desde las bellas artes hasta el fotoperiodismo, refutan la concepción de que las mujeres árabes e iraníes son «oprimidas e impotentes», y en cambio refuerzan que algunas de las obras fotográficas más importantes de la región hoy en día las realizan mujeres.»

Marcus

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Muchas gracias al Museo de Bellas Artes de Boston por permitirme publicar las fotografías en la publicación. Haga clic en las fotografías para obtener una versión más grande de la imagen.

Gohar Dashti. 'Sin título #2' 2008

Gohar Dashti (iraní, nacido en 1980)
Sin título #2
2008

Tanya Habjouqa. 'Sin título' 2009

Tanya Habjouqa (Jordana, nacida en 1975)
Sin título
2009
De la serie Mujeres de Gaza

Tanya Habjouqa. 'Sin título' 2009

Tanya Habjouqa (Jordana, nacida en 1975)
Sin título
2009
De la serie Mujeres de Gaza

Rania Matar. Stephanie, Beirut, Líbano' 2010

Rania Matar (Libanés y Palestino/Americano, b. 1964)
Stephanie, Beirut, Líbano
2010

Rania Matar.

Rania Matar (Libanesa/Palestina/Estadounidense, nacida en 1964)
Alia, Beirut, Líbano
2010

Rula Halawani.

Rula Halawani (Palestina, n. 1964)
Sin título XIII
2002

Lalla Essaydi (marroquí, nacida en 1956)
Balas revisitadas #3
2012

Power and passion se exhibirá en el Museo de Bellas Artes de Boston (MFA) en una exposición de obras de 12 fotógrafas de Irán y del Mundo Árabe. La exposición, la primera de su tipo en América del Norte, presenta aproximadamente 100 fotografías y dos videos, creados casi en su totalidad en la última década, que desafían los estereotipos y proporcionan información sobre cuestiones políticas y sociales. Las imágenes, que van desde las bellas artes hasta el fotoperiodismo, refutan la concepción de que las mujeres árabes e iraníes son «oprimidas e impotentes», y en cambio refuerzan que algunas de las obras fotográficas más importantes de la región hoy en día las realizan mujeres. A la vista del 27 de agosto de 2013 al 12 de enero de 2014, La Que Cuenta una Historia: Las fotógrafas de Irán y del Mundo Árabe destacan la rica expresión artística de las fotógrafas pioneras Jananne Al-Ani, Boushra Almutawakel, Gohar Dashti, Rana El Nemr, Lalla Essaydi, Shadi Ghadirian, Tanya Habjouqa, Rula Halawani, Nermine Hammam, Rania Matar, Shirin Neshat y Newsha Tavakolian. Acompaña a la exposición una nueva publicación, She Who Tells a Story (Publicaciones del MFA, septiembre de 2013), escrita por la curadora de la exposición Kristen Gresh, Estrellita del MFA y Yousuf Karsh, Curadora Asistente de Fotografías. Esta exposición cuenta con el generoso apoyo de la Fundación Robert Mapplethorpe. Apoyo adicional del Fondo Barbara Jane Anderson.

«She Who Tells a Story reúne fotografías recientes de 12 artistas innovadores», dijo Malcolm Rogers, director de Ann y Graham Gund del MFA. «Sus obras cuentan historias que evocan una variedad de emociones, desafían nuestra percepción y presentan al Oriente Medio con una perspectiva fresca.»

En árabe, la palabra rawiya significa » la que cuenta una historia.»Estas fotografías son una colección de historias sobre la vida contemporánea en Irán y el Mundo Árabe. La exposición explorará temas de «Deconstrucción del Orientalismo», «Construcción de Identidades» y «Nuevo Documental», revelando la individualidad de la obra de cada artista, al tiempo que permite vislumbrar los paisajes sociales y políticos de la región. El MFA ha adquirido 18 de las obras expuestas en la Galería Henry y Lois Foster en el Ala de Arte Contemporáneo de la Familia Linde. Las adquisiciones realizadas en 2013 incluyen a Roja (Patriotas) de la serie Book of Kings (2012) de Shirin Neshat; la serie completa de nueve fotografías en Mother, Daughter, Doll (2010) de Boushra Almutawakel; tres grabados de la serie Women of Gaza (2009) de Tanya Habjouqa; dos fotos de la serie The Metro (2003) de Rana El Nemr; dos grabados de la serie Qajar (1998) de Shadi Ghadirian; y Sin título #2 de Today’s Life and War (2008) de Gohar Dashti.

» Reflexionando sobre el poder de la política y el legado de la guerra, las fotografías de esta exposición desafían las nociones occidentales sobre el ‘Oriente’, examinan las complejidades de la identidad y redefinen el documental como género», dijo la curadora Kristen Gresh, quien fue expuesta por primera vez a este trabajo mientras vivía en el extranjero durante 15 años, enseñando historia de la fotografía en París y El Cairo.

Históricamente, el orientalismo se refiere a las representaciones de artistas europeos o estadounidenses de Oriente, incluidas las culturas de Oriente Medio, África del Norte y Oriente, a menudo presentando al «Oriente» como culturalmente inferior. La historia de la fotografía en el área ha consistido en gran medida en imágenes creadas por extraños, que van desde pirámides y sitios bíblicos sagrados hasta escenas de harén escenificadas y bailarinas del vientre. Junto con mitos y cuentos tradicionales como la Reina «Persa» Sheherazade y las Mil y Una Noches «Árabes», los conceptos erróneos continúan persistiendo hasta el día de hoy. Estos estereotipos se rompen con la innovadora serie Women of Allah (1993-97) de Shirin Neshat. La serie surgió de una visita que hizo a su Irán natal 15 años después de la Revolución Iraní (1979). Se pueden ver cuatro retratos de la serie – Sin título (1996), Sin palabras (1996), Soy su secreto (1993) e Identificado (1995) – cada uno de los cuales incorpora elementos del velo (o hijab), arma, texto y mirada, y rompe mitos orientalistas, mostrando a las mujeres empoderadas frente a la oposición. Entre las primeras fotografías de la exposición, están superpuestas con escritura persa de escritoras iraníes contemporáneas y evocan el papel que desempeñaron las mujeres en la Revolución iraní. La serie marcó un punto de inflexión en la historia reciente de la representación y los debates sobre el velo, inspirando la exploración de otros fotógrafos.

Además de Neshat, otros han tenido un impacto en la historia de la representación visual y la percepción de los estereotipos orientalistas. En el díptico Sin título I & II (1996), Jananne Al-Ani, nacida en Irak, utiliza a las mujeres de su familia (y a ella misma) para mostrar una progresión en el velo, de sin velo a completamente velado, y de regreso. La instalación de las impresiones de gran formato tiene el efecto de atrapar al espectador entre las miradas inmóviles de las mujeres, utilizando el poder de la lente para abordar los mitos sobre la opresión de las mujeres musulmanas. Lalla Essaydi, nacida en Marruecos, ex pintora y ex alumna de la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston (SMFA), utiliza la iconografía de las pinturas orientalistas del siglo XIX como inspiración para explorar y cuestionar su propia identidad cultural. En el tríptico Bullets Revisited #3 (2012), el trabajo más extenso de la exposición a 5 1/2 x 12 1/2 pies, y Converging Territories #29 (2004), utiliza la caligrafía (una forma de arte típicamente masculina) para sugerir la complejidad de los roles de género dentro de la cultura islámica. En Bullets Revisited #3, los casquillos de bala plateados y dorados evocan violencia simbólica, haciendo referencia a su miedo a las crecientes restricciones a las mujeres en una nueva era posrevolucionaria que siguió a las manifestaciones y protestas en el mundo árabe que comenzaron en 2010.

Al igual que el trabajo de Neshat y Al-Ani de la década de 1990, la icónica serie Qajar (1998) del artista iraní Shadi Ghadirian fue un punto de partida para muchos fotógrafos de la época. Ghadirian, que actualmente vive en Teherán, tomó fotos que ilustraban cuestiones de identidad y ser mujer en Irán. Los nueve grabados expuestos de la serie Qajar yuxtaponen a mujeres jóvenes con trajes tradicionales con objetos entonces prohibidos, como cajas de música, instrumentos musicales y maquillaje, lo que sugiere tensión entre tradición y modernidad, restricción y libertad, público y privado. También se incluye en la exposición otra serie ghadiriana posterior que presenta yuxtaposiciones: Nil, Nil (2008), que pone en primer plano la experiencia de las mujeres en el hogar durante la guerra, invocando historias incalculables de pérdida y espera. La serie incluye imágenes de balas que sobresalen de un bolso de mano; una granada en un tazón de fruta; y un casco militar colgado en la pared junto a un pañuelo en la cabeza, que recuerda las complejidades de las personas públicas masculinas y femeninas y los deseos privados.

Los primeros retratos escenificados de Ghadirian sentaron las bases para que los fotógrafos posteriores abordaran el tema de la identidad, incluido Boushra Almutawakel, nativo de Yemen. Su serie Mother, Daughter, Doll (2010) utiliza el velo para desafiar las tendencias sociales y el aumento del extremismo religioso, que exige que las mujeres, e incluso las niñas, cubran sus cuerpos en público. Los retratos escenificados no denuncian el hiyab, sino que protestan por las nociones extremistas de cubrir cuerpos y la tendencia hacia el negro. Los nueve estampados en exhibición muestran sonrisas de madre e hija que se desvanecen a medida que su colorida ropa desaparece de una foto a otra. La serie termina con una imagen de un pedestal vacío cubierto de tela negra mientras la madre, la hija y la muñeca son completamente eliminadas, una declaración sobre borrar al individuo a través del vestido. Almutawakel ofrece una perspectiva sensible de la vida pública y privada de las mujeres jóvenes, al igual que la libanesa Rania Matar en su serie A Girl and Her Room (2009, 2010). Estos seis retratos de mujeres jóvenes de Oriente Medio capturan a niñas en sus habitaciones, rodeadas de sus pertenencias. A pesar de la diversidad de escenarios y modelos, la serie refleja las experiencias compartidas universalmente de la mayoría de edad y las complejidades de ser una mujer joven.

La identidad se investiga más a fondo en el trabajo de la fotoperiodista Newsha Tavakolian, que actualmente vive en Teherán y cuyas fotos recientes de las elecciones iraníes aparecieron en publicaciones desde el New York Times hasta la revista Time. Después de experimentar dificultades para fotografiar en público en 2009, recurrió a la fotografía de bellas artes para abordar problemas sociales. La exposición presenta seis retratos, seis portadas imaginarias de CD y un video de seis pantallas de su serie Listen (2010), todos retratando cantantes profesionales a quienes, como mujeres, los principios islámicos les prohíben actuar en público o grabar CD en su país natal, Irán. Los cantantes de Tavakolian no aparecen con micrófonos, aunque cada uno está claramente atrapado a mitad de la canción. Su pasión por las historias de estas mujeres la inspiró a crear las portadas imaginarias de CD que representan el carácter de cada intérprete. El video que lo acompaña muestra a las mujeres hablando emocionalmente palabras inauditas, sugiriendo la idea del silencio impuesto. Metáforas de música, voz y expresión, también se encuentran en otras obras expuestas, como en la serie Qajar, y en Mystified (1997) de Neshat.

Tavakolian representa a una generación de fotógrafos iraníes posrevolucionarios, mientras que Neshat representa a una generación de artistas nacidos antes de la revolución pero que han abandonado el país. Neshat dejó su país natal en 1974 para estudiar arte en los Estados Unidos antes de la agitación en 1979, y continúa aprovechando su herencia cultural. En la exposición se podrán ver ocho imágenes de su serie Book of Kings (2012). Esta serie reciente, que traduce su título de la épica persa Shahnameh de 1.000 años de antigüedad, marcó un regreso a la fotografía en blanco y negro y se compone de retratos de grupos de individuos que Neshat llama las Masas, los Patriotas y los Villanos. Las cifras de esta serie representan a los miles de personas que participaron en protestas, en particular el Movimiento Verde Iraní (2009) y la Primavera Árabe (2011). Las Masas están representadas por disparos a la cabeza de hombres y mujeres árabes e iraníes cuyas caras están cubiertas con caligrafía, excepto los ojos y la boca. Las imágenes están destinadas a mostrarse una al lado de la otra para simular el poder de la gente. Al igual que lo hizo en Mujeres de Alá, Neshat persigue paradojas del pasado y el presente y el poder y la sumisión; Book of Kings también demuestra su desarrollo y evolución como artista.

Además de abordar cuestiones sociales y políticas, La que Cuenta una Historia también presenta un nuevo tipo de imaginación documental – artística traída a experiencias de la vida real. Los temas de la guerra, la ocupación, la protesta y la revuelta, así como las preocupaciones sobre la fotografía como medio, encuentran un lugar en este nuevo género. Así como Nil, Nil de Ghadirian relató historias de guerra, el trabajo iraní de Gohar Dashti también aborda el tema. Ambos fotógrafos crecieron durante la guerra entre Irán e Irak (1980-88). Today’s Life and War (2008) de Dashti es una serie de fotografías teatrales escenificadas en las que una pareja desarrolla actividades ordinarias en un campo de batalla ficticio. En Sin título # 5, se sientan como recién casados en el caparazón de un coche abandonado y en Sin Título #7, en el suelo en una mesa tradicional improvisada que celebra el Año Nuevo Persa, Nowruz. Las cuatro impresiones restantes muestran a la pareja realizando rutinas diarias, pero interrumpidas por símbolos de guerra: un tanque, una cabeza de misil, una pared de sacos de arena. Las imágenes de Dashti son metáforas de la experiencia de la guerra y recuerdan sus propios recuerdos de la infancia que vivió cerca de la frontera entre Irán e Irak.

Se pueden encontrar alternativas a los documentales escenificados de Dashti en las obras de la egipcia Rana El Nemr y la jordana Tanya Habjouqa, quienes capturan directamente a personas en entornos urbanos. En El Metro (2003), El Nemr dispara discretamente a los pasajeros en el automóvil designado para mujeres, sentados o de pie, profundamente pensativos. Las imágenes transmiten cómo puede ser la vida cotidiana anónima y cómo las personas interactúan entre sí en espacios públicos. Mujeres de Gaza de Habjouqa (2009) registra la experiencia de las mujeres en Gaza, que, como todas las residentes del territorio ocupado, viven con libertad limitada. Tomadas en un lapso de dos meses, las imágenes celebran placeres modestos, que incluyen un picnic en la playa, un paseo en bote y una clase de aeróbic. Habjouqa retrata suavemente el lado positivo de la vida de sus súbditos. Women of Gaza es un ejemplo de fotoperiodismo en exhibición.

Otra área de exploración para los fotógrafos de Oriente Medio es el medio en sí. Al-Ani, Rula Halawani y Nermine Hammam empujan los límites de la fotografía de nuevas maneras. Las obras de Al-Ani Aerial I y Shadow Sites II, un video de un solo canal, representan el paisaje jordano desde un avión. El video de casi nueve minutos, hecho exclusivamente a partir de fotografías que se disuelven una en otra, combina naturaleza, vuelo y tecnología. Halawani, un nativo de Palestina que actualmente reside en Jerusalén Oriental, aborda la experiencia de la destrucción y el desplazamiento. En Incursiones negativas (2002), una serie de imágenes de la invasión israelí de Cisjordania de 2002, fotografía escenas de guerra y luego las amplía e imprime en su forma negativa. Esta técnica oscurece los detalles del tiempo y el lugar, aumentando la intensidad dramática y dando como resultado imágenes poderosas de tanques en acción, afligiendo a madres y familias entre los escombros de las secuelas. Las rayas de luz entre las ruinas son una metáfora de la difícil situación del pueblo palestino, mientras que las gruesas fronteras negras imitan la forma de una pantalla de televisión para transmitir las críticas de Halawani a la cobertura de los medios.

Hammam’s Cairo Year One (2011-12), que aborda el levantamiento de 18 días en Egipto (enero de 2011) y sus secuelas, también experimenta con los usos de la fotografía. Consta de 13 estampados en dos partes: Upekkha (referencia al concepto budista de ecuanimidad) y Unfolding (referencia a las pantallas japonesas plegables). En Upekkha, Hammam incorpora fotografías de soldados en la Plaza Tahrir dentro de escenas de paisajes pacíficos de tarjetas postales de su colección personal, que muestran la vulnerabilidad de los jóvenes. En contraste, la segunda parte de la serie, Unfolding, fue creada después de que el levantamiento terminara, cuando le resultaba difícil fotografiar. En los dos grabados, combina reproducciones de pantallas japonesas 17 y 18 con fotos de brutalidad policial.

Comunicado de prensa del sitio web del Museo de Bellas Artes de Boston

Nermine Hammam.