Mostra: 'She Who Tells a Story: Women Photographers from Iran and the Arab World' al Museum of Fine Arts, Boston – Art Blart

Date della mostra: 27 agosto 2013-12 gennaio 2014

Gohar Dashti.

Gohar Dashti (Iraniano, nato nel 1980)
Senza titolo #5
2008

Mi piace che questo archivio dia una presenza a voci disparate.

Si tratta di una mostra importante, che sfida “le nozioni occidentali sull’Oriente”, esamina la complessità dell’identità e ridefinisce il documentario come genere.”Il lavoro di 12 artiste provenienti dall’Iran e dal mondo arabo sfida gli stereotipi e fornisce informazioni su questioni politiche e sociali. “Le immagini – che vanno dalle belle arti al fotogiornalismo-confutano la concezione che le donne arabe e iraniane sono “oppresse e impotenti”, rafforzando invece che alcuni dei lavori fotografici più significativi nella regione oggi sono fatti da donne.”

Marcus

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Molti ringraziamenti al Museum of Fine Arts di Boston per avermi permesso di pubblicare le fotografie nel post. Si prega di fare clic sulle fotografie per una versione più grande dell’immagine.

Gohar Dashti.

Gohar Dashti (Iraniano, nato nel 1980)
Senza titolo #2
2008

Tanya Habjouqa.

Tanya Habjouqa (giordana, 1975)
Senza titolo
2009
Della serie Women of Gaza

Tanya Habjouqa.

Tanya Habjouqa (giordana, 1975)
Senza titolo
2009
Della serie Women of Gaza

Rania Matar. Stephanie, Beirut, Libano' 2010

Rania Matar (libanese/palestinese/americana, nata nel 1964)
Stephanie, Beirut, Libano
2010

Rania Matar.

Rania Matar (libanese/palestinese/americana, nata nel 1964)
Alia, Beirut, Libano
2010

Rula Halawani.

Rula Halawani (Palestinese, n. 1964)
Senza titolo XIII
2002

Lalla Essaydi (marocchina, 1956)
Bullets Revisited #3
2012

Power and passion sarà esposta al Museum of Fine Arts di Boston (MFA) in una mostra di opere di 12 donne fotografe provenienti dall’Iran e dal mondo arabo. La mostra, la prima del suo genere in Nord America, presenta circa 100 fotografie e due video, realizzati quasi interamente nell’ultimo decennio, che sfidano gli stereotipi e forniscono informazioni su questioni politiche e sociali. Le immagini – che vanno dall’arte al fotogiornalismo-confutano la concezione che le donne arabe e iraniane sono “oppresse e impotenti”, rafforzando invece che alcuni dei lavori fotografici più significativi nella regione oggi sono fatti da donne. In mostra dal 27 agosto 2013 al 12 gennaio 2014, Colei che racconta una storia: Le donne fotografe dell’Iran e del mondo arabo mettono in evidenza la ricca espressione artistica di fotografi pionieristici Jananne Al-Ani, Boushra Almutawakel, Gohar Dashti, Rana El Nemr, Lalla Essaydi, Shadi Ghadirian, Tanya Habjouqa, Rula Halawani, Nermine Hammam, Rania Matar, Shirin Neshat e Newsha Tavakolian. Ad accompagnare la mostra una nuova pubblicazione, She Who Tells a Story (MFA Publications, settembre 2013), a cura della curatrice della mostra Kristen Gresh, Estrellita del MFA e Yousuf Karsh Assistant Curator of Photographs. Questa mostra è generosamente sostenuta dalla Fondazione Robert Mapplethorpe. Ulteriore supporto da parte del fondo Barbara Jane Anderson.

“She Who Tells a Story riunisce fotografie recenti di 12 artisti innovativi”, ha dichiarato Malcolm Rogers, Ann e Graham Gund Direttore del MFA. “Le loro opere raccontano storie che evocano una gamma di emozioni, sfidano la nostra percezione e presentano il Medio Oriente con una nuova prospettiva.”

In arabo, la parola rawiya significa ” colei che racconta una storia.”Queste fotografie sono una raccolta di storie sulla vita contemporanea in Iran e nel mondo arabo. La mostra esplorerà i temi di “Decostruire l’orientalismo”, “Costruire identità” e “Nuovo documentario”, rivelando l’individualità del lavoro di ciascun artista, consentendo al contempo scorci nei paesaggi sociali e politici della regione. Il MFA ha acquisito 18 delle opere esposte nella galleria Henry e Lois Foster nell’ala per l’arte contemporanea della famiglia Linde. Le acquisizioni effettuate nel 2013 includono Roja (Patriots) dalla serie Book of Kings (2012) di Shirin Neshat; la serie completa di nove fotografie in Madre, la Figlia, la Bambola (2010) di Boushra Almutawakel; tre stampe della serie le Donne di Gaza (2009) di Tanya Habjouqa; due foto di una serie di Metropolitana (2003), Rana, El Nemr, due stampe della serie Qajar (1998) di Shadi Ghadirian; e Untitled #2 dalla Vita di Oggi e di Guerra (2008) di Gohar Dashti.

“Riflettendo sul potere della politica e sull’eredità della guerra, le fotografie di questa mostra sfidano le nozioni occidentali sull ‘” Oriente”, esaminano la complessità dell’identità e ridefiniscono il documentario come genere”, ha detto la curatrice Kristen Gresh, che è stata esposta per la prima volta a questo lavoro mentre viveva all’estero per 15 anni, insegnando storia della fotografia a Parigi e al Cairo.

Storicamente, l’orientalismo si riferisce alle raffigurazioni di artisti europei o americani dell’Oriente, comprese le culture mediorientali, nordafricane e orientali – spesso presentando l ‘ “Oriente” come culturalmente inferiore. La storia della fotografia nella zona è in gran parte costituito da immagini create da estranei, che vanno dalle piramidi e luoghi sacri biblici per mettere in scena scene harem e danzatrici del ventre. Accoppiato con miti e racconti tradizionali come il” persiano “regina Sheherazade e il” arabo ” Mille e una notte, idee sbagliate continuano a persistere fino ad oggi. Questi stereotipi sono frantumati con la serie rivoluzionaria di Shirin Neshat Women of Allah (1993-97). La serie è nata da una visita che ha fatto al suo nativo Iran 15 anni dopo la rivoluzione iraniana (1979). In mostra quattro ritratti della serie – Untitled (1996), Speechless (1996), I Am Its Secret (1993) e Identified (1995) – ognuno dei quali incorpora elementi del velo (o hijab), pistola, testo e sguardo e abbatte i miti orientalisti, mostrando le donne potenziate di fronte all’opposizione. Tra le prime fotografie della mostra, sono sovrapposte a scritte persiane di scrittrici iraniane contemporanee ed evocano il ruolo che le donne hanno giocato nella rivoluzione iraniana. La serie ha segnato un punto di svolta nella storia recente della rappresentazione e dei dibattiti sul velo, ispirando l’esplorazione di altri fotografi.

Oltre a Neshat, altri hanno avuto un impatto sulla storia della rappresentazione visiva e sulla percezione degli stereotipi orientalisti. Nel dittico Untitled I & II (1996) L’irachena Jananne Al-Ani usa le donne della sua famiglia (e se stessa) per mostrare una progressione nel velo, da svelato a completamente velato, e viceversa. L’installazione delle stampe di grande formato ha l’effetto di intrappolare lo spettatore tra gli sguardi senza battito delle donne, usando il potere dell’obiettivo per affrontare i miti sull’oppressione delle donne musulmane. Nata in Marocco, Lalla Essaydi, ex pittrice e allieva della School of the Museum of Fine Arts di Boston (SMFA), utilizza l’iconografia dei dipinti orientalisti del xix secolo come ispirazione per esplorare e mettere in discussione la propria identità culturale. Nel trittico Bullets Revisited #3 (2012), il lavoro più ampio della mostra a 5 1/2 x 12 1/2 feet, e Converging Territories #29 (2004), usa la calligrafia (una forma d’arte tipicamente maschile) per suggerire la complessità dei ruoli di genere all’interno della cultura islamica. In Bullets Revisited # 3, i bossoli d’argento e d’oro evocano violenza simbolica, facendo riferimento alla sua paura per le crescenti restrizioni sulle donne in una nuova era post-rivoluzionaria che seguì le manifestazioni e le proteste nel mondo arabo iniziate nel 2010.

Come il lavoro di Neshat e Al-Ani degli anni ‘ 90, l’iconica serie Qajar (1998) dell’artista iraniano Shadi Ghadirian è stata un punto di partenza per molti fotografi dell’epoca. Ghadirian, che attualmente vive a Teheran, ha scattato foto che illustravano questioni di identità e di essere femminile in Iran. Le nove stampe in mostra della serie Qajar giustappongono giovani donne in abito tradizionale con oggetti allora proibiti, come boom box, strumenti musicali e trucco, suggerendo tensione tra tradizione e modernità, restrizione e libertà, pubblico e privato. Nella mostra è inclusa anche un’altra serie ghadiriana successiva che presenta juxtapositions-Nil, Nil (2008), che porta in primo piano l’esperienza delle donne a casa durante la guerra, invocando storie indicibili di perdita e attesa. La serie include immagini di proiettili che sporgono da una borsetta; una granata in una ciotola di frutta; e un casco militare appeso al muro accanto a un foulard, che riporta alla mente le complessità dei personaggi pubblici maschili e femminili e dei desideri privati.

I primi ritratti di Ghadirian gettarono le basi per i fotografi successivi per affrontare il tema dell’identità, tra cui Boushra Almutawakel, originario dello Yemen. La sua serie Mother, Daughter, Doll (2010) usa il velo per sfidare le tendenze sociali e l’ascesa dell’estremismo religioso, che chiede alle donne – e anche alle ragazze – di coprire i loro corpi in pubblico. I ritratti messi in scena non denunciano l’hijab, ma protestano contro le nozioni estremiste di coprire i corpi e la tendenza verso il nero. Le nove stampe in mostra mostrano sorrisi da madre e figlia svaniscono mentre i loro vestiti colorati scompaiono da un’immagine all’altra. La serie termina con l’immagine di un piedistallo vuoto drappeggiato in tessuto nero mentre madre, figlia e bambola sono completamente eliminate – una dichiarazione sulla cancellazione dell’individuo attraverso il vestito. Almutawakel offre una prospettiva sensibile sulla vita pubblica e privata delle giovani donne, come fa la libanese Rania Matar nella sua serie A Girl and Her Room (2009, 2010). Questi sei ritratti di giovani donne del Medio Oriente catturano le ragazze nelle loro camere da letto, circondate dai loro effetti personali. Nonostante una diversità di impostazioni e sitter, la serie riflette le esperienze universalmente condivise di raggiungimento della maggiore età e la complessità di essere una giovane donna.

L’identità è ulteriormente indagata nel lavoro della fotoreporter Newsha Tavakolian, che attualmente vive a Teheran e le cui recenti foto delle elezioni iraniane sono apparse in pubblicazioni dal New York Times al Time magazine. Dopo aver avuto difficoltà a fotografare in pubblico nel 2009, si è rivolta alla fotografia d’arte per affrontare questioni sociali. La mostra presenta sei ritratti, sei copertine di CD immaginari e un video di sei schermi della serie Listen (2010), tutti ritratti di cantanti professionisti che, come donne, sono proibite dai principi islamici di esibirsi in pubblico o di registrare CD nel loro paese natale, l’Iran. I cantanti di Tavakolian non appaiono con i microfoni, anche se ognuno è chiaramente catturato a metà canzone. La sua passione per queste storie femminili l’ha ispirata a creare le copertine immaginarie dei CD che rappresentano il carattere di ogni performer. Il video di accompagnamento mostra le donne emotivamente bocca parole inaudite, suggerendo l’idea di silenzio imposto. Metafore di musica, voce ed espressione, si trovano anche in altre opere in mostra, come nella serie Qajar, e in Mystified (1997) di Neshat.

Tavakolian rappresenta una generazione di fotografi iraniani post-rivoluzionari, mentre Neshat rappresenta una generazione di artisti nati prima della rivoluzione ma che hanno lasciato il paese. Neshat ha lasciato il suo paese natale nel 1974 per studiare arte negli Stati Uniti prima dello sconvolgimento nel 1979, e continua a attingere al suo patrimonio culturale. Otto immagini della sua serie Book of Kings (2012) saranno esposte nella mostra. Questa recente serie, traducendo il suo titolo dall’epica persiana di 1.000 anni Shahnameh, ha segnato un ritorno alla fotografia in bianco e nero ed è composta da ritratti di gruppi di individui che Neshat chiama le masse, i Patrioti e i cattivi. Le cifre di questa serie rappresentano le migliaia di persone che hanno partecipato alle proteste, in particolare il Movimento Verde iraniano (2009) e la Primavera araba (2011). Le masse sono rappresentate da colpi alla testa di uomini e donne arabi e iraniani i cui volti sono sovrapposti con la calligrafia-tranne che per gli occhi e la bocca. Le immagini sono destinate ad essere mostrato fianco a fianco per simulare il potere del popolo. Proprio come ha fatto in Donne di Allah, Neshat persegue i paradossi del passato e del presente e il potere e la sottomissione; Libro dei Re dimostra anche il suo sviluppo ed evoluzione come artista.

Oltre ad affrontare questioni sociali e politiche, Lei che racconta una storia presenta anche un nuovo tipo di immaginario documentario – artistico portato a esperienze di vita reale. I temi della guerra, dell’occupazione, della protesta e della rivolta, così come le preoccupazioni sulla fotografia come mezzo, trovano un posto in questo nuovo genere. Proprio come Nil, Nil di Ghadirian raccontava storie di guerra, anche l’opera iraniana di Gohar Dashti affronta l’argomento. Entrambi i fotografi sono cresciuti durante la guerra Iran-Iraq (1980-88). Today’s Life and War (2008) di Dashti è una serie di fotografie teatrali in cui una coppia svolge attività ordinarie in un campo di battaglia romanzato. In Untitled #5, si siedono come sposi nel guscio di un’auto abbandonata e in Untitled #7, a terra a un tavolo tradizionale improvvisato che celebra il capodanno persiano, Nowruz. Le restanti quattro stampe mostrano la coppia che esegue routine quotidiane ma interrotte da simboli di guerra – un carro armato, testa di missile, muro di sacchi di sabbia. Le immagini di Dashti sono metafore per l’esperienza della guerra e richiamano i propri ricordi dell’infanzia vissuta vicino al confine Iran-Iraq.

Alternative ai documentari messi in scena da Dashti si possono trovare nelle opere dell’egiziana Rana El Nemr e della giordana Tanya Habjouqa, entrambe che catturano direttamente le persone in contesti urbani. In The Metro (2003), El Nemr spara discretamente i passeggeri nell’auto designata per le donne, seduti o in piedi, nel profondo del pensiero. Le immagini trasmettono quanto può essere anonima la vita quotidiana e come le persone interagiscono tra loro negli spazi pubblici. Habjouqa’s Women of Gaza (2009) registra l’esperienza delle donne a Gaza, che, come tutti i residenti del territorio occupato, vivono con limitata libertà. Ripresi in un arco di due mesi, le immagini celebrano piaceri modesti, tra cui un picnic sulla spiaggia, un giro in barca e una lezione di aerobica. Habjouqa ritrae delicatamente il lato positivo della vita dei suoi soggetti. Donne di Gaza è un esempio di fotogiornalismo in mostra.

Un’altra area di esplorazione per i fotografi mediorientali è il medium stesso. Al-Ani, Rula Halawani e Nermine Hammam spingono i confini della fotografia in modi nuovi. Le opere di Al-Ani Aerial I e Shadow Sites II, un video a canale singolo, ritraggono il paesaggio giordano da un aereo. Il video di quasi nove minuti, realizzato esclusivamente da fotografie che si dissolvono l’una nell’altra, combinano natura, volo e tecnologia. Halawani, originario della Palestina che attualmente risiede a Gerusalemme Est, affronta l’esperienza della distruzione e dello spostamento. In Negative Incursioni (2002), una serie di immagini dell’invasione israeliana della Cisgiordania del 2002, fotografa scene di guerra per poi ingrandirle e stamparle nella loro forma negativa. Questa tecnica oscura le specificità del tempo e del luogo, aumentando l’intensità drammatica e con conseguente immagini potenti di carri armati in azione, madri e famiglie in lutto tra le macerie delle conseguenze. Strisce di luce tra le rovine sono una metafora della situazione del popolo palestinese, mentre spessi bordi neri imitano la forma di uno schermo televisivo per trasmettere le critiche di Halawani alla copertura mediatica.

Hammam’s Cairo Year One (2011-12), affrontando la rivolta di 18 giorni in Egitto (gennaio 2011) e le sue conseguenze, sperimenta anche con gli usi della fotografia. Consiste di 13 stampe in due parti: Upekkha (riferimento al concetto buddista di equanimità) e Unfolding (riferimento a schermi giapponesi pieghevoli). In Upekkha, Hammam imbatte fotografie di soldati in Piazza Tahrir all’interno di scene di paesaggio tranquillo da cartoline dalla sua collezione personale, mostrando la vulnerabilità dei giovani. Al contrario, la seconda parte della serie, Che si svolge, è stata creata dopo che la rivolta era finita, quando era difficile per lei fotografare. Nelle due stampe, combina riproduzioni di schermi giapponesi 17 e 18 con foto di brutalità della polizia.

Comunicato stampa dal sito del Museum of Fine Arts, Boston

Nermine Hammam. 'Dreamland' I 2011