Exposition: "She Who Tells a Story: Women Photographers from Iran and the Arab World" au Musée des Beaux-Arts de Boston - Art Blart

Dates de l’exposition: 27 août 2013 – 12 Janvier 2014

Gohar Dashti.

Gohar Dashti (Iranien, né en 1980)
Sans titre #5
2008

J’aime que cette archive donne une présence à des voix disparates.

Il s’agit d’une exposition importante, qui remet en question « les notions occidentales sur « l’Orient », examine les complexités de l’identité et redéfinit le documentaire en tant que genre. »Le travail de 12 femmes artistes d’Iran et du monde arabe remet en question les stéréotypes et donne un aperçu des questions politiques et sociales. « Les images – allant des beaux-arts au photojournalisme – réfutent la conception selon laquelle les femmes arabes et iraniennes sont « opprimées et impuissantes », renforçant au contraire le fait que certains des travaux photographiques les plus importants dans la région aujourd’hui sont réalisés par des femmes. »

Marcus

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Merci beaucoup au Musée des Beaux-Arts de Boston de m’avoir permis de publier les photographies de l’affichage. Veuillez cliquer sur les photos pour une version agrandie de l’image.

Gohar Dashti.

Gohar Dashti (Iranien, né en 1980)
Sans titre #2
2008

Tanya Habjouqa.

Tanya Habjouqa (Jordanienne, née en 1975)
Sans titre
2009
De la série Women of Gaza

Tanya Habjouqa.

Tanya Habjouqa (Jordanienne, née en 1975)
Sans titre
2009
De la série Women of Gaza

Rania Matar. 'Stephanie, Beyrouth, Liban' 2010

Rania Matar (Libanaise/Palestinienne/américaine, née en 1964)
Stephanie, Beyrouth, Liban
2010

Rania Matar.

Rania Matar (Libanaise/Palestinienne/américaine, née en 1964)
Alia, Beyrouth, Liban
2010

Rula Halawani.

Rula Halawani (Palestinienne, b. 1964)
Sans titre XIII
2002

Lalla Essaydi (Marocaine, née en 1956)
Balles revisitées #3
2012

Power and passion sera exposée au Musée des Beaux-Arts de Boston (MFA) dans une exposition d’œuvres de 12 femmes photographes d’Iran et du Monde arabe. Première du genre en Amérique du Nord, l’exposition présente environ 100 photographies et deux vidéos, créées presque entièrement au cours de la dernière décennie, qui remettent en question les stéréotypes et donnent un aperçu des enjeux politiques et sociaux. Les images – allant des beaux-arts au photojournalisme – réfutent la conception selon laquelle les femmes arabes et iraniennes sont « opprimées et impuissantes », renforçant au contraire le fait que certains des travaux photographiques les plus importants dans la région aujourd’hui sont réalisés par des femmes. En vue du 27 août 2013 au 12 janvier 2014, Elle Qui Raconte une Histoire: Les femmes photographes d’Iran et du Monde arabe mettent en lumière la riche expression artistique des photographes pionnières Jananne Al-Ani, Boushra Almutawakel, Gohar Dashti, Rana El Nemr, Lalla Essaydi, Shadi Ghadirian, Tanya Habjouqa, Rula Halawani, Nermine Hammam, Rania Matar, Shirin Neshat et Newsha Tavakolian. L’exposition est accompagnée d’une nouvelle publication, She Who Tells a Story (MFA Publications, septembre 2013), rédigée par la commissaire de l’exposition Kristen Gresh, Estrellita de la MFA et Yousuf Karsh, conservateur adjoint des photographies. Cette exposition est généreusement soutenue par la Fondation Robert Mapplethorpe. Soutien supplémentaire du Fonds Barbara Jane Anderson.

« Elle qui raconte une histoire rassemble des photographies récentes de 12 artistes révolutionnaires », a déclaré Malcolm Rogers, Ann et Graham Gund, directeur du MFA. « Leurs œuvres racontent des histoires qui évoquent une gamme d’émotions, remettent en question notre perception et présentent le Moyen-Orient avec une nouvelle perspective. »

En arabe, le mot rawiya signifie » celle qui raconte une histoire. »Ces photographies sont un recueil d’histoires sur la vie contemporaine en Iran et dans le monde arabe. L’exposition explorera les thèmes de la « Déconstruction de l’Orientalisme », de la « Construction d’identités » et du « Nouveau Documentaire », révélant l’individualité du travail de chaque artiste, tout en laissant entrevoir les paysages sociaux et politiques de la région. L’AMF a acquis 18 des œuvres exposées à la galerie Henry et Lois Foster dans l’aile familiale Linde pour l’art contemporain. Les acquisitions faites en 2013 incluent Roja (Patriots) de la série Book of Kings (2012) de Shirin Neshat; la série complète de neuf photographies dans Mother, Daughter, Doll (2010) de Boushra Almutawakel; trois tirages de la série Women of Gaza (2009) de Tanya Habjouqa; deux photos de la série The Metro (2003) de Rana El Nemr; deux tirages de la série Qajar (1998) de Shadi Ghadirian; et Untitled #2 de Today’s Life and War (2008) de Gohar Dashti.

» En réfléchissant au pouvoir de la politique et à l’héritage de la guerre, les photographies de cette exposition remettent en question les notions occidentales sur « l’Orient », examinent les complexités de l’identité et redéfinissent le documentaire en tant que genre », a déclaré la commissaire Kristen Gresh, qui a été exposée pour la première fois à ce travail alors qu’elle vivait à l’étranger pendant 15 ans, enseignant l’histoire de la photographie à Paris et au Caire.

Historiquement, l’Orientalisme se réfère aux représentations d’artistes européens ou américains de l’Est, y compris les cultures du Moyen–Orient, de l’Afrique du Nord et de l’Est – présentant souvent l' »Orient » comme culturellement inférieur. L’histoire de la photographie dans la région a largement consisté en images créées par des étrangers, allant des pyramides et des sites bibliques sacrés aux scènes de harem mises en scène et aux danseuses du ventre. Couplés aux mythes et aux contes traditionnels comme la reine « Persane » Shéhérazade et les Mille et Une Nuits « Arabes », les idées fausses persistent à ce jour. Ces stéréotypes sont brisés avec la série révolutionnaire Women of Allah de Shirin Neshat (1993-97). La série est née d’une visite qu’elle a faite dans son Iran natal 15 ans après la Révolution iranienne (1979). Quatre portraits de la série – Untitled (1996), Speechless (1996), I Am Its Secret (1993) et Identified (1995) – intègrent chacun des éléments du voile (ou hijab), du pistolet, du texte et du regard et brisent les mythes orientalistes, montrant des femmes autonomisées face à l’opposition. Parmi les premières photographies de l’exposition, elles sont recouvertes d’un script persan d’écrivaines iraniennes contemporaines et évoquent le rôle que les femmes ont joué dans la révolution iranienne. La série a marqué un tournant dans l’histoire récente de la représentation et des débats sur le voile, inspirant l’exploration par d’autres photographes.

En plus de Neshat, d’autres ont eu un impact sur l’histoire de la représentation visuelle et la perception des stéréotypes orientalistes. Dans le diptyque Untitled I & II (1996), Jananne Al-Ani, d’origine irakienne, utilise les femmes de sa famille (et elle-même) pour montrer une progression du voile, de dévoilé à entièrement voilé, et inversement. L’installation des tirages grand format a pour effet de piéger le spectateur entre les regards indiscrets des femmes, en utilisant la puissance de l’objectif pour aborder les mythes sur l’oppression des femmes musulmanes. D’origine marocaine, Lalla Essaydi, ancienne peintre et ancienne élève de l’École du Musée des Beaux-Arts de Boston (SMFA), s’inspire de l’iconographie des peintures orientalistes du XIXe siècle pour explorer et questionner sa propre identité culturelle. Dans le triptyque Bullets Revisited #3 (2012), l’œuvre la plus vaste de l’exposition à 5 1/2 x 12 1/2 pieds, et Converging Territories #29 (2004), elle utilise la calligraphie (une forme d’art typiquement masculine) pour suggérer la complexité des rôles de genre dans la culture islamique. Dans Bullets Revisited #3, les douilles de balles en argent et en or évoquent la violence symbolique, faisant référence à sa peur des restrictions croissantes sur les femmes dans une nouvelle ère post-révolutionnaire qui a suivi les manifestations et les protestations dans le monde arabe qui ont commencé en 2010.

Comme le travail de Neshat et d’Al-Ani des années 1990, la série iconique Qajar (1998) de l’artiste iranien Shadi Ghadirian a été un point de départ pour de nombreux photographes de l’époque. Ghadirian, qui vit actuellement à Téhéran, a pris des photos qui illustraient les questions d’identité et d’être une femme en Iran. Les neuf estampes exposées de la série Qajar juxtaposent des jeunes femmes en tenue traditionnelle à des objets alors interdits, tels que des boites, des instruments de musique et du maquillage, suggérant une tension entre tradition et modernité, restriction et liberté, publique et privée. L’exposition comprend également une autre série ghadirienne postérieure qui présente des juxtapositions – Nil, Nil (2008), qui met en avant l’expérience des femmes à la maison pendant la guerre, invoquant des histoires indicibles de perte et d’attente. La série comprend des images de balles dépassant d’un sac à main; une grenade dans un bol de fruits; et un casque militaire accroché au mur à côté d’un foulard, rappelant la complexité des personnalités publiques et des désirs privés masculins et féminins.

Les premiers portraits mis en scène de Ghadirian ont jeté les bases pour les photographes ultérieurs qui aborderont le sujet de l’identité, y compris Boushra Almutawakel, originaire du Yémen. Sa série Mère, Fille, Poupée (2010) utilise le voile pour défier les tendances sociales et la montée de l’extrémisme religieux, qui appelle les femmes – et même les jeunes filles – à se couvrir le corps en public. Les portraits mis en scène ne dénoncent pas le hijab, mais protestent contre les notions extrémistes de couverture des corps et la tendance au noir. Les neuf tirages exposés montrent que les sourires de la mère et de la fille s’estompent alors que leurs vêtements colorés disparaissent d’une image à l’autre. La série se termine par l’image d’un piédestal vide drapé de tissu noir alors que la mère, la fille et la poupée sont complètement éliminées – une déclaration sur l’effacement de l’individu à travers la robe. Almutawakel offre un regard sensible sur la vie publique et privée des jeunes femmes, tout comme la libanaise Rania Matar dans sa série Une Fille et sa chambre (2009, 2010). Ces six portraits de jeunes femmes du Moyen-Orient capturent des filles dans leurs chambres, entourées de leurs effets personnels. Malgré une diversité de décors et de gardiennes, la série reflète les expériences universellement partagées de l’âge adulte et les complexités d’être une jeune femme.

L’identité est davantage étudiée dans le travail de la photojournaliste Newsha Tavakolian, qui vit actuellement à Téhéran et dont les photos récentes des élections iraniennes ont paru dans des publications du New York Times au Time magazine. Après avoir éprouvé des difficultés à photographier en public en 2009, elle s’est tournée vers la photographie d’art pour aborder des problèmes sociaux. L’exposition présente six portraits, six pochettes de CD imaginaires et une vidéo sur six écrans de sa série Listen (2010), tous dépeignant des chanteuses professionnelles qui, en tant que femmes, sont interdites par les principes islamiques de se produire en public ou d’enregistrer des CD dans leur pays d’origine, l’Iran. Les chanteurs de Tavakolian n’apparaissent pas avec des microphones, bien que chacun soit clairement pris au milieu de la chanson. Sa passion pour ces histoires de femmes l’a inspirée à créer les pochettes de CD imaginaires qui représentent le caractère de chaque interprète. La vidéo d’accompagnement montre les femmes en train de prononcer des paroles inouïes, suggérant l’idée d’un silence imposé. Des métaphores de la musique, de la voix et de l’expression se retrouvent également dans d’autres œuvres exposées, comme dans la série Qajar, et dans Mystified (1997) de Neshat.

Tavakolian représente une génération de photographes iraniens post-révolutionnaires, tandis que Neshat représente une génération d’artistes nés avant la révolution mais qui ont quitté le pays. Neshat a quitté son pays natal en 1974 pour étudier l’art aux États-Unis avant le bouleversement de 1979, et elle continue de puiser dans son héritage culturel. Huit images de sa série Book of Kings (2012) seront exposées dans l’exposition. Cette série récente, traduisant son titre de l’épopée persane vieille de 1000 ans Shahnameh, a marqué un retour à la photographie en noir et blanc et est composée de portraits de groupes d’individus que Neshat appelle les Masses, les Patriotes et les Méchants. Les chiffres de cette série représentent les milliers de personnes qui ont participé aux manifestations, en particulier le Mouvement vert iranien (2009) et le Printemps arabe (2011). Les masses sont représentées par des portraits d’hommes et de femmes arabes et iraniens dont les visages sont recouverts de calligraphie – à l’exception des yeux et de la bouche. Les images sont destinées à être montrées côte à côte pour simuler le pouvoir du peuple. Tout comme elle l’a fait dans Les Femmes d’Allah, Neshat poursuit les paradoxes du passé et du présent, du pouvoir et de la soumission; Le Livre des Rois démontre également son développement et son évolution en tant qu’artiste.

En plus d’aborder des questions sociales et politiques, Celle Qui Raconte une Histoire présente également un nouveau type d’imaginaire documentaire–artistique amené à des expériences réelles. Les thèmes de la guerre, de l’occupation, de la contestation et de la révolte, ainsi que les préoccupations concernant la photographie en tant que médium, trouvent tous une place dans ce nouveau genre. Tout comme Nil, Nil de Ghadirian racontait des histoires de guerre, le travail de l’Iranien Gohar Dashti aborde également le sujet. Les deux photographes ont grandi pendant la guerre Iran-Irak (1980-88). La vie et la guerre d’aujourd’hui de Dashti (2008) est une série de photographies théâtrales et mises en scène dans lesquelles un couple poursuit des activités ordinaires sur un champ de bataille fictif. Dans Untitled #5, ils sont assis comme des jeunes mariés dans la coque d’une voiture abandonnée et dans Untitled # 7, sur le sol à une table traditionnelle de fortune célébrant le Nouvel An persan, Nowruz. Les quatre autres tirages montrent le couple effectuant des routines quotidiennes mais interrompues par des symboles de guerre – un char, une tête de missile, un mur de sacs de sable. Les images de Dashti sont des métaphores de l’expérience de la guerre et rappellent ses propres souvenirs d’enfance vivant près de la frontière Iran-Irak.

Les œuvres de l’Égyptienne Rana El Nemr et de la jordanienne Tanya Habjouqa, qui capturent directement des personnes en milieu urbain, offrent des alternatives aux documentaires mis en scène par Dashti. Dans Le Métro (2003), El Nemr tire discrètement sur les passagers de la voiture réservée aux femmes, assises ou debout, profondément méditées. Les images montrent à quel point la vie quotidienne peut être anonyme et comment les gens interagissent les uns avec les autres dans les espaces publics. Les femmes de Gaza (2009) de Habjouqa retrace l’expérience des femmes de Gaza, qui, comme toutes les résidentes du territoire occupé, vivent avec une liberté limitée. Prises sur une période de deux mois, les images célèbrent des plaisirs modestes, notamment un pique-nique sur la plage, une promenade en bateau et un cours d’aérobic. Habjouqa dépeint avec douceur le bon côté de la vie de ses sujets. Les femmes de Gaza est un exemple de photojournalisme exposé.

Un autre domaine d’exploration pour les photographes du Moyen-Orient est le médium lui-même. Al-Ani, Rula Halawani et Nermine Hammam repoussent les limites de la photographie de nouvelles manières. Les œuvres d’Al-Ani Aerial I et Shadow Sites II, une vidéo à canal unique, représentent le paysage jordanien depuis un avion. La vidéo de près de neuf minutes, réalisée exclusivement à partir de photographies qui se dissolvent les unes dans les autres, allie nature, vol et technologie. Halawani, originaire de Palestine qui réside actuellement à Jérusalem-Est, aborde l’expérience de la destruction et du déplacement. Dans Negative Incursions (2002), une série de photos de l’invasion israélienne de la Cisjordanie en 2002, elle photographie des scènes de guerre, puis les agrandit et les imprime sous leur forme négative. Cette technique occulte les spécificités du temps et du lieu, augmentant l’intensité dramatique et donnant lieu à des images puissantes de chars en action, de mères et de familles en deuil dans les décombres de la suite. Des stries de lumière parmi les ruines sont une métaphore du sort du peuple palestinien, tandis que d’épaisses bordures noires imitent la forme d’un écran de télévision pour transmettre les critiques de Halawani à l’égard de la couverture médiatique.

La Première année de Hammam au Caire (2011-12), abordant le soulèvement de 18 jours en Égypte (janvier 2011) et ses conséquences, expérimente également les utilisations de la photographie. Il se compose de 13 tirages en deux parties: Upekkha (référence au concept bouddhiste d’équanimité) et Unfolding (référence au pliage des écrans japonais). À Upekkha, Hammam intègre des photographies de soldats sur la place Tahrir dans des scènes de paysage paisibles tirées de cartes postales de sa collection personnelle, montrant la vulnérabilité des jeunes hommes. En revanche, la deuxième partie de la série, Unfolding, a été créée après la fin du soulèvement, alors qu’il lui était difficile de photographier. Dans les deux tirages, elle combine des reproductions d’écrans japonais des 17e et 18e années avec des photos de brutalités policières.

Communiqué de presse du site web du Musée des Beaux-Arts de Boston

Hammam Nermine.