Style d’époque
Le concept de style d’époque est apparu pour la première fois dans les écrits de l’érudit allemand Johann Joachim Winckelmann (1717-1768). Souvent appelé le père de l’histoire de l’art, Winckelmann a développé un cadre historique pour la sculpture grecque basé sur l’apparence des objets. Les Grecs et les Romains avaient également écrit sur les œuvres, mais leurs histoires et guides abordaient principalement des chefs-d’œuvre spécifiques ou de grands artistes. Winckelmann, quant à lui, a créé une structure qui s’appuyait sur des caractéristiques visuelles, qu’il a définies avec de beaux passages ekphrastiques sur des sculptures individuelles.43 Cela signifiait qu’il était possible de relier des œuvres anonymes dont on savait peu de choses à l’art le plus célèbre du monde antique. Cela signifiait également qu’un objet individuel pouvait être considéré, par exemple, comme un exemple tardif de style. La date de fabrication ne déterminait plus le groupe dans lequel une œuvre était placée.
Au moins aussi important que la définition du style de Winckelmann était son adoption d’un modèle biologique pour sa structure. Chaque style doit avoir des limites, des endroits où il commence et se termine, et Winckelmann les a conçus en termes de séquence de croissance naturelle. Chaque style a commencé par sa naissance (le stade précoce), a progressé vers la maturité (la phase moyenne ou classique), un déclin (la fin) et, enfin, une disparition. L’utilisation de ce schéma organise les œuvres dans un ordre très spécifique et c’est un ordre qui implique des jugements de valeur. Les exemples précoces ou tardifs, qui, selon Winckelmann, se situent au début ou à la fin d’un style, sont nécessairement incomplets et donc imparfaits. La maturité, souvent appelée classique, représente la définition la plus complète, la meilleure, du style.44 Cet ordre est si courant dans l’histoire de l’art moderne qu’il est difficile de le concevoir comme le résultat de choix. La définition du style de Lang, cependant, expliquée ci-dessus, nous rappelle à quel point ce schéma dépend également de l’interprétation.
En utilisant des variations du modèle de Winckelmann, les historiens et les critiques ont créé des définitions du style d’époque pour de nombreux autres types d’art. L’un des plus importants a été développé par Heinrich Wölfflin (1864-1945) dans Principes de l’histoire de l’art, publié en allemand en 1915 et encore lu en traduction anglaise aujourd’hui. Deux aspects de son livre ont été particulièrement influents. La première est la façon dont Wölfflin a défini le style d’époque. Il croyait que l’analyse d’œuvres d’art particulières » révélerait le lien de la partie à l’ensemble » 45 et il rejetait résolument « l’analogie du bourgeon, de la floraison, de la décomposition. » 46 Il a créé des groupes, et non des séquences, et a défini leurs limites en s’opposant à différentes utilisations des mêmes éléments formels. Cette méthode d’analyse par opposition et comparaison est toujours la façon dont de nombreuses conférences d’histoire de l’art sont organisées. Wölfflin tenait pour acquis que ses groupes étaient finalement arbitraires et discutait de combien d’autres façons le même matériel pouvait être divisé.47
Les concepts spécifiques utilisés par Wölfflin pour définir certains styles d’époque ont été très influents. L’idée de « linéaire » versus « pictural », liée à un changement fondamental de la manière dont l’art européen des XVe et XVIe siècles se compare à celui du XVIIe siècle, apparaît encore aujourd’hui dans les textes d’enquête.48 Les historiens continuent également d’utiliser le mot « pictural. »Les autres paires expliquées par Wölfflin dans Principles ont été moins influentes: plan / récession, forme fermée / ouverte, multiplicité / unité et clarté / impureté.49
Même en traduction, les analyses de Wölfflin sur des œuvres d’art particulières sont exceptionnelles. Comme Winckelmann, il a écrit sur ce qu’il a vu magistralement. Son application du concept de la peinture à la sculpture, par exemple, se traduit par une description belle et vivante du buste du cardinal Borghese de Gian Lorenzo Bernini (Galerie Borghese, Rome):
Les surfaces et les plis du vêtement ne sont pas seulement de leur nature même agités, mais sont fondamentalement envisagés avec un œil à l’indéterminé plastiquement. Il y a un scintillement sur les surfaces et la forme échappe à la main exploratrice. Les reflets des plis s’effacent comme des lézards, tout comme les reflets, rehaussés de blanc, que Rubens introduit dans ses dessins. La forme totale n’est plus vue en vue de la silhouette. . . . un contour qui, agité en lui-même, en tous points conduit l’œil au-delà du bord. Le même jeu se poursuit dans la tête. Tout est arrangé en vue de l’impression de changement. Ce n’est pas la bouche ouverte qui rend le buste baroque, mais le fait que l’ombre entre les lèvres soit considérée comme quelque chose d’indéterminé plastiquement. . . . t est fondamentalement le même design que celui que nous avons trouvé chez Frans Hals et Lievens. Pour la transformation du substantiel en non substantiel qui n’a qu’une réalité visuelle, les cheveux et les yeux sont dans ce cas toujours particulièrement caractéristiques. Le « look » est ici obtenu par trois trous dans chaque œil.
Wölfflin a résumé l’alternative, le style linéaire, en une phrase sur un buste de portrait de Pietro Mellini par Benedetto da Majano (Museo Nazionale, Florence): « Le point essentiel est que la forme est enfermée dans une silhouette ferme, et que chaque forme distincte – bouche, yeux, rides séparées – a reçu une apparence de détermination et d’immobilité basée sur la notion de permanence. »50
À travers cette comparaison et de nombreuses autres, Wölfflin a plaidé pour une division entre les deux périodes, basée sur un changement fondamental du style artistique. » Toute la notion du pictural a changé. L’image tactile est devenue l’image visuelle – la révolution la plus décisive que l’histoire de l’art connaisse. »51 Bien qu’il ait trouvé le linéaire et le pictural dans d’autres lieux et périodes – la peinture impressionniste, par exemple, était picturale –, c’est le mouvement de ce que nous appelons encore la Renaissance au baroque qui l’intéressait le plus profondément.