«Drive» de Nicolas Winding Refn fue una de las grandes historias de éxito del año pasado, que de alguna manera pocas personas parecían conocer. A pesar de que llevó el bullicio a un crescendo ensordecedor entre su primera aparición en el Festival de Cine de Cannes de 2011 y su estreno en cines en septiembre, la mayor parte del estruendo provino de la industria, y a pesar de que sus haul 70 millones de dólares han triplicado el costo de realizarla, una película de menos de $100 millones apenas se registra entre la gente que busca nada menos que un fenómeno cinematográfico. Pero a medida que el año llegaba a su fin, la película de Refn ganó un escondite entre los críticos y su audiencia modesta pero ferviente que garantizó que sería vista, apreciada y, lo más importante, compartida en los próximos años.
Como » Drive «llega al video casero esta semana en un Blu-ray igualmente modesto pero impresionante, La lista de reproducción se puso al día con Refn a través de Skype desde el set de Tailandia de su próxima película,» Only God Forgives. Además de profundizar un poco más en la concepción de «Drive», Refn discutió su colaboración con la estrella Ryan Gosling, y examinó el significado de la película para él, tanto creativa como personalmente.
¿Cómo te sientes acerca de las reacciones que la gente ha tenido a la película?
Para una película como «Drive», es bastante sorprendente que pueda llevarse a cabo con el mismo éxito que lo hizo.
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¿Tuvo alguna reacción a la mujer que presentó la demanda sobre la comercialización de la película?
A veces Jerry Springer no era incorrecto cómo describía a América.
¿Cómo fue?
Bueno, basta de palabras (risas). Creo que vengo de una sociedad en la que no se puede demandar a la gente porque el sol no brilla, y no se cómo responder a esa situación. Porque para mí es tan extraño, es surrealista.
¿Qué tan cómodo estás hablando o pensando en las perspectivas de temporada de premios de una película que hiciste?
Bueno, tu prioridad número Uno es solo hacer una película, y espero que sea buena y estés orgulloso de ella, y eso es solo más, y más, y más, esas son las primeras tres categorías que buscas. Y luego esperas lo mejor. Quiero decir, entramos en Cannes, que fue una gran y agradable sorpresa, y ganamos en Cannes, y luego fuimos nominados a la Mejor Película Extranjera en el Reino Unido, así que, ¿quién sabe? El cielo es el límite, pero al final, lo más importante, pude hacer la película que quería hacer, y a mi madre le gustó mucho. Y también la madre de Ryan, así que estamos felices.
Uno de los aspectos de la película que mejor funciona es esa extraña combinación de una estética estilizada y de cuento de hadas y la retención de un borde visceral que la mantenía anclada en la realidad. ¿Qué tan difícil fue eso de mantener?
Bueno, eso es lo interesante de los cuentos de hadas de los hermanos Grimm y, en general, de las grandes historias de cuentos de hadas como la de Hans Christian Anderson: están arraigadas en una forma de realidad con la que puedes conectarte. Emocionalmente, son metáforas de sentimientos más profundos dentro de la sociedad, y es difícil decirte específicamente que no tienes que ir con lo que se siente correcto: en lo que crees y con lo que estás conectado como cineasta. Esencialmente, cuando haces una película, eres una audiencia de una y tienes que mirarla así; esperemos que haya más de ustedes por ahí, más clones que les guste lo que les gusta, pero eso es lo que solo pueden hacer. Pero los cuentos de hadas de los Grimm, que probablemente fueron la mayor inspiración para cómo se creó la película, siempre tuvieron sus raíces en una realidad, y aunque es una realidad aumentada, siempre fue esencialmente una historia de amor sobre el bien y el mal. Y eso es algo que es accesible para todos en todas partes.
¿En qué momento rellenas esa historia arquetípica con detalles específicos, para preservar esa idea central y agregar idiosincrasias que distinguen y mejoran a tus personajes?
Bueno, eso se convierte casi en el diseño técnico, el ADN, la estructura y el diseño de la película. Pero mucho de esto, por supuesto, proviene de la fundición; se trata de encontrar a las personas adecuadas para las piezas correctas. Es enorme, porque una vez que tienes eso, tienes la columna vertebral, y esa es la razón por la que fue tan difícil para mí encontrar a una Irene, por ejemplo, que originalmente en la novela de James Sallis era un personaje latino. Y me reuní con muchas actrices latinas geniales, pero por alguna razón, no podía conectar, no podía sentir, y no sabía por qué hasta que Carey entró en mi vida y pude ver que podía enamorarme y quería protegerla. Y es por eso que al final essentially esencialmente estaba haciendo una película sobre lo que haría y la pureza del amor entre mi esposa y yo. Esa era una especie de ilusión mía: que al final, si iba a ser esta película como persona, entonces sería Conductor, y mi esposa sería Irene, y mi conciencia más profunda, más profunda, siempre estaba arraigada en eso. Ese era el corazón de mi mente. No dije esto en voz alta, no lo mencioné; es un misterio tal que realmente no se puede discutir hasta que se hace, porque entonces en retrospectiva se puede pensar en ello. Pero al final, soy un cineasta fetichista: hago películas basadas en lo que me gustaría ver.
Si ves la película como una representación de tu amor por tu esposa, ¿qué tan literal es esa metáfora, ya que lo que tiene que hacer es destruir la oportunidad de que los dos estén juntos para mostrarle cuánto la ama?
Lo cual es cierto, absolutamente. Y la película no es autobiográfica de mi relación con mi esposa, sino que representa el profundo amor que tengo por ella.
Viendo la escena en el ascensor, me acordé de la escena de la violación en «Érase una vez en América», como si el conductor supiera que tiene que destruir la oportunidad de que los dos estén juntos para protegerla.
Bueno, Sergio Leone es uno de mis cineastas favoritos de todos los tiempos. Hace unos años tuve la suerte de conocer a su esposa en España. Su esposa era mucho más joven que él, así que mi esposa Liv, que en realidad significa vida en danés, nos sentamos con ella en España, y mi hija mayor estaba allí. Sólo tenía un hijo en ese momento. Y tomamos café y hablamos de Sergio Leone con su esposa. Pero teníamos una traductora porque no hablaba ni una palabra de inglés (risas).
¿Cuánto tienes que estar en la misma página que tus colaboradores? En las entrevistas, Ryan describió a Driver como una persona que creía que era un hombre lobo; ¿es esa una percepción que compartieron ustedes dos?
Es vital que el actor principal y el director compartan ground…it es vital y creo que lo que funcionó tan bien para Ryan y para mí es que por nuestra experiencia en el viaje en coche y esta extraña cita mágica que tuvimos, nos convertimos en una sola persona. Era como si tuviéramos una relación telequinética y nos convirtiéramos en una; así que sí, Ryan, el personaje es un hombre que en el fondo es un hombre lobo porque en el fondo es un hombre psicótico, pero también es un hombre que es dos personas: es una persona de día y una persona de noche. Así que el análisis de Ryan es completamente correcto en cómo lo verbaliza; Puedo verbalizarlo de una manera diferente, pero el núcleo es exactamente el mismo ADN. Y eso es lo que hace que sea una gran colaboración, y estoy seguro de que si hablas con otros colaboradores, Martin Scorsese y Robert De Niro o James Stewart y Alfred Hitchcock, estoy seguro de que obtendrás el mismo tipo de respuestas. Es por eso que es tan importante encontrar a su protagonista, es como si su protagonista fuera su alter ego como director, y su protagonista es casi como crear Frankenstein. Es alguien que enciende las bombillas, pero solo puede encenderlas si las bombillas representan lo que quiere ser en el fondo, o sus anhelos o necesidades.
Es como un corazón, necesita sangre para bombear, así que en cierto modo es como sexual. El cine es muy sexual, porque se trata de trabajar con tus colaboradores tan intensamente como una experiencia sexual, descubrir lo que le gusta a la otra persona, lo que necesita y lo que puede contribuir a la emoción que estás tratando de construir. Por eso para mí siempre han sido los actores, la fotografía y el montaje; por supuesto, todo comienza con un gran arco argumental, y se convierte en un gran guion, y así sucesivamente. Así es como se construye. Pero una vez que tienes un guion que a tu protagonista le gusta y puede ver, y tu fotógrafo puede ayudarte a visualizarlo y tu editor puede ayudarte a estructurarlo, esas son esencialmente tus personas clave. Y, por supuesto, todos son importantes en una película; cada función es necesaria. Es como un rompecabezas-todo el mundo necesita agregar algo; pero hay una jerarquía de cómo se desarrolla. Pero todo se trata de expresar emociones, y es por eso que el cine es el medio de un director: el director es el autor, el autor de la película, ya sea que esté basada en un libro o en la idea de alguien o lo que sea (risas). Esencialmente, es el director de cine quien es el autor, y todo el mundo está ahí para ayudar al director de cine y al autor y contribuir a su visión, como lo llaman en Hollywood. Lo llamo la creación.