Exposição: 'Ela Que Conta uma História: as Mulheres Fotógrafos do irã e do Mundo Árabe', no Museu de Belas Artes, Boston – Arte Blart

datas de Exposição: de 27 de agosto de 2013 – dia 12 de janeiro de 2014

Gohar Dashti. 'Sem título #5' 2008

Gohar Dashti (Iraniano, b. 1980)
sem Título #5
2008

eu amo que este arquivo fornece uma presença de diferentes vozes.

esta é uma exposição importante, que desafia “noções ocidentais sobre o ‘Oriente’, examina as complexidades da identidade e redefine o documentário como gênero.”O trabalho de 12 mulheres artistas do Irã e do mundo árabe desafia estereótipos e fornece informações sobre questões políticas e sociais. “As imagens – que vão da arte ao fotojornalismo-refutam a concepção de que as mulheres árabes e iranianas são “oprimidas e impotentes”, reforçando que parte do trabalho fotográfico mais significativo na região hoje está sendo feito por mulheres.”

Marcus

.Muitos agradecimentos ao Museu de Belas Artes de Boston por me permitir publicar as fotografias na postagem. Por favor, clique nas fotografias para uma versão maior da imagem.

Gohar Dashti. 'Sem título #2' 2008

Gohar Dashti (Iraniano, b. 1980)
Sem Título #2
2008

Tanya Habjouqa.

Tanya Habjouqa(Jordaniano, n. 1975)
Sem Título
2009
da série Mulheres de Gaza

Tanya Habjouqa.

Tanya Habjouqa (Jordaniano, n. 1975)
Sem Título
2009
da série Mulheres de Gaza

Rania Matar.

Rania Matar (Libanês/Palestina/Americano, b. 1964)
Stephanie, Beirute, Líbano
2010

Rania Matar. 'Alia, Beirute, Líbano' 2010

Rania Matar (Libanês/Palestina/Americano, b. 1964)
Alia, Beirute, Líbano
2010

Rula Halawani.

Rula Halawani (Palestina, B. 1964)
sem título XIII
2002

Lalla Essaydi Marroquino, b. 1956)
Marcadores Revisitado #3
2012

o Poder e a paixão vai estar em exibição no Museu de Artes Finas, Boston (MFA) em uma exposição de obras de 12 mulheres fotógrafos do irã e do Mundo Árabe. O primeiro de seu tipo na América do Norte, a exposição apresenta aproximadamente 100 fotografias e dois vídeos, criados quase inteiramente na última década, que desafiam estereótipos e fornecem insights sobre questões políticas e sociais. As imagens – que vão da arte ao fotojornalismo-refutam a concepção de que as mulheres árabes e iranianas são “oprimidas e impotentes”, reforçando que parte do trabalho fotográfico mais significativo na região hoje está sendo feito por mulheres. On view from August 27 – 2013-January 12, 2014, She Who Tells a Story: Mulheres Fotógrafos do irã e o Mundo Árabe destaca a rica expressão artística de fotógrafos pioneiros Jananne Al-Ani, Boushra Almutawakel, Gohar Dashti, Rana El Nemr, Lalla Essaydi, Shadi Ghadirian, Tanya Habjouqa, Rula Halawani, Nermine banho Turco, Rania Matar, Shirin Neshat, e Newsha Tavakolian. Acompanhando a exposição está uma nova publicação, ela que conta uma história (MFA Publications, setembro de 2013), de autoria da curadora da exposição Kristen Gresh, a Estrellita do MFA e a curadora Assistente de fotografia Yousuf Karsh. Esta exposição é generosamente apoiada pela Fundação Robert Mapplethorpe. Apoio adicional do fundo Barbara Jane Anderson.”Ela que conta uma história reúne fotografias recentes de 12 artistas inovadores”, disse Malcolm Rogers, Ann e Graham Gund diretor do MFA. “Seus trabalhos contam histórias que evocam uma variedade de emoções, desafiam nossa percepção e apresentam ao Oriente Médio uma nova perspectiva.”

em árabe, A Palavra rawiya significa ” ela que conta uma história.”Essas fotografias são uma coleção de histórias sobre a vida contemporânea no Irã e no mundo árabe. A exposição explorará temas de “desconstrução do orientalismo”, “construção de identidades” e “novo documentário”, revelando a individualidade da obra de cada artista, permitindo vislumbres das paisagens sociais e políticas da região. O MFA adquiriu 18 das obras em exibição na galeria Henry e Lois Foster na ala da família Linde para Arte Contemporânea. As aquisições feitas em 2013 incluem Roja (Patriots) da série Livro dos Reis (2012) de Shirin Neshat; a série de nove fotografias em Mãe, Filha, Boneca (2010) pela Boushra Almutawakel; três estampas da série Mulheres de Gaza (2009) por Tanya Habjouqa; duas fotos da série o Metro (2003) em Rana El Nemr; duas estampas da série Qajar (1998), por Shadi Ghadirian; e sem Título #2, a partir de Hoje, a Vida e Guerra (2008), Gohar Dashti.

“Refletindo sobre o poder político e o legado da guerra, as fotografias desta exposição desafio noções Ocidentais sobre o Oriente,’ examinar a complexidade da identidade, e redefinir o documentário como gênero”, disse o curador Kristen Gresh, que foi exposto pela primeira vez para este trabalho, enquanto que vivem no exterior para 15 anos, o ensino de história da fotografia em Paris, e no Cairo.Historicamente, o orientalismo refere – se a representações de artistas europeus ou americanos do Oriente, incluindo culturas do Oriente Médio, Norte-Africano e Oriental-muitas vezes apresentando o “Oriente” como culturalmente inferior. A história da fotografia na área consistiu em grande parte de imagens criadas por estranhos, variando de pirâmides e locais bíblicos sagrados a cenas de harém encenadas e dançarinas do ventre. Juntamente com mitos e contos tradicionais como a Rainha “Persa” Sheherazade e as mil e Uma Noites “Árabes”, os equívocos continuam a persistir até hoje. Esses estereótipos são destruídos com a série inovadora de Shirin Neshat Mulheres de Allah (1993-97). A série surgiu de uma visita que ela fez a sua nativo do irã 15 anos após a Revolução Iraniana (1979). À vista estão quatro retratos da série – Sem Título (1996), sem palavras (1996), Eu Sou Seu segredo (1993) e identificado (1995) – Cada um dos quais incorpora elementos do véu (ou hijab), arma, texto e olhar e quebra mitos orientalistas, mostrando as mulheres empoderadas diante da oposição. Entre as primeiras fotografias da exposição, elas são sobrepostas com roteiro persa de escritoras iranianas contemporâneas e evocam o papel que as mulheres desempenharam na Revolução Iraniana. A série marcou um ponto de viragem na história recente da representação e debates sobre o véu, inspirando a exploração por outros fotógrafos.

além de Neshat, outros tiveram impacto na história da representação visual e na percepção dos estereótipos orientalistas. No díptico Untitled I & II (1996), Jananne Al-Ani, nascida no Iraque, usa as mulheres de sua família (e ela mesma) para mostrar uma progressão no véu, do revelado ao totalmente velado e vice-versa. A instalação das impressões de grande formato tem o efeito de prender o espectador entre os olhares sem piscar das mulheres, usando o poder da lente para abordar mitos sobre a opressão das mulheres muçulmanas. Lalla Essaydi, nascida no Marrocos, ex-pintora e ex-aluna da Escola do Museu de Belas Artes de Boston (SMFA), usa a iconografia de pinturas orientalistas do século 19 como inspiração para explorar e questionar sua própria identidade cultural. No tríptico Bullets Revisited #3 (2012), o trabalho mais expansivo da exposição a 5 1/2 x 12 1/2 pés, e territórios convergentes #29 (2004), ela usa Caligrafia (uma forma de arte tipicamente masculina) para sugerir a complexidade dos papéis de gênero na cultura islâmica. Em Bullets Revisited #3, silver e Golden bullet casings evocam violência simbólica, referenciando seu medo sobre as crescentes restrições às mulheres em uma nova era pós-revolucionária que se seguiu a manifestações e protestos no mundo árabe que começaram em 2010.Como o trabalho de Neshat e Al-Ani da década de 1990, a icônica série Qajar (1998) do artista Iraniano Shadi Ghadirian foi um ponto de partida para muitos fotógrafos da época. Ghadirian, que atualmente mora em Teerã, tirou fotos que ilustravam questões de identidade e ser mulher no Irã. As nove gravuras em vista da série Qajar justapõem mulheres jovens em trajes tradicionais com objetos então proibidos, como caixas de som, instrumentos musicais e maquiagem, sugerindo tensão entre tradição e modernidade, restrição e liberdade, pública e privada. Também está incluída na exposição outra série, posteriormente Ghadirian, que apresenta justaposições-Nil, Nil( 2008), que traz à tona a experiência das mulheres em casa durante a guerra, invocando contos incalculáveis de perda e espera. A série inclui imagens de balas saindo de uma bolsa; uma granada em uma tigela de frutas; e um capacete militar pendurado na parede ao lado de um lenço de cabeça, trazendo à mente as complexidades de personas públicas masculinas e femininas e desejos privados.

Ghadirian início encenado retratos alicerce para que mais tarde fotógrafos para tratar da questão da identidade, incluindo Boushra Almutawakel, um nativo do Iêmen. A sua série Mãe, Filha, Boneca (2010) usa o véu para desafiar as tendências e o crescimento do extremismo religioso, que requer que as mulheres – e até mesmo jovens raparigas – para cobrir seus corpos em público. Os retratos encenados não denunciam o hijab, mas protestam contra as noções extremistas de cobrir corpos e a tendência para o preto. As nove impressões em exibição mostram sorrisos de mãe e filha desaparecem quando suas roupas coloridas desaparecem de uma imagem para a outra. A série termina com uma imagem de um pedestal vazio envolto em tecido preto como mãe, filha e boneca são completamente eliminados – uma declaração sobre apagar o indivíduo através do vestido. Almutawakel oferece uma perspectiva sensível sobre a vida pública e privada de mulheres jovens, assim como Rania Matar, nascida no Líbano, em sua série A Girl and Her Room (2009, 2010). Esses seis retratos de jovens do Oriente Médio capturam meninas em seus quartos, cercadas por seus pertences. Apesar de uma diversidade de cenários e assistentes, a série reflete as experiências universalmente compartilhadas de amadurecimento e as complexidades de ser uma jovem.A identidade é mais investigada no trabalho do fotojornalista Newsha Tavakolian, que atualmente mora em Teerã e cujas fotos recentes das eleições iranianas apareceram em publicações do New York Times para a revista Time. Depois de ter dificuldade em fotografar em público em 2009, ela recorreu à fotografia de Belas artes para abordar questões sociais. A exposição apresenta seis retratos, seis capas de CD imaginárias e um vídeo de seis telas de sua série Listen (2010), Todos retratando cantores profissionais que, como mulheres, são proibidos pelos princípios islâmicos de se apresentar em público ou gravar CDs em seu país natal, O Irã. Os cantores de Tavakolian não aparecem com microfones, embora cada um seja claramente capturado no meio da música. Sua paixão pelas histórias dessas mulheres a inspirou a criar as capas de CD imaginárias que representam o caráter de cada artista. O vídeo que acompanha mostra as mulheres falando emocionalmente palavras inéditas, sugerindo a ideia de silêncio imposto. Metáforas de música, voz e expressão, também são encontradas em outras obras em exibição, como na série Qajar, e em mistificado (1997) por Neshat.Tavakolian representa uma geração de fotógrafos Iranianos pós-revolucionários, enquanto Neshat representa uma geração de artistas nascidos antes da revolução, mas que deixaram o país. Neshat deixou seu país natal em 1974 para estudar arte nos Estados Unidos antes da agitação em 1979, e ela continua a se basear em sua herança cultural. Oito imagens de sua série Book Of Kings (2012) estarão em exibição na exposição. Esta série recente, traduzindo seu título do épico persa de 1.000 anos Shahnameh, marcou um retorno à fotografia em preto e branco e é composta por retratos de grupos de indivíduos que Neshat chama de massas, patriotas e vilões. Os números desta série representam os milhares que participaram de protestos, particularmente o movimento verde Iraniano (2009) e a Primavera Árabe (2011). As massas são representadas por tiros na cabeça de homens e mulheres árabes e iranianos cujos rostos são cobertos com caligrafia – exceto pelos olhos e boca. As imagens devem ser mostradas lado a lado para simular o poder das pessoas. Assim como ela fez em mulheres de Allah, Neshat persegue paradoxos do passado e do presente e poder e submissão; Livro dos Reis também demonstra seu desenvolvimento e evolução como artista.

além de abordar questões sociais e políticas, ela que conta uma história também apresenta um novo tipo de imaginação documental – artística trazida para experiências da vida real. Temas de guerra, ocupação, protesto e revolta, bem como preocupações sobre a fotografia como meio, Todos encontram um lugar neste novo gênero. Assim como Ghadirian’s Nil, Nil recontou histórias de guerra, o trabalho do Iraniano Gohar Dashti também aborda o assunto. Ambos os fotógrafos cresceram durante a Guerra Irã-Iraque (1980-88). A vida e a Guerra de hoje de Dashti (2008) é uma série de fotografias teatrais encenadas nas quais um casal persegue atividades comuns em um campo de batalha ficcional. Em Untitled # 5, eles se sentam como recém-casados na concha de um carro abandonado e em Untitled #7, no chão em uma mesa tradicional improvisada celebrando o ano novo persa, Nowruz. As quatro impressões restantes mostram o casal realizando rotinas diárias, mas interrompidas por símbolos de guerra – um tanque, cabeça de míssil, parede de sacos de areia. As imagens de Dashti são metáforas para a experiência da guerra e lembram suas próprias memórias de infância vivendo perto da fronteira Irã-Iraque.

alternativas aos documentários encenados de Dashti podem ser encontradas nas obras de Rana El Nemr Egípcio e Tanya Habjouqa Jordaniano, ambos capturando diretamente pessoas em ambientes urbanos. No metrô (2003), El Nemr dispara discretamente passageiros no carro designado para mulheres, sentadas ou em pé, profundamente pensadas. As imagens transmitem como a vida cotidiana anônima pode ser e como as pessoas interagem umas com as outras em espaços públicos. Mulheres de Gaza de Habjouqa (2009) registra a experiência de mulheres em Gaza, que, como todos os residentes do território ocupado, vivem com liberdade limitada. Tomadas ao longo de dois meses, as imagens celebram prazeres modestos, incluindo um piquenique na praia, um passeio de barco e uma aula de aeróbica. Habjouqa retrata suavemente o lado positivo da vida de seus súditos. Mulheres de Gaza é um exemplo de fotojornalismo em exibição.

outra área de exploração para fotógrafos do Oriente Médio é o próprio meio. Al-Ani, Rula Halawani e Nermine Hammam ultrapassam os limites da fotografia de novas maneiras. As obras de Al-Ani Aerial I E Shadow Sites II, um vídeo de canal único, retratam a paisagem jordaniana de um avião. O vídeo de quase nove minutos, feito exclusivamente a partir de fotografias que se dissolvem umas nas outras, combinam natureza, voo e Tecnologia. Halawani, um nativo da Palestina que atualmente reside em Jerusalém Oriental, aborda a experiência de destruição e deslocamento. Em incursões negativas (2002), uma série de fotos da invasão israelense da Cisjordânia em 2002, ela fotografa cenas de guerra e depois as amplia e imprime em sua forma negativa. Essa técnica obscurece as especificidades do tempo e do lugar, aumentando a intensidade dramática e resultando em imagens poderosas de tanques em ação, mães e famílias enlutadas nos escombros do rescaldo. Faixas de luz entre as ruínas são uma metáfora para a situação do Povo Palestino, enquanto grossas fronteiras Negras imitam a forma de uma tela de televisão para transmitir as críticas de Halawani à cobertura da mídia.Hammam’s Cairo Year One (2011-12), abordando a revolta de 18 dias no Egito (janeiro de 2011) e suas consequências, também experimentos com usos da fotografia. Consiste em 13 impressões em duas partes: Upekkha (referência ao conceito budista de equanimidade) e desdobramento (referência a telas Japonesas dobráveis). Em Upekkha, Hammam incorpora fotografias de soldados na Praça Tahrir em cenas pacíficas de paisagens de cartões postais de sua coleção pessoal, mostrando a vulnerabilidade dos jovens. Em contraste, a segunda parte da série, desdobrando-se, foi criada após o término da revolta, quando era difícil para ela fotografar. Nas duas gravuras, ela combina reproduções das telas Japonesas 17 e 18 com fotos de brutalidade policial.

comunicado de imprensa do Museu de Belas Artes, site de Boston

Nermine Hammam.