Bienvenue dans Comment ont-Ils fait Cela? – une chronique mensuelle qui déballe des moments de magie cinématographique et célèbre les sorciers techniques qui les ont tirés. Cette entrée explique comment fonctionne le go-motion, l’effet spécial mis au point par Phill Tippett.
J’espère que vous avez tous apporté vos petites boîtes à outils et vos chapeaux à larges bords – parce que nous sommes sur le point de faire de l’archéologie d’animation!
Avant le début des années 1990, si vous vouliez inclure des créatures fantastiques, des dinosaures ou des huitième merveilles du monde dans votre film, vous deviez vous fier à des effets pratiques. Et regardez, je suis un fan de costumes à taille humaine et de marionnettes énormes autant que le prochain monstre. Mais une technique pratique se distingue, à la fois comme médium créatif à part entière et comme l’un des effets spéciaux les plus anciens du cinéma: l’animation en stop motion.
Près de 150 ans après son invention, le stop-motion est toujours vivant. Et bien que j’aimerais m’asseoir ici et chanter les louanges des animations Laika et Aardman pour garder la torche allumée, il convient de rappeler qu’une partie importante du but du stop-motion n’est pas entrée dans le 21e siècle. Des films comme Kubo et les Deux cordes (2016), Chaînon manquant (2019) et Un film de Shaun le mouton: Farmageddon (2019) ne visent pas le réalisme. Le stop-motion, tel qu’il existe aujourd’hui, est stylisé, exagéré et ne cherche pas à vous convaincre que ce que vous regardez est autre chose que de l’animation. Mais cela n’a pas toujours été le cas. Pendant un certain temps, l’objectif du stop-motion était de créer des séquences animées réalistes qui semblaient et se déplaçaient comme si elles existaient dans le monde réel.
Et cela nous amène à une décennie fascinante, bien que vouée à l’échec, dans l’histoire de l’animation: une période au cours de laquelle des esprits novateurs ont cherché (et sans doute réussi) à amener le stop-motion à un nouveau niveau de réalisme juste avant que CGI ne frappe la porte proverbiale. Comme le dit le magazine Big Picture, go-motion est un « fossile de transition presque oublié » – un pont ambitieux entre la tactilité étrange rendue célèbre par Ray Harryhausen et la fluidité cinétique à laquelle nous nous sommes habitués à l’ère numérique. Jetons un coup d’œil à la façon dont cela a fonctionné:
Comment ont-ils fait cela?
Pour faire court :
En utilisant des articulateurs à commande de mouvement, go-motion permet à une marionnette articulée de se déplacer lorsque l’obturateur de la caméra est ouvert. Cela crée l’apparence d’un flou de mouvement. L’idée est d’éviter la sensation de bégaiement qui vient parfois avec l’animation en stop-motion traditionnelle.
Longue histoire longue:
Afin d’apprécier pleinement les aspects techniques du go-motion, il est important de comprendre pourquoi le procédé a été inventé en premier lieu.
Le stop-motion est une technique qui demande beaucoup de temps et de main-d’œuvre et qui consiste à photographier des objets au fur et à mesure qu’ils sont déplacés. Lorsque cette série d’images est projetée à la norme 24 images par seconde, un phénomène optique appelé persistance de la vision prend le relais et l’objet semble se déplacer (plus ou moins) de manière fluide.
Alors que le film en prise de vue réelle utilise des images individuelles pour capturer le mouvement qui s’est réellement produit, le stop-motion utilise des images individuelles pour capturer des objets image par image. En conséquence, le stop-motion a tendance à créer un effet staccato reconnaissable. Ce stroboscope a lieu car l’objet animé est statique dans chaque image après son repositionnement. Si vous deviez mettre en pause au hasard une séquence en stop-motion, quelle que soit l’image sur laquelle vous avez atterri serait parfaitement nette, ce qui est idéal pour saisir des captures d’écran, mais quelque peu problématique pour créer un mouvement crédible.
Les objets réels en mouvement capturés sur film ont un flou de mouvement car ils se déplacent lorsque l’obturateur de l’appareil photo est ouvert. Si vous deviez mettre en pause une vidéo de votre chien en train de zoomer sur une plage, il y a de fortes chances que n’importe quel cadre fixe donné présente une tache de couleur de chien plutôt qu’un sujet complètement net. L’absence de flou de mouvement de l’animation en stop-motion fait partie de ce qui fait que le stop-motion ressemble si distinctement au stop-motion. Et regardez: ce genre de mouvement saccadé et délibéré est parfait pour quelque chose d’intrinsèquement maladroit comme le géant de bronze de 70 mètres de haut dans Jason et les Argonautes de Don Chaffey. Mais, dans l’ensemble, ce genre de bégaiement peut être distrayant et un signe révélateur de la présence du stop-motion. Et cela peut être un vrai problème pour un film qui espère intégrer parfaitement l’action en direct et le stop-motion dans la même séquence.
Go-motion a été développé pour créer une animation en stop-motion moins agitée. L’idée centrale du processus consiste à déplacer légèrement la marionnette ou le modèle pendant l’exposition de chaque image, ce qui produit un flou de mouvement réaliste entre chaque repositionnement statique. Alors que l’animation en stop-motion consiste en des images de mouvements fixes et incrémentiels, le go-motion est constitué d’images de l’objet prises au même instant qu’il se déplace.
Les animateurs ont utilisé diverses techniques pour simuler le flou de mouvement, dont beaucoup consistent à bousculer légèrement la marionnette pendant l’exposition de chaque image sans tout renverser ni trop bouger. Si vous vous dites « wow, cela semble encore plus difficile que de simplement prendre un tas de photos d’un modèle posé », vous auriez raison.
Go-motion a été lancé par le magicien de la lumière industrielle &Phil Tippett lors de la production de Star Wars: Épisode V – L’Empire contre-attaque (1980). Pendant sa grande pause sur Star Wars: Episode IV – Un nouvel espoir, les tâches d’effets spéciaux de Tippett comprenaient un effet d’animation en stop-motion d’un groupe de figurines holographiques le faisant tomber sur un échiquier. Ce travail a ouvert la porte à son travail innovant (et à celui de Jon Berg) sur Empire, notamment la bataille de Hoth, dans laquelle la base de glace du Rebelle est attaquée par d’imposants transports blindés tout-terrain. En ce qui concerne le stop-motion, la séquence est aussi monumentale que tout ce que Willis O’Brien ou Harryhausen ont jamais produit. Alors que des techniques différentes et des modèles de tailles différentes étaient utilisés, les Tauntauns rapides et les marcheurs impériaux AT-AT forestiers utilisaient tous deux le mouvement de go, bien que sous une forme plus rudimentaire que ce que Tippett et ILM développeraient plus tard. Pour les Tauntauns (créatures bipèdes ressemblant à des chameaux de l’alliance), les marionnettes étaient légèrement déplacées le long d’une piste contrôlée par le mouvement à chaque ouverture de l’obturateur de la caméra.
« Les gens en Stop-motion essayaient depuis des années de trouver des moyens d’ajouter du flou de mouvement aux choses, mais cela prenait trop de temps et était trop lourd, et rien n’avait jamais l’air très bien de toute façon, jusqu’à ce moment-là », explique Tippett dans Monster Squad de Heather A. Wixton. « Quand nous sommes arrivés à ILM et avons commencé à créer Empire, il était très clair que l’une des premières choses que nous devions faire était d’expérimenter la combinaison de la technologie de contrôle de mouvement qu’ils utilisaient pour les vaisseaux spatiaux, puis de trouver un moyen de l’appliquer aux personnages en stop-motion. Cela a fini par être un tableau très rudimentaire que nous avons fait, où il s’agissait simplement d’assembler deux types de technologies et de voir ce qu’elles pouvaient faire. »
Tout comme les caméras contrôlées par ordinateur ont contribué à élever les effets optiques de l’écran bleu de Star Wars à de nouveaux sommets, le processus go-motion a cherché à tirer parti du potentiel des mécanismes de contrôle du mouvement pour l’animation. À son plus sophistiqué, go-motion impliquait de programmer un ordinateur pour déplacer des tiges externes qui manipuleraient légèrement divers points d’une marionnette lors de chaque exposition. Chaque tige serait fixée à des moteurs pas à pas reliés à un ordinateur capable d’enregistrer les mouvements du modèle tel qu’il était animé par les marionnettistes. Ce mouvement exposé, combiné à une manipulation manuelle traditionnelle entre les cadres, crée un mouvement articulé avec un flou de mouvement qui semble assez convaincant.
Dans un sens, le moment de l’innovation de Tippett était fortuit. Star Wars a explosé la demande de travail VFX. Et dans les années 1980 pré-CGI, cela signifiait de nombreuses opportunités pour le go-motion. La technique apparaît dans tout, de l’Eborsisk à deux têtes dans Willow (1988) au monstre Dark Overlord dans Howard the Duck (1986). Mais, pour mon argent, la démonstration la plus étonnante des prouesses de go-motion se trouve dans le premier projet de Tippett après Empire: le film d’épée et de sorcellerie Dragonslayer de 1981. Pour tous les tapis optiques douteux de Dragonslayer, le dragon titulaire (dont le nom, je te chie pas, est péjoratif Vermithrax) a l’air incroyable. Alors qu’une variété de techniques ont été utilisées pour donner vie au péjoratif, les avantages de go-motion sont visibles lorsque le dragon marche sur terre: l’énorme bête clame avec fluidité à travers des cavernes étroites, se sabordant furieusement après notre héros en péril sans le bégaiement de ses ancêtres en stop-motion. Conçu et animé par Tippett, Stuart Ziff et une foule d’autres créateurs d’ILM, le modèle terrestre go-motion de Pejorative comprenait un système de contrôle de mouvement complexe composé de six tiges motorisées (une pour chaque jambe, une pour le corps et une pour la tête). Pour prouver que son mouvement semble identique, sinon meilleur, que n’importe quel dragon en images de synthèse, nous n’avons pas besoin de chercher plus loin que Cœur de dragon de 1991, un autre produit de Tippett qui manque de je ne sais quoi, lourd et tactile, Péjoratif.
En quelque sorte, Tippett a été directement impliqué dans le projet qui a effectivement rendu le stop-motion (et par extension le go-motion) obsolète: Jurassic Park. À l’origine, go-motion devait être largement utilisé pour les effets de dinosaures dans le film, mais le réalisateur Steven Spielberg a finalement choisi de poursuivre le CGI alors en plein essor. Tippett est resté sur le film, travaillant en étroite collaboration avec l’équipe CGI d’ILM, prêtant à la fois son expertise paléontologique et collaborant sur le dispositif d’entrée de dinosaure, une armature traditionnelle en stop-motion avec codeurs de mouvement qui traduisait le mouvement physique en un modèle numérique.
Retour sur « Jurassic Park », la décision révolutionnaire de créer des dinosaures numériques et son impact sur l’avenir du cinéma. pic.Twitter.com/suKZykh6NC
Alors que le dernier film proprement dit de l’ère du go-motion viendrait un peu plus tard à l’été 1993 avec Garthok à dents de Coneheads, Jurassic Park a marqué à la fois la carrière de Tippett et celle de l’industrie en VFX. Go-motion, et tous les efforts importants pour utiliser le stop-motion comme une option viable pour des effets animés réalistes, ont disparu. Aujourd’hui, le flou de mouvement mécanique appartient en gros au passé et peut maintenant être simulé numériquement en post-production (qui est sa propre boîte de vers).
Notamment, si l’avènement d’images de synthèse crédibles n’a pas aidé la survie de go-motion, la technique était également d’un coût prohibitif. Tippett a été à la fois producteur associé et animateur de RoboCop sur le film, supervisant les séquences du droïde menaçant et hostile aux escaliers ED-209 aux côtés de Craig Hayes, Randy Dutra et Harry Walton. L’effet ED-209 était composé d’un modèle principalement statique, de sept pieds de haut et de 300 livres ainsi que d’une marionnette plus articulée. « Nous ne pouvions pas nous permettre de bouger », explique Tippett à VFX Voice. « Et vous savez, en termes de crédibilité, les robots ont tendance à se prêter au processus de stop-motion. »Et, au bout du compte, c’est le plus gros à retenir: il n’y a pas forcément de techniques « meilleures » ou « pires », seulement ce qui convient le mieux à une histoire donnée (et à son budget).
Quel est le précédent ?
Le principe de base du go-motion existe depuis au moins les années 1920.Le légendaire animateur de stop-motion polono-russe Ladislas Starevich aurait inventé la technique après s’être installé en France. On se souvient aujourd’hui de Starevich comme d’un pionnier de l’animation basée sur des marionnettes, une technique qu’il a presque inventée avec son film de 1921 La Belle Lukanida. Il est également tristement célèbre pour avoir tourné des films avec des protagonistes animaux, y compris l’utilisation d’insectes morts avec des pattes de fil articulées.
Comme le note Mark Player dans son article de 2016 « Media-Morphosis », le stop-motion de Starevich « était exceptionnellement fluide pour la période ». En ce qui concerne le go-motion, Starevich aurait utilisé la technique de la « bosse », dans laquelle il exposait la marionnette après l’avoir mise en mouvement pour créer un flou de mouvement convaincant. Il aurait également utilisé la technique « déplacer la table »: lorsqu’un personnage courait, il déplaçait l’ensemble dans la direction opposée. Vous pouvez voir les résultats par vous-même dans un certain nombre de films ultérieurs de Starevich, y compris son film de 1937 Le Conte du Renard, son premier long métrage entièrement animé.
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