Le film Breathless de 1960 a marqué la culture moderne, notamment pour sa superbe bande originale de jazz du pianiste-compositeur franco-algérien Martial Solal. Le film a été réalisé par Jean-Luc Godard, qui, dans un clin d’œil oblique à la façon dont la nostalgie a façonné la culture pop, a déclaré: « Ce n’est pas d’où on prend les choses, c’est d’où on prend les choses. »
Ce dicton s’applique au monde de la musique, où l’imitation et l’inspiration ont souvent été le double fondement de nouveaux triomphes. Solal a plaisanté en disant que faire la bande originale de Godard n’était qu’un « concert payant » car il jouait avec le « jazz hollywoodien » si populaire à l’époque. En fait, c’était une belle synthèse car il s’est inspiré de muses passées, telles que Django Reinhardt, Sidney Bechet et Bud Powell, pour créer sa bande-son atmosphérique.
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Un processus d’assimilation
Le processus d’assimilation est aussi vieux que la musique écrite. Les compositeurs classiques ont étudié les maîtres anciens en les copiant, paraphrasant et imitant littéralement; certains des meilleurs de l’époque baroque, de JS Bach et Haendel, sont un recyclage des maîtres anciens. Dans les temps plus modernes, les Beatles ont copié et interprété les chansons de groupes à succès tout en apprenant leur métier et en inventant des façons de composer leur propre musique brillante. À leur tour, leurs chansons ont été dupliquées et canalisées par d’autres musiciens – parfois comme un exercice de nostalgie, d’autres fois comme un moyen d’apprendre le chant de la même manière que les Beatles.
L’année de la sortie de Breathless, John Coltrane – qui, comme Solal, s’est également inspiré du génie du saxophone soprano Bechet – a réalisé l’un de ses enregistrements phares, une version de « My Favorite Things. »
Le saxophoniste de jazz a déclaré ouvertement qu’il était « très intéressé par le passé » et savait qu’une curiosité agitée l’aiderait à grandir en tant que musicien. Adolescent, Coltrane avait été émerveillé par le disque Body And Soul de Coleman Hawkins en 1939, considéré comme l’un des premiers tremblements du bebop. Fils d’une mère pianiste d’église et d’un père violoniste, Coltrane aurait peut-être apprécié la nature argent vif de la source de cette pièce de jazz emblématique. Hawkins avait été inspiré en entendant la mélodie d’un violoniste Tzigane dans une boîte de nuit hongroise à Ostende en 1937.
Même les meilleurs improvisateurs de jazz ont étudié de près les enregistrements d’autres musiciens de jazz – transcrivant leurs solos et les répétant parfois comme des compositions – et Coltrane n’était pas différent. Il a dit: « J’ai eu une copie de ‘Corps et âme’ et j’ai écouté très fort ce qu’il faisait. »
Au fur et à mesure qu’il prenait sa musique au sérieux, Coltrane a déclaré qu’il » consacrait une bonne partie de mon temps aux études harmoniques par moi-même dans les bibliothèques. » Le travail acharné a porté ses fruits en octobre 1960 lorsque Coltrane, âgé de 34 ans, est entré dans les studios Atlantic à New York pour enregistrer son album My Favorite Things.
Coltrane a repris la valse lilting de Richard Rodgers et Oscar Hammerstein II – rendue célèbre par Julie Andrews dans The Sound Of Music – mais, pas seulement un exercice de nostalgie, a considérablement modifié sa progression d’accords et son tempo, faisant de la chanson sa propre pièce virtuose. « My Favorite Things » a été un succès, est devenu une partie régulière de son répertoire de concerts et a été un pont vers l’acceptation du bebop par le public. D’autres remaniements de la période incluent le classique de 1930 des Gershwins « Embraceable You », qui a été réinterprété séparément par Chet Baker, Clifford Brown et Ornette Coleman.
» Les Beatles sont aussi importants que les Gershwin «
Une autre chanson de Gershwin, « S’Wonderful » de 1927, tirée de la comédie musicale Funny Face, avait à l’origine servi de véhicule de scène à Fred Astaire. Bien que cela puisse être une chanson délicate pour les chanteurs – Frank Sinatra a nagé des tours sous l’eau pour bien respirer pour la livraison – c’est une chanson qui montre comment les musiciens s’approprient et innovent en utilisant de la musique ancienne. Ainsi, un tube de jazz swing pour Benny Goodman (dans un quatuor comprenant Lionel Hampton et Teddy Wilson) est devenu un instrumental bebop pour Lennie Tristano et Lee Konitz, et, en 1976, a été refondu comme un air de bossa nova par João Gilberto.
La chanson continue d’inspirer au 21e siècle. Les arrangements innovants de Diana Krall sur son album Verve de 2001, The Look Of Love, ajoutés à son chant raffiné, ont donné à ce vieux classique un merveilleux nouveau souffle. Krall a déclaré que, pour elle, en termes d’inspiration, « Les Beatles sont aussi importants que les Gershwin. »
Les Beatles sont la preuve de la vérité des lignes du poète TS Eliot: « Les poètes immatures imitent; les poètes mûrs volent; les mauvais poètes défigurent ce qu’ils prennent, et les bons poètes en font quelque chose de meilleur, ou du moins quelque chose de différent. »Les Beatles sont peut–être le groupe pop le plus inspirant de tous les temps et ils ont pris toutes leurs influences et ont créé quelque chose de différent – et souvent de meilleur. Même quand ils ont commencé, ce n’était pas un cas de nostalgie qui les conduisait à simplement imiter les gens qu’ils admiraient. Comme l’a dit John Lennon : » Ce n’était pas une arnaque, c’était un coup de foudre. »
Les grandes inspirations des jeunes Beatles provenaient du rock’n’roll américain, en particulier d’Elvis Presley, Carl Perkins et Chuck Berry. Mais avec ces poids lourds du hit-parade, ils ont également reconnu une dette envers le groupe Tamla The Marvelettes. Les Beatles – et plus tard Carpenters – ont enregistré leur chanson « Please Mr. Postman. »
Avant de devenir célèbres, les Beatles ont apposé leur propre empreinte sur une chanson à succès rugissante des années 20 appelée « Ain’t She Sweet », qui a été popularisée par Eddie Cantor et, plus tard, par Gene Vincent. Lennon a dit que lorsqu’ils ont enregistré le morceau, en juin 1961, ils voulaient qu’il sonne plus comme « une marche » que la version plus douce de Vincent, qui avait été un succès pour Capitol Records. Lennon a dit à des amis qu’il avait été plus pris par une version d’un chanteur de blues londonien peu connu appelé Duffy Power. Bien que la chanson soit mineure par rapport au superbe catalogue de succès qui a suivi, elle illustre comment les Beatles ont pu puiser dans diverses sources dès le début. Paul McCartney a déclaré: « Des chansons comme « Ain’t She Sweet » étaient notre matériel de cabaret de fin de soirée. Ils ont montré que nous n’étions pas juste un autre groupe de rock’n’roll. »
Aventures uniques en son
L’inspiration vient d’une myriade d’endroits. McCartney a vu Fahrenheit 451 de François Truffaut au cinéma quelques jours avant l’enregistrement de « Eleanor Rigby ». Il a été renversé par la partition de Bernard Herrmann et l’utilisation des cordes. Les cordes de « Eleanor Rigby » doivent une énorme dette à la bande originale. Comme l’a dit McCartney en 1966, l’année de la création du disque, « Je ne pense pas que nous ayons jamais essayé d’établir des tendances. Nous essayons de continuer à avancer et de faire quelque chose de différent. »
Les Beatles allaient inspirer une révolution musicale avec des albums révolutionnaires tels que le groupe expérimental Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Cette aventure unique dans le son, l’écriture de chansons, la technologie de studio et même la pochette a eu un impact immédiat lors de son lancement le 1er juin 1967. Trois jours après sa sortie, The Jimi Hendrix Experience a ouvert un spectacle au Saville Theatre de Londres avec une interprétation de la chanson-titre
Les Beatles sont toujours considérés comme l’une des références de la musique. Lorsque Kendrick Lamar a publié To Pimp A Butterfly chez Interscope Records en 2015, il a déclaré qu’il voulait que son travail « soit parlé de la même manière que Bob Dylan ou Les Beatles ou Jimi Hendrix. »À juste titre, son mélange de jazz et de hip-hop de pointe, et son importance culturelle, peuvent prétendre être le Sgt Pepper de sa décennie.
Super-charger le blues
Contrairement à Lennon et McCartney, les ambitions musicales de Mick Jagger n’ont pas été directement allumées par Elvis Presley. Le dévouement à la musique de Jagger – et de ses collègues membres des Rolling Stones Keith Richards, Bill Wyman, Charlie Watts et Brian Jones – était aussi authentique que celui des Beatles, mais provenait de puits différents. Comme les Beatles, les Stones étaient également fans du maestro de Chess Records Chuck Berry, mais regardaient plus directement les stars du blues du label, telles que Muddy Waters, Howlin’ Wolf et Buddy Guy.
Les Stones ont également vénéré des chanteurs soul tels qu’Otis Redding et Solomon Burke, et ont introduit dans l’équation des musiques aussi diverses que les protest songs de Bob Dylan et la pop de Buddy Holly. Pourtant, alors que leur musique a sans doute été imprégnée de plus de nostalgie que leurs homologues Liverpudlian, les Stones ont tout maillé d’une manière qui les a aidés à réécrire le livre de règles du rock’n’roll. Ils ont commencé ce voyage, fait intéressant, avec un premier succès britannique (en 1963) qui était une reprise de « I Wanna Be Your Man » de Lennon et McCartney, écrite alors que Jagger et Richards étaient dans la même pièce que McCartney.
Mais ce sont les bleus qui ont vraiment tiré leur âme. Jagger avait une capacité intelligente à personnaliser certains détails de la façon dont les chanteurs de blues formulaient leur voix, tandis que Richards et Wyman prenaient beaucoup de leurs crochets de guitare et de leurs solos à partir de sources noires et en faisaient quelque chose de puissant. Ils ont même pris le nom du groupe d’une chanson de Muddy Waters.
Les Stones ont grandi rapidement en tant que musiciens et ont contribué à transformer la musique populaire avec des singles à succès tels que « Satisfaction. »Au moment de leur quatrième album, Aftermath (1966), le groupe était leur propre force créative. Comme Jagger l’a dit plus tard: « C’était un grand record historique pour moi. C’est la première fois que nous écrivons tout le disque et que nous mettons enfin fin au fantôme de devoir faire ces très belles et intéressantes, sans doute, mais toujours des reprises d’anciennes chansons R&B. »
Bien qu’ils s’inspirent toujours de leurs influences mais qu’ils secouent le fantôme de la nostalgie, les albums qui ont suivi, tels que Exile On Main St et Sticky Fingers, ont été extrêmement influents – tandis que « Sympathy For The Devil » à lui seul a contribué à inspirer des groupes, dont Primal Scream, The Jesus & Mary Chain et The Charlatans.
La « bosse de réminiscence »
L’une des grandes choses de l’inspiration musicale est qu’elle ne s’estompe pas nécessairement, que ce soit pour les fans de musique ou les stars qui créent la musique. Les sons que nous avons aimés à l’adolescence ou découverts pour la première fois sont importants pour notre sentiment d’identité et le restent à jamais (les psychologues appellent ce penchant vers la nostalgie la « bosse de la réminiscence »). L’album des Rolling Stones nominé aux Grammy Awards en 2016, Blue & Lonesome, est une chanson d’amour pour le blues, avec des reprises de chansons qu’ils aimaient quand ils étaient jeunes de Little Walter et Howlin’ Wolf.
Quand les superstars modernes parlent des musiciens qui ont inspiré leur propre musique, beaucoup mentionnent encore Les Beatles et les Rolling Stones. Cependant, la gamme de stimulus créatifs est vaste. Pour Alicia Keys, c’était Nina Simone (« Elle m’a appris le sentiment, la passion »); pour Niall Horan de One Direction, c’était l’ambiance rock des années 80 (« Je suis une fan massive des Eagles »); pour Fergie, c’était Led Zeppelin et Guns N ‘ Roses. Le « plus grand héros » de Ben Howard était le chanteur folk John Martyn.
Lorsque Pharrell Williams a été invité par Oprah Winfrey à énumérer certaines des influences spéciales pour le son de « Happy » – le single le plus vendu des années 2010 – parmi les influences qu’il a citées, il a cité « Do I Do » de Stevie Wonder et « September » de Earth, Wind & Fire.
Les femmes d’antan ont inspiré les jeunes stars de ces derniers temps. Pour Lana Del Ray, c’était Joan Baez et Julie London (« J’aime leurs voix et ce qu’elles représentaient »); pour Lorde, c’était Etta James (« Elle était si douée pour récolter ses souffrances »); pour Ariana Grande, c’était Judy Garland, à cause des vidéos que sa mère lui a montrées tout au long de son enfance; pour Solange, c’était Minnie Riperton. Amy Winehouse aimait Ella Fitzgerald et a dit: « J’ai appris à chanter de Dinah Washington. »
La règle des 20 ans
Il est également vrai que de nombreux aspects du secteur de la musique sont cycliques et que les goûts et les tendances ont l’habitude de revenir. Il y a même un concept appelé « la règle des 20 ans », dont les défenseurs soutiennent qu’une tendance musicale particulière, ou même une mode vestimentaire, entrera et sortira de la popularité environ toutes les deux décennies, chaque fois qu’une nouvelle vague de nostalgie pour ceux qui l’ont vécue la première fois.
Cela était certainement vrai dans les années 70 et 80, lorsque l’Amérique et certaines parties de l’Europe se vautraient dans la nostalgie avec leur étreinte du concept « oldies ». Cela a été résumé par le film à succès de 1973 de George Lucas, American Graffiti. La bande-son, remplie de succès des années 50 et 60 d’artistes tels que Chuck Berry, Booker T And The MGs et The Beach Boys, est devenue un album Top 10 et a servi de modèle à la première vague de stations de radio nostalgiques.
Les vestes en cuir et les jupes de caniche ont soudainement abondé dans la mode populaire et les baby-boomers sentimentaux se vautrant dans la nostalgie ont rodé des émissions de télévision telles que Happy Days et des films tels que Grease. Le goût pour la musique ancienne a même conduit à une explosion de groupes de reprises des années 50, dont Sha-Na-Na.
Les mêmes « phénomènes de reprise » étaient évidents dans les années 80, lorsque les fous de la new wave et du hair metal revisitaient la musique des années 60 – et des films tels que The Big Chill utilisaient des chansons emblématiques de Smokey Robinson. Il y a également eu une augmentation de la commercialisation de groupes tels que The Doors, tandis que la version des Beatles de « Twist And Shout » a de nouveau atteint les charts après une apparition dans Day Off de Ferris Bueller. Le processus continue. Trois décennies après les années 80, « Beat It » de Michael Jackson a été mis à jour par Fall Out Boy.
Ces dernières années ont vu un retour des années 90, qui a inclus les célébrations de Nevermind de Nirvana, et le retour de nombreux groupes des années 90, notamment les Spice Girls, les Backstreet Boys et Blink-182. Comme l’a plaisanté Frank Zappa, « Il n’est pas nécessaire d’imaginer que le monde se termine par le feu ou la glace. Il y a deux autres possibilités: l’une est la paperasse et l’autre est la nostalgie. »
La première ère postmoderne de la musique
Bien que les années 70 aient été une période de prospérité pour la nostalgie, c’était aussi sans doute la première ère véritablement postmoderne de la musique populaire. Des musiciens tels que David Bowie et Roxy Music se sont inspirés du passé du rock, mais ont également reconfiguré la musique populaire en quelque chose de nouveau. Bowie, la pop star de l’ère spatiale, était un pionnier des tendances musicales et de la mode pop. Son album The Man Who Sold The World, sorti en 1970, était plein de chansons audacieuses et de sons de mauvaise humeur et de hard-rock.
Se méfiant de la nostalgie, Bowie s’est néanmoins approprié – et influencé – du glam rock, de la soul, du disco, de la new wave, du punk rock et de la haute couture, et est resté un innovateur agité jusqu’à son dernier album, ★ (prononcé « Blackstar »), sorti juste avant sa mort en janvier 2016.
En même temps que Bowie commençait à faire des vagues créatives, Brian Eno de Roxy Music a déclaré qu’il était confronté au choix de poursuivre l’art ou la musique comme carrière. Après avoir vu émerger Lou Reed et le Velvet Underground, il s’est rendu compte « qu’on pouvait chevaucher les deux d’une manière ou d’une autre. »Eno, avec Bryan Ferry, a formé Roxy Music en 1971, et ils partageaient une qualité de décadence avec le flamboyant androgyne Bowie. Roxy a gagné une acceptation immédiate au Royaume-Uni avec leur premier succès « Virginia Plain. »Même sans Eno, qui est parti en 1973, leur produit pop et lisse était toujours extrêmement influent.
Le guitariste Phil Manzanera a déclaré que le début des années 70 était rempli de musiciens ternes et en denim avant l’émergence de Bowie et Roxy. « Tout à coup, il y avait de la couleur et de l’exotisme et l’esprit du rock’n’roll à nouveau », a-t-il déclaré. « Nous avons soutenu Bowie au Greyhound de Croydon en juin 1972: Bowie dans son équipement Ziggy Stardust complet et nous dans tous nos insignes, se produisant devant seulement 150 personnes dans cette petite salle à l’étage. »
Toute la Nouvelle scène romantique – des groupes tels que Visage, Duran Duran, Spandau Ballet et Culture Club – s’inspirent de Bowie, Roxy Music et Marc Bolan. Bowie avait cependant une attitude barbelée envers les imitateurs. La chanson de 1980 « Teenage Wildlife », qui serait destinée à la star de la nouvelle vague Gary Numan, comprend les paroles: « Same old thing / In brand new drag. »
Réinvention musicale
Bowie est aussi un excellent exemple de musicien qui s’est réinventé avec succès. Bob Dylan a fait la même chose musicalement – depuis ses débuts en tant qu’auteur-compositeur-interprète folk à la Woody Guthrie jusqu’à jouer du folk électrique avec le Groupe, puis à interpréter du rock chrétien. D’autres métamorphoses dans la pop, utilisant la mode pour changer de forme, incluraient Madonna, Prince, Lady Gaga et Taylor Swift.
Les musiciens se sont également réinventés en termes de choix musicaux aventureux. Willie Nelson a abordé la musique country, le jazz et le reggae au cours de sa longue carrière. Comme tout grand musicien moderne, Nelson connaît la valeur de puiser dans les sons et les styles du passé. Un thème primordial de son supergroupe américain The Highwaymen – qui comprenait Johnny Cash, Waylon Jennings et Kris Kristofferson – est une humeur de réflexion et un sentiment de perte. La légende de la country a su évoluer avec son époque lors d’une série de partenariats éclectiques, comme en témoigne sa collaboration avec le rappeur Snoop Dogg, sur des chansons telles que « Roll Me Up. »
La naissance du hip-hop
Le hip-hop est né dans le quartier principalement afro-américain du South Bronx à New York dans les années 70. Cela a commencé lorsque DJ Kool Herc (connu comme le père du breakbeat) a commencé à isoler et à répéter les breaks – les parties les plus dansantes des chansons – et a aidé à lancer un nouveau style de musique. Avec des artistes tels que Afrika Bambaataa et Grandmaster Flash, le hip-hop s’est intégré au courant dominant en 1979. Au cours de la décennie suivante, il a acquis un succès mondial.
Il y a eu des antécédents – remontant au scat et au vocalese de Louis Armstrong et aux chansons poétiques de Gil Scott-Heron – mais dans les années 80, le hip-hop est devenu l’un des mouvements les plus créatifs et musicaux de l’ère moderne, avec des groupes tels que NWA (avec Ice Cube), Public Enemy, Salt-N-Pepper, EPMD et Beastie Boys. D’autres grands rappeurs ont suivi dans les années 90, notamment LL Cool J, 2pac, Biggie Smalls et Wu-Tang Clan. Le hip-hop est peut-être la forme de musique la plus dominante aujourd’hui, avec des musiciens tels que Jay Z, Drake, Chance the Rapper et Kendrick Lamar qui vendent des millions de dollars à travers le monde.
Les stars du rap sont désormais également acclamées par la critique pour leur travail. Aux Grammys 2018, Lamar a remporté cinq trophées, remportant les prix de la Meilleure Performance Rap / Chantée, de la Meilleure Performance Chantée, de la Meilleure Chanson de Rap, du Meilleur Album de Rap et du Meilleur Clip Vidéo.
Même quelque chose d’aussi avant-gardiste que le hip-hop, cependant, se livre à la nostalgie. Le saxophoniste Terrace Martin, qui a produit à la fois Lamar et Snoop Dogg, a déclaré: « J’ai commencé à produire des morceaux de hip-hop parce que c’était la musique de mon temps, mais je n’ai jamais perdu mon amour pour le jazz. »Terrace, un grand fan de Verve Records et de grands noms de Blue Note tels que Sonny Stitt et Jackie McLean, a déclaré que Lamar, comme Coltrane avant lui, étudie et pense toujours à la musique.
Le hip-hop n’est pas la seule musique qui a évolué et se redéfinit au cours des trois dernières décennies. La musique country a connu une explosion dans alt.des artistes country, tels que Steve Earle et Lucinda Williams, et des stars américaines modernes telles que Ryan Adams, qui ont contribué à changer la perception de ce qu’est la musique country moderne, ouvrant la voie à des talents du 21e siècle tels que Kacey Musgraves.
Changement de genres au sein des chansons
Dans les années 90, lorsque les groupes changeaient parfois d’approche d’album en album, des stars telles que Beck mélangeaient même les genres au sein des chansons.
Beck a remporté un Grammy du Meilleur album alternatif pour son disque de 1996, Odelay. Le producteur Mike Simpson a déclaré qu’une piste en particulier, « Hotwax », était « un travail d’amour » qui a pris six mois à compléter.
Dans la chanson, Beck rappe sur une guitare country. Il a apporté toutes sortes d’équipements, tels que des talkies-walkies qu’il avait achetés dans des magasins de charité, pour jouer au top. Le morceau, avec différents tempos et une gamme vertigineuse d’effets, montre pourquoi il a été salué comme un homme qui a « capturé l’air du temps » au cours de cette décennie. Il n’est pas surprenant que ses influences musicales soient variées, avec un melting-pot de Mississippi John Hurt, Big Bill Broonzy, Sonic Youth, le Velvet Underground et Grandmaster Flash jouant un rôle dans son propre brouillage magistral des frontières.
Pollinisation croisée au 21e siècle
Alors que nous nous dirigeons vers la troisième décennie du 21e siècle, les genres et les styles changent constamment. Ces dernières années, Rihanna a repris Tame Impala et Miley Cyrus a collaboré avec Les Flaming Lips. Le terme « monde de la musique post-genre » a même été attaché à la scène musicale moderne.
La pollinisation croisée de la musique se poursuivra rapidement, alors que le streaming, YouTube et les applications mobiles prospèrent dans la nouvelle ère numérique, modifiant la façon dont les musiciens font de la musique et la façon dont les fans la consomment. Pour créer une musique vraiment bonne, un interprète aura toujours besoin de bases solides et d’inspirations provenant de diverses sources. Les superstars mondiales les plus réussies le reconnaissent. Chance The Rapper a salué l’influence du chanteur de gospel Kirk Franklin; Ed Sheeran a salué l’influence de la chanteuse folk irlandaise Cara Dillon et de sa « voix sublime. »
En plus de s’inspirer du passé, des questions sociales nouvelles et urgentes suscitent une énergie créative et une production nouvelles de la part des musiciens. Le sujet de la violence armée, sujet qui a dominé les débats en Amérique au début de l’année 2018, est au cœur de l’album Live de Terence Blanchard, enregistré avec son groupe E-Collective. Blanchard a dit qu’ils se sont réunis parce qu’ils voulaient « jouer de la musique pour inspirer les jeunes. »
La musique continuera à évoluer et à embrasser la nostalgie. L’avenir nous attend mais le passé sera là pour être exploité. Comme John Coltrane l’a dit à DownBeat en septembre 1960: « J’ai trouvé qu’il fallait regarder les vieilles choses et les voir sous un jour nouveau. »
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