« Drive » de Nicolas Winding Refn a été l’une des grandes réussites de l’année dernière, que peu de gens semblaient connaître. Bien qu’il ait créé un buzz à un crescendo assourdissant entre sa première apparition au Festival de Cannes 2011 et sa sortie en salles en septembre, la plupart du vacarme venait de l’industrie, et même si ses 70 millions de dollars ont plus que triplé le coût de sa réalisation, un film de moins de 100 millions de dollars ne s’inscrit guère parmi les gens à la recherche de rien de moins qu’un phénomène cinématographique. Mais à la fin de l’année, le film de Refn a gagné une cache parmi les critiques et son public modeste mais fervent qui garantissait qu’il serait vu, apprécié et, surtout, partagé pour les années à venir.
Alors que « Drive » arrive sur home video cette semaine dans un Blu-ray tout aussi modeste et pourtant magnifique, La Playlist a rattrapé Refn via Skype depuis le tournage en Thaïlande de son prochain film, « Only God Forgives. »En plus d’approfondir un peu plus la conception de « Drive », Refn a discuté de sa collaboration avec la star Ryan Gosling et a examiné la signification du film pour lui, à la fois de manière créative et personnelle.
Que pensez-vous des réactions des gens au film ?
Pour un film comme « Drive », il est assez étonnant qu’il puisse être tiré avec autant de succès qu’il l’a fait.
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Avez-vous eu une réaction à la femme qui a intenté une action en justice concernant la commercialisation du film?
Parfois, Jerry Springer n’avait pas tort de décrire l’Amérique.
Quel était comment?
Eh bien, assez dit (rires). Je pense que je viens d’une société où on ne peut pas poursuivre les gens parce que le soleil ne brille pas, et je ne sais pas comment réagir à cette situation. Parce que pour moi, c’est tellement étrange – c’est surréaliste.
À quel point êtes-vous à l’aise de parler ou de penser aux perspectives de la saison des récompenses d’un film que vous avez réalisé?
Eh bien, votre priorité Numéro un est juste de faire un film, et j’espère que c’est bon et que vous en êtes fier, et c’est juste plus, et plus, et plus — ce sont les trois premières catégories que vous recherchez. Et puis vous espérez le meilleur. Je veux dire, nous sommes arrivés à Cannes, ce qui a été une grande et agréable surprise, et nous avons gagné à Cannes, puis nous avons été nominés pour le Meilleur film étranger au Royaume-Uni, Alors qui sait? Le ciel est la limite, mais à la fin, le plus important, j’ai pu faire le film que je voulais faire, et ma mère l’a beaucoup aimé. Et la mère de Ryan aussi, donc nous sommes heureux.
L’un des aspects du film qui fonctionne le mieux est cette combinaison étrange d’une esthétique stylisée et féerique et de conserver un bord viscéral qui l’a ancré dans la réalité. À quel point était-ce difficile à maintenir?
Eh bien, c’est ce qui est intéressant dans les contes de fées des frères Grimm, et en général, les grandes histoires de contes de fées comme celles de Hans Christian Anderson – elles sont enracinées dans une forme de réalité avec laquelle vous pouvez vous connecter. Émotionnellement, ce sont des métaphores pour des sentiments plus profonds au sein de la société, et il est difficile de vous dire spécifiquement autre chose que vous devez aller avec ce qui vous semble juste – ce en quoi vous en tant que cinéaste croyez et auquel vous êtes connecté. Essentiellement, lorsque vous faites un film, vous êtes un public et vous devez le regarder comme ça; j’espère qu’il y aura plus d’entre vous là-bas, plus de clones qui aiment ce que vous aimez, mais c’est ce que vous ne pouvez faire que. Mais les contes de Grimm – qui ont probablement été la plus grande inspiration pour la création du film — ont toujours été enracinés dans une réalité, et même si c’est une réalité exacerbée, c’était toujours essentiellement une histoire d’amour sur le bien et le mal. Et c’est quelque chose qui est accessible à tout le monde, partout.
À quel moment remplissez-vous cette histoire archétypale de détails spécifiques – pour préserver cette idée de base tout en ajoutant des idiosyncrasies qui distinguent et améliorent vos personnages?
Eh bien, cela devient presque le design technique, l’ADN et la structure et le design du film. Mais une grande partie, bien sûr, vient du casting; il s’agit de trouver les bonnes personnes pour les bonnes parties. C’est énorme, parce qu’une fois que vous avez cela, vous avez l’épine dorsale, et c’est la raison pour laquelle il était si difficile pour moi de trouver une Irène, par exemple, qui à l’origine dans le roman de James Sallis était un personnage latin. Et j’ai rencontré tellement de grandes actrices latines, mais pour une raison quelconque, je ne pouvais pas me connecter, je ne pouvais pas sentir, et je ne savais pas pourquoi jusqu’à ce que Carey entre dans ma vie et que je puisse voir que je pouvais tomber amoureuse et que je voulais la protéger. Et c’est pourquoi à la fin I essentiellement, je faisais un film sur ce que je ferais et la pureté de l’amour entre ma femme et moi-même. C’était un peu mon illusion – qu’à la fin, si je devais être ce film en tant que personne, alors je serais le Conducteur, et ma femme serait Irène, et ma conscience la plus profonde était toujours enracinée là-dedans. C’était le cœur dans mon esprit. Je ne l’ai pas dit à haute voix, je ne l’ai pas évoqué; c’est un tel mystère que vous ne pouvez pas vraiment en discuter tant que ce n’est pas fait, car avec le recul, vous pouvez y réfléchir. Mais au final, je suis un cinéaste fétiche : je fais des films basés sur ce que j’aimerais voir.
Si vous voyez le film comme une représentation de votre amour pour votre femme, à quel point cette métaphore est-elle littérale, car ce qu’il doit faire est de détruire la chance pour eux deux d’être ensemble afin de lui montrer à quel point il l’aime?
Ce qui est vrai, absolument. Et le film n’est pas autobiographique de ma relation avec ma femme, mais il représente l’amour profond que j’ai pour elle.
En regardant la scène dans l’ascenseur, je me suis souvenu de la scène de viol dans « Il était une fois en Amérique », comme si Driver savait qu’il devait détruire la chance pour eux deux d’être ensemble afin de la protéger?
Eh bien, Sergio Leone est l’un de mes cinéastes préférés de tous les temps. J’ai eu la chance il y a quelques années de rencontrer sa femme en Espagne. Sa femme était beaucoup plus jeune que lui, donc ma femme Liv, ce qui signifie en fait la vie en danois, nous nous sommes assis avec elle en Espagne, et ma fille aînée était là. Je n’avais qu’un enfant à ce moment-là. Et nous avons pris un café et parlé de Sergio Leone avec sa femme. Mais nous avions une traductrice car elle ne parlait pas un mot d’anglais (rires).
Combien devez-vous être sur la même longueur d’onde que vos collaborateurs ? Dans des interviews, Ryan a décrit Driver comme une personne qui croyait qu’il était un loup-garou; est-ce une perception que vous partagiez tous les deux?
Il est vital que l’acteur principal et le réalisateur partagent des points communs ground…it c’est vital et je pense que ce qui a si bien fonctionné pour Ryan et moi, c’est que grâce à notre expérience en voiture et à cette étrange date magique que nous avons eue, nous sommes devenus une seule personne. C’était comme si nous avions une relation télékinésique et que nous en devenions un; alors oui, Ryan, le personnage est un homme qui, au fond de lui, est un loup–garou parce qu’au fond, c’est un homme psychotique, mais c’est aussi un homme qui est deux personnes – il est une personne le jour et une personne la nuit. L’analyse de Ryan est donc tout à fait correcte dans la façon dont il la verbalise; Je peux le verbaliser d’une manière différente, mais le noyau est exactement le même ADN. Et c’est ce qui fait une grande collaboration, et je suis sûr que si vous parlez à d’autres collaborateurs, Martin Scorsese et Robert De Niro ou James Stewart et Alfred Hitchcock, je suis sûr que vous obtiendrez le même genre de réponses. C’est pourquoi il est si important de trouver votre homme de tête – c’est comme si votre homme de tête était votre alter ego en tant que réalisateur, et votre homme de tête ressemblait presque à la création de Frankenstein. C’est quelqu’un qui allume les ampoules, mais il ne peut allumer les ampoules que si les ampoules représentent ce qu’il veut être au fond, ses désirs ou ses besoins.
C’est comme un cœur – il a besoin de sang pour pomper, donc d’une certaine manière, c’est comme sexuel. Le cinéma est très sexuel, car il s’agit de travailler avec vos collaborateurs aussi intensément qu’une expérience sexuelle, de déterminer ce que l’autre personne aime, a besoin et peut contribuer à l’émotion que vous essayez de construire. C’est pourquoi pour moi, ça a toujours été les acteurs, la photographie et le montage; bien sûr, tout commence par un grand arc narratif, et entre dans un grand scénario, et ainsi de suite. C’est donc plus comme ça qu’il est construit. Mais une fois que vous avez un script que votre homme de tête aime et peut voir, que votre photographe peut vous aider à le visualiser et que votre éditeur peut vous aider à le structurer, ce sont essentiellement vos personnes clés. Et bien sûr, tout le monde est important sur un film; chaque fonction est nécessaire. C’est comme un casse–tête – tout le monde a besoin d’ajouter quelque chose; mais il y a une hiérarchie de la façon dont cela se déroule. Mais il s’agit d’exprimer des émotions, et c’est pourquoi le cinéma est le médium d’un réalisateur: le réalisateur est l’auteur, l’auteur du film, qu’il soit basé sur un livre ou sur l’idée de quelqu’un ou de ce qui se passe (rires). C’est essentiellement le réalisateur qui est l’auteur, et tout le monde est là pour aider le réalisateur-auteur et contribuer à sa vision, comme on l’appelle à Hollywood. Je l’appelle la création.