Wystawa: "She Who Tells A Story: Women Photographers from Iran and the Arab World" w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie – Art Blart

daty wystawy: 27 sierpnia 2013 – 12 stycznia 2014

Gohar Dashti.

Gohar Dashti (Irańczyk, ur. 1980)
Bez tytułu #5
2008

uwielbiam to, że to archiwum daje obecność różnym głosom.

to ważna wystawa, która rzuca wyzwanie „zachodnim pojęciom o „Oriencie”, bada złożoność tożsamości i redefiniuje dokument jako gatunek.”Prace 12 artystek z Iranu i świata arabskiego podważają stereotypy i dają wgląd w kwestie polityczne i społeczne. „Obrazy-od Sztuk Pięknych po fotoreportaż – obalają koncepcję, że Arabskie i irańskie kobiety są „uciskane i bezsilne”, a zamiast tego wzmacniają, że niektóre z najważniejszych prac fotograficznych w regionie są dziś wykonywane przez kobiety.”

Marcus

.
wielkie podziękowania dla Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie za umożliwienie mi opublikowania zdjęć w poście. Kliknij na zdjęcia, aby zobaczyć większą wersję obrazu.

Gohar Dashti.

Gohar Dashti (Irańczyk, ur. 1980)
Bez tytułu #2
2008

Tanya Habjouqa.

Tanya Habjouqa (ur. 1975)
Bez tytułu
2009
z serii kobiety z gazy

Tanya Habjouqa.

Tanya Habjouqa (ur. 1975)
Bez tytułu
2009
z serii kobiety z gazy

Rania Matar.

Rania Matar (Libańska/Palestyńska/Amerykańska, ur. 1964)
2010

Rania Matar.

Rania Matar (Libańska/Palestyńska/Amerykańska, ur. 1964)
2010

Rula Halawani.

Rula Halawani (Palestyń. 1964)
Bez tytułu XIII
2002

Lalla Essaydi (Marokańska, ur. 1956)#3
2012

moc i pasja będzie można zobaczyć w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie (MFA) na wystawie prac 12 kobiet fotografek z Iranu i świata arabskiego. Wystawa, pierwsza tego typu w Ameryce Północnej, składa się z około 100 fotografii i dwóch filmów wideo, stworzonych niemal w całości w ciągu ostatniej dekady, które rzucają wyzwanie stereotypom i dają wgląd w kwestie polityczne i społeczne. Obrazy-od Sztuk Pięknych po fotoreportaż – obalają koncepcję, że Arabskie i irańskie kobiety są „uciskane i bezsilne”, a zamiast tego wzmacniają, że niektóre z najważniejszych prac fotograficznych w regionie są dziś wykonywane przez kobiety. 27.08.2013-12.01.2014: Kobiety fotografki z Iranu i świata arabskiego podkreśla bogaty wyraz artystyczny pionierskich fotografów Jananne Al-Ani, Boushra Almutawakel, Gohar Dashti, Rana El Nemr, Lalla Essaydi, Shadi Ghadirian, Tanya Habjouqa, Rula Halawani, Nermine Hammam, Rania Matar, Shirin Neshat i Newsha Tavakolian. Wystawie towarzyszy nowa publikacja She Who Tells A Story (MFA Publications, wrzesień 2013), której autorami są kurator wystawy Kristen Gresh, Estrellita z MSZ oraz Asystent kuratora fotografii Yousuf Karsh. Wystawa jest hojnie wspierana przez Fundację Roberta Mapplethorpe ’ a. Dodatkowe wsparcie z Funduszu Barbary Jane Anderson.

„ta, która opowiada historię, łączy najnowsze zdjęcia 12 przełomowych artystów” – powiedzieli Malcolm Rogers, Ann i Graham Gund dyrektor MSZ. „Ich prace opowiadają historie, które wywołują szereg emocji, rzucają wyzwanie naszej percepcji i przedstawiają Bliski Wschód z nowej perspektywy.”

w języku arabskim słowo rawiya oznacza ” tę, która opowiada historię.”Fotografie te są zbiorem opowieści o współczesnym życiu Iranu i świata arabskiego. Wystawa eksploruje tematy „dekonstrukcji orientalizmu”, „konstruowania tożsamości” i „nowego dokumentu”, ujawniając indywidualność twórczości każdego artysty, pozwalając jednocześnie spojrzeć na społeczne i polityczne krajobrazy regionu. MSZ nabyło 18 prac w Galerii Henry and Lois Foster w skrzydle sztuki współczesnej rodziny Linde. Do nabytków zrealizowanych w 2013 roku należą Roja (patrioci) z serii Księga królów (2012) Shirin Neshat; kompletna seria dziewięciu fotografii w filmie Matka, Córka, Lalka (2010) Boushry Almutawakel; trzy zdjęcia z cyklu kobiety z gazy (2009) Tanyi Habjouqa; dwa zdjęcia z cyklu Metro (2003) Rana El Nemr; dwa zdjęcia z cyklu Qajar (1998) Shadi Ghadirian; i bez tytułu #2 z dzisiejszego życia i wojny (2008) Gohara Dashti.

„rozważając potęgę polityki i dziedzictwo wojny, fotografie na tej wystawie rzucają wyzwanie zachodnim pojęciom na temat „Orientu”, badają złożoność tożsamości i redefiniują dokument jako gatunek”, powiedziała kuratorka Kristen Gresh, która po raz pierwszy zetknęła się z tą pracą, mieszkając za granicą od 15 lat, ucząc Historii Fotografii w Paryżu i Kairze.

historycznie orientalizm odnosi się do przedstawień europejskich lub amerykańskich artystów Wschodu, w tym kultur Bliskiego Wschodu, Afryki Północnej i Wschodu – często przedstawiając „Orient” jako kulturowo gorszy. Historia fotografii w tym obszarze w dużej mierze składała się z obrazów stworzonych przez obcych, od piramid i świętych miejsc biblijnych po inscenizowane sceny haremowe i tancerki brzucha. W połączeniu z mitami i tradycyjnymi opowieściami, takimi jak” Perska „Królowa Szeherezada i” Arabska ” Tysiąc i jedna noc, nieporozumienia utrzymują się do dziś. Stereotypy te zostały przełamane dzięki przełomowej serii Women of Allah Shirin Neshat (1993-97). Serial wyrósł z wizyty, którą odbyła w swoim ojczystym Iranie 15 lat po rewolucji irańskiej (1979). Na wystawie znajdują się cztery portrety z cyklu – bez tytułu (1996), bez słowa (1996), jestem jego sekretem (1993) i zidentyfikowany (1995) – z których każdy zawiera elementy zasłony (hidżabu), broni, tekstu i spojrzenia oraz przełamuje orientalistyczne mity, ukazując kobiety umocowane w obliczu opozycji. Wśród najwcześniejszych fotografii na wystawie, są one nakładane perskim pismem współczesnych irańskich pisarek i przywołują rolę, jaką kobiety odegrały w irańskiej rewolucji. Cykl ten stanowił punkt zwrotny w najnowszej historii reprezentacji i debat na temat zasłony, inspirując do poszukiwań innych fotografów.

oprócz Neshata, inne miały wpływ na historię reprezentacji wizualnej i postrzeganie stereotypów Orientalistycznych. W dyptyku Bez tytułu i & II (1996) urodzona w Iraku Jananne Al-Ani wykorzystuje kobiety w swojej rodzinie (i siebie), aby pokazać postęp w zawoalowaniu, od odsłonięcia do pełnego zawoalowania i z powrotem. Instalacja wielkoformatowych odbitek ma za zadanie uwięzić widza między niewiastami, wykorzystując moc obiektywu do rozwiązania mitów na temat ucisku muzułmańskich kobiet. Urodzona w Maroku Lalla Essaydi, była malarka i absolwentka School Of The Museum of Fine Arts w Bostonie (SMFA), wykorzystuje ikonografię z XIX-wiecznych obrazów Orientalistycznych jako inspirację do zbadania i zakwestionowania własnej tożsamości kulturowej. W tryptyku Bullets Revisited #3 (2012), najbardziej ekspansywnej pracy na wystawie o wymiarach 5 i 1/2 x 12 i 1/2 stóp oraz Converging Territories #29 (2004), wykorzystuje kaligrafię (typowo męską formę sztuki), aby zasugerować złożoność ról płciowych w kulturze islamu. W Bullets Revisited #3, srebrne i złote łuski kul wywołują symboliczną przemoc, odnosząc się do jej strachu przed rosnącymi ograniczeniami wobec kobiet w nowej, porewolucyjnej erze, która nastąpiła po demonstracjach i protestach w świecie arabskim, które rozpoczęły się w 2010 roku.

podobnie jak prace Neshata i Al-Ani z Lat 90., kultowa seria Qajar (1998) irańskiego artysty Shadiego Ghadiriana była punktem wyjścia dla wielu ówczesnych fotografów. Ghadirian, która obecnie mieszka w Teheranie, zrobiła zdjęcia, które ilustrowały kwestie tożsamości i bycia kobietą w Iranie. Dziewięć nadruków z serii Qajar zestawia młode kobiety w tradycyjnych strojach z zakazanymi wówczas przedmiotami, takimi jak boomboxy, Instrumenty Muzyczne i makijaż, sugerując napięcie między tradycją a nowoczesnością, ograniczeniem a wolnością, publiczną i prywatną. Na wystawie znajduje się również kolejna, późniejsza Ghadiriańska seria prezentująca zestawienia – Nil, Nil (2008), która na pierwszy plan wysuwa doświadczenie kobiet w domu podczas wojny, odwołując się do niezliczonych opowieści o stracie i czekaniu. Seria zawiera obrazy kul wystających z torebki; granat w misce z owocami; i wojskowy hełm wiszący na ścianie obok chusty, przywodzący na myśl zawiłości męskich i żeńskich person publicznych i prywatnych pragnień.

wczesne inscenizowane portrety Ghadiriana położyły podwaliny pod późniejsze fotografowie, którzy podejmowali temat tożsamości, w tym boushra Almutawakel, pochodzący z Jemenu. Jej serial Mother, Daughter, Doll (2010) wykorzystuje zasłonę, aby rzucić wyzwanie trendom społecznym i wzrostowi religijnego ekstremizmu, który wzywa kobiety – a nawet młode dziewczyny – do zakrywania swoich ciał w miejscach publicznych. Inscenizowane portrety nie potępiają hidżabu, lecz protestują przeciwko ekstremistycznym pojęciom zakrywania ciał i tendencji do czerni. Dziewięć nadruków na wystawie pokazuje uśmiechy od matki i córki blakną, gdy ich kolorowe ubrania znikają z jednego obrazu na drugi. Seria kończy się obrazem pustego postumentu udrapowanego czarną tkaniną, gdy matka, córka i lalka są całkowicie wyeliminowane – stwierdzenie o wymazaniu jednostki przez sukienkę. Almutawakel oferuje wrażliwą perspektywę życia publicznego i prywatnego młodych kobiet, podobnie jak urodzona w Libanie Rania Matar w serialu dziewczyna i jej pokój (2009, 2010). Te sześć portretów młodych kobiet z Bliskiego Wschodu uchwyca dziewczyny w swoich sypialniach, otoczone ich dobytkiem. Pomimo różnorodności scenerii i opiekunów, seria odzwierciedla uniwersalne wspólne doświadczenia dorastania i złożoność bycia młodą kobietą.

tożsamość jest dalej badana w pracy fotoreportera Newsha Tavakolian, który obecnie mieszka w Teheranie i którego ostatnie zdjęcia z irańskich wyborów pojawiły się w publikacjach od New York Times do Time magazine. Po doświadczeniu trudności w fotografowaniu publicznie w 2009 roku, zwróciła się do fotografii artystycznej, aby rozwiązać problemy społeczne. Wystawa prezentuje sześć portretów, sześć wyimaginowanych okładek płyt CD oraz sześcioekranowy film z serii Listen (2010), przedstawiający profesjonalnych śpiewaków, którym Islamskie zasady zakazują publicznego występowania lub nagrywania płyt CD w swoim ojczystym kraju-Iranie. Wokaliści tavakoliana nie występują z mikrofonami, chociaż każdy z nich jest wyraźnie uchwycony w połowie utworu. Jej pasja do historii kobiet zainspirowała ją do stworzenia wyimaginowanych okładek płyt, które reprezentują charakter każdej z wykonawczyń. Towarzyszący film pokazuje kobiety emocjonalnie wypowiadające niesłyszane słowa, sugerujące ideę narzuconej ciszy. Metafory muzyki, głosu i ekspresji znajdują się również w innych prezentowanych pracach, takich jak cykl Qajar i Mistified (1997) Neshata.

Tavakolian reprezentuje pokolenie porewolucyjnych irańskich fotografów, podczas gdy Neshat reprezentuje pokolenie artystów urodzonych przed rewolucją, ale którzy opuścili kraj. Neshat opuściła swój kraj w 1974 roku, aby studiować sztukę w Stanach Zjednoczonych przed przewrotem w 1979 roku i nadal czerpie ze swojego dziedzictwa kulturowego. Na wystawie będzie można zobaczyć osiem obrazów z cyklu Księga królów (2012). Ta ostatnia seria, tłumacząc swój tytuł od 1000-letniego perskiego epickiego Shahnameh, oznaczała powrót do czarno-białej fotografii i składa się z portretów grup osób, które Neshat nazywa masami, patriotami i złoczyńcami. Liczby z tej serii to tysiące uczestników protestów, w szczególności irański ruch zielonych (2009) i Arabska Wiosna (2011). Masy reprezentowane są przez strzały w głowę Arabskich i irańskich mężczyzn i kobiet, których twarze pokryte są kaligrafią – z wyjątkiem oczu i ust. Zdjęcia mają być pokazywane obok siebie, aby symulować siłę ludzi. Podobnie jak w przypadku kobiet Allaha, Neshat dąży do paradoksów przeszłości i teraźniejszości oraz władzy i uległości; Księga królów pokazuje również jej rozwój i ewolucję jako artystki.

oprócz poruszania kwestii społecznych i politycznych, opowiadająca historię prezentuje również nowy rodzaj dokumentalno – artystycznej wyobraźni sprowadzonej do rzeczywistych doświadczeń. Tematy wojny, okupacji, protestu i buntu, a także troska o fotografię jako medium-wszystko to znajduje swoje miejsce w tym nowym gatunku. Podobnie jak Nil Ghadiriana, Nil opowiadał historie o wojnie, Irańska praca Gohar Dashti również porusza ten temat. Oboje dorastali podczas wojny irańsko-irackiej (1980-88). Dashti 's Today’ s Life and War (2008) to seria teatralnych, inscenizowanych fotografii, w których para realizuje zwykłe działania na fikcyjnym polu bitwy. W Untitled # 5 siedzą jako nowożeńcy w skorupie opuszczonego samochodu, a w Untitled #7, na ziemi przy prowizorycznym tradycyjnym stole świętującym perski Nowy Rok, Nowruz. Pozostałe cztery odciski pokazują parę wykonującą codzienne czynności, ale przerywane symbolami wojny-czołgiem, głowicą pocisku, ścianą worków z piaskiem. Obrazy Dashti są metaforami doświadczenia wojny i przywołują jej własne wspomnienia z dzieciństwa mieszkającego w pobliżu granicy irańsko-irackiej.

alternatywy dla inscenizowanych filmów dokumentalnych Dashtiego można znaleźć w pracach Egipcjanki Rana El Nemr i jordańskiej Tanyi Habjouqa, z których obie bezpośrednio uchwyciły ludzi w warunkach miejskich. W metrze (2003) El Nemr niepozornie strzela do pasażerów w samochodzie przeznaczonym dla kobiet, siedzących lub stojących, głęboko myślących. Obrazy pokazują, jak anonimowe może być codzienne życie i jak ludzie wchodzą ze sobą w interakcje w przestrzeni publicznej. Habjouqa ’ s Women of Gaza (2009) rejestruje doświadczenia kobiet w Gazie, które, podobnie jak wszystkie mieszkanki okupowanego terytorium, żyją z ograniczoną wolnością. Obrazy wykonane przez dwa miesiące świętują skromne przyjemności, w tym piknik na plaży, przejażdżkę łodzią i zajęcia aerobiku. Habjouqa delikatnie przedstawia jasną stronę życia swoich poddanych. Kobiety z gazy to jeden z przykładów fotoreportażu.

kolejnym obszarem poszukiwań dla fotografów z Bliskiego Wschodu jest samo medium. Al-Ani, Rula Halawani i Nermine Hammam na nowe sposoby przesuwają granice fotografii. Prace Al-Ani Aerial I I Shadow Sites II, jednokanałowe wideo, przedstawiają jordański krajobraz z samolotu. Prawie dziewięciominutowy film, stworzony wyłącznie ze zdjęć, które rozpuszczają się w sobie, łączą w sobie naturę, lot i technologię. Halawani, pochodzący z Palestyny, który obecnie mieszka we wschodniej Jerozolimie, odnosi się do doświadczenia zniszczenia i przesiedlenia. W Negative Incursions (2002), serii zdjęć z izraelskiej inwazji na Zachodni Brzeg w 2002 roku, fotografuje sceny wojny, a następnie powiększa i drukuje je w negatywnej formie. Technika ta zaciemnia specyfikę czasu i miejsca, zwiększając dramatyczną intensywność i skutkując potężnymi obrazami czołgów w akcji, opłakujących matki i rodziny w gruzach następstw. Smugi światła wśród ruin są metaforą losów Palestyńczyków, a grube czarne granice imitują kształt ekranu telewizyjnego, aby przekazać krytykę Halawaniego w mediach.

Hammam ’ s Cairo Year One (2011-2012), opowiadający o 18-dniowym powstaniu w Egipcie (styczeń 2011) i jego następstwach, także eksperymentuje z wykorzystaniem fotografii. Składa się z 13 odbitek w dwóch częściach: Upekkha (nawiązanie do buddyjskiej koncepcji zrównoważenia) i Unfolding (nawiązanie do składania Japońskich ekranów). W Upekkha Hammam umieszcza zdjęcia żołnierzy na Placu Tahrir w spokojnych scenach krajobrazowych z pocztówek z jej osobistej kolekcji, ukazujących wrażliwość młodych mężczyzn. Natomiast druga część cyklu, „Unfolding”, powstała po zakończeniu powstania, kiedy trudno było jej fotografować. W dwóch odbitkach łączy reprodukcje siedemnastego i osiemnastego japońskiego ekranu ze zdjęciami brutalności policji.

informacja prasowa ze strony Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Nermine Hammam.