Portraits
En 1983, Opie est diplômé de Goldsmiths où il a étudié sous la direction de l’artiste conceptuel Michael Craig-Martin, dont les idées autour de la représentation et de la sémiotique ont fortement influencé sa propre approche de l’art. Opie explore ces intérêts à travers une approche réductrice de la création d’images, illustrée par ses images de personnes largement influencées par l’histoire du portrait ainsi que par l’universalité des signes de toilette.
À travers ses portraits, Opie parvient à transmettre la complexité du visage humain et de ses expressions en une poignée de lignes. Il semble le faire en permettant au spectateur – ou au « lecteur », comme il le dirait – de se reconnaître juste assez d’eux-mêmes pour voir leur propre expérience et leur émotion reflétées dans la figure. Bien que la gardienne puisse sembler vierge et neutre – certains critiques ont qualifié les portraits d’Opie de « fades » –, ils sont en fait un composite soigneusement agencé avec lequel le spectateur peut s’identifier et se rapporter. Loin d’être impersonnelles ou ambivalentes, ses figures deviennent empathiques et semblent dépasser la barrière posée par l’écran ou le cube blanc de l’espace de la galerie, leur regard s’engageant directement avec celui du spectateur. Opie a dit qu’il avait « parfois le sentiment que tous les portraits sont vraiment des autoportraits » et cela pourrait expliquer en partie la puissance de ces œuvres.
En plus d’explorer les portraits tout au long de sa pratique en atelier, Opie a également travaillé sur une série de commandes – dont son célèbre portrait de James Dyson qui se trouve maintenant à la National Portrait Gallery de Londres – qui lui ont permis d’explorer davantage la relation entre la gardienne et l’artiste; « Cela n’affecte pas seulement la compréhension de la peinture et la relation que l’on ressent avec la gardienne », explique-t-il, « mais semble également se manifester dans les poses et les expressions. Je trouve cela intéressant et cela aide dans ma tentative de faire en sorte que ces images ressemblent à des peintures de portraits de musée familières. »
Figures de marche d’Opie
Ainsi que des portraits traditionnels où la gardienne est montrée regardant hors de la toile, Opie a également produit une série de représentations de personnes marchant de profil. Opie affirme que « lorsque vous bougez, le monde devient plus visible » car l’acte de marcher nous permet d’être transportés de l’isolement de notre écran ou de notre livre vers le monde extérieur et nos communautés plus larges. De plus, Opie utilise la marche pour ajouter de la personnalité à ses figures dépouillées, permettant à la « gardienne » d’être caractérisée par sa démarche, qui est considérée par beaucoup comme aussi individuelle pour une personne que son écriture.
Très graphiques, les images d’Opie sont issues de photographies et de films de personnes marchant. Pour se promener à Melbourne, Opie a demandé à un photographe local de photographier les gens à travers la ville, de la rue commerçante animée à la promenade de la plage. Il a ensuite puisé dans ces photographies, transformant les gens en personnages en les réduisant à leurs traits caractéristiques et en figeant leurs mouvements sur papier.
Cependant, toutes ses œuvres ne restent pas immobiles. En 2015, la sculpture Shaida Walking d’Opie a été installée en permanence sur Carnaby Street à Londres. Pour créer l’œuvre, Opie a filmé un modèle marchant sur un tapis roulant et a traduit le film dans son style signature, dessinant chaque cadre individuel pour créer une animation. Opie a ensuite converti ces dessins en un film qui est montré sur un écran LED, du type normalement utilisé pour les panneaux d’affichage et les panneaux d’information. Située dans le quartier commerçant le plus fréquenté de Londres, la femme qui marche existe, comme le dit Opie, « pour marcher sans cesse comme un dessin vivant et comme une partie de la foule. »
Paysages & Paysages urbains
Opie s’intéresse également au paysage et à la façon dont il peut être réduit à une poignée de lignes ou de nuances de couleurs. Dans sa série Imagine You Are series par exemple, il commence par des photographies et transforme numériquement les images, les transformant en pochoirs découpés à la main de manière spectaculaire. Chaque œuvre de la série présente une route vide, simplifiée au niveau d’un fond de dessin animé ou de jeu vidéo, qui est flanquée de verdure et semble conduire le spectateur vers un futur de ciel bleu, faisant écho aux tropes des films de road trip et de la photographie de voyage ainsi que des jeux de course.
De nombreux paysages et paysages urbains d’Opie sont basés sur des expériences personnelles et des lieux qu’il a visités, et pourtant ils sont exceptionnellement dépourvus de sentiment ou de mémoire. Le spectateur reçoit juste assez d’informations pour pouvoir faire son propre voyage à travers son travail, et de cette manière Opie semble inviter son public pour qui il veut « que le monde ressemble au genre d’endroit dans lequel on voudrait s’échapper. » Dépourvus de toute trace de présence humaine, les paysages d’Opie invitent donc les spectateurs à entrer et à occuper le vide qui leur tient à cœur.
L’érotisme dans l’œuvre d’Opie
Parmi les figures les plus populaires d’Opie figurent des images sexualisées de femmes, souvent représentées dans un état de déshabillage ou de pole dance, comme sa célèbre série, This is Shahnoza. Il a également produit une série de nus allongés – masculins et féminins – et des images de femmes nues tenant des poses de yoga. Avec ces pièces, il semble à la fois faire référence à la Vieille tradition maîtresse de représenter Vénus et d’autres figures mythologiques ou bibliques comme des objets d’excitation, tout en commentant peut-être les mœurs sexuelles libérées du 21e siècle où la pornographie et les publicités érotiques font partie intégrante de la vie quotidienne, affirmant: « Je ne prends pas la responsabilité de ce qui existe, mais je l’utilise néanmoins. »
Art as Commodity
En 2001, Opie a conçu la couverture de l’album Best of de Blur qui présentait les quatre membres du groupe Britpop dans une grille, leurs visages réduits en points et en lignes dans le vrai style Opie sur des fonds de couleur bloc. En plus de remporter un prix prestigieux, la couverture a propulsé Opie vers une renommée internationale et cimenté sa réputation d’artiste qui a constamment repoussé les limites de sa pratique et de la tradition du portrait.
Dans le même temps, Opie avait transformé son œuvre en marchandise, lui permettant d’être reproduite d’innombrables fois comme un produit qui pouvait être acheté et vendu pour très peu par rapport à ses œuvres éditées et uniques. De cette façon, il s’alignait sur Warhol et Haring avant lui (et Banksy après eux) qui avaient également produit des œuvres d’art en grandes éditions et offert à leurs fans un moyen bon marché d’acheter leurs œuvres.
Existant à l’intersection du grand art et du commerce, l’œuvre témoigne du tournant récent dans le monde de l’art qui voit les galeries et les artistes devenir plus commerciaux, embrassant les principes de la publicité et des relations publiques, qui à une époque plus radicale ont peut-être été snobés, et adoptant des modèles néolibéraux pour réduire les coûts, s’engager auprès de nouveaux publics et vendre des œuvres de manière de plus en plus diversifiée. Opie est particulièrement ouvert sur l’aspect commercial de sa pratique, ayant déjà publié une brochure de ses œuvres, présentée dans la même veine que celles proposées par les magasins high street, qui répertorie ses sculptures et ses estampes avec des prix pour chacune, et ouvrant même sa propre boutique en ligne de marchandises à bas prix. Bien qu’intrinsèquement commerciaux, la brochure, la pochette d’album et la boutique reflètent également l’intérêt d’Opie pour rendre l’art accessible aux masses en s’appropriant le langage visuel de la vie moderne.
Collections et Œuvres d’art publiques
Les peintures et les tirages en édition limitée d’Opie se trouvent dans de nombreuses collections importantes dans le monde entier, notamment à la Tate Gallery de Londres, au Arts Council of Great Britain, au National Museum of Art d’Osaka et au Museum of Modern Art de New York. Il a également produit un certain nombre d’œuvres d’art publiques que l’on peut trouver dans les rues de Séoul, Zurich et Dublin, entre autres villes.