o filme de 1960 Breathless foi um marco na cultura moderna, não menos importante por sua impressionante trilha sonora de jazz do pianista-compositor franco-argelino Martial Solal. O filme foi dirigido por Jean-Luc Godard, que, em um aceno oblíquo para a forma como a nostalgia moldou a cultura pop, famosamente disse: “não é de onde você tira as coisas – é para onde você leva as coisas.Esse ditado se aplica ao mundo da música, onde a imitação e a inspiração muitas vezes foram os alicerces gêmeos de novos triunfos. Solal brincou que fazer a trilha sonora de Godard era apenas ” um show pago “enquanto ele tocava com o” Hollywood jazz ” tão popular na época. Na verdade, foi uma síntese adorável enquanto ele se baseava em musas passadas, como Django Reinhardt, Sidney Bechet e Bud Powell, para criar sua trilha sonora atmosférica.
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um processo de assimilação
o processo de assimilação é tão antigo quanto a música escrita. Compositores clássicos estudaram os antigos mestres literalmente copiando, parafraseando e imitando-os; alguns dos melhores da era barroca, de JS Bach e Handel, é uma reciclagem de antigos mestres. Nos tempos mais modernos, os Beatles copiaram e interpretaram as canções de bandas de sucesso enquanto aprendiam seu ofício e inventavam maneiras de compor sua própria música brilhante. Por sua vez, suas músicas foram duplicadas e canalizadas por outros músicos – às vezes como um exercício de nostalgia, outras vezes como uma forma de aprender songcraft da mesma forma que os Beatles.No ano em que Breathless foi lançado, John Coltrane – que, como Solal, também foi inspirado pelo gênio do saxofone soprano Bechet – fez uma de suas gravações seminais, uma versão de “minhas coisas favoritas.O saxofonista de jazz declarou abertamente que estava “muito interessado no passado” e sabia que a curiosidade inquieta o ajudaria a crescer como músico. Quando adolescente, Coltrane ficou impressionado com o disco de Coleman Hawkins de 1939 “Body and Soul”, considerado um dos primeiros tremores de bebop. Como filho de uma mãe pianista da igreja e pai violinista, Coltrane talvez tivesse apreciado a natureza mercúrio da fonte desta peça de jazz icônica. Hawkins foi inspirado por ouvir a melodia de um violinista Tzigane em uma boate húngara em Ostend em 1937.Mesmo os melhores improvisadores de jazz estudaram de perto as gravações de outros músicos de jazz-transcrevendo seus solos e às vezes ensaiando – os como composições-e Coltrane não era diferente. Ele disse: “Eu recebi uma cópia de ‘Body and Soul’ e ouvi muito bem o que ele estava fazendo.Como ele cresceu mais sério sobre sua música, Coltrane disse que “dedicou um pouco do meu tempo a estudos harmônicos por conta própria em bibliotecas.”O trabalho duro valeu a pena em outubro de 1960, quando Coltrane, de 34 anos, entrou no Atlantic Studios em Nova York para gravar seu álbum My Favorite Things.Coltrane levou Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II lilting waltz-que ficou famoso por Julie Andrews no som da música-mas, nenhum mero exercício de nostalgia, alterou significativamente sua progressão de acordes e ritmo, tornando a música sua própria peça virtuosa. “My Favorite Things” foi um sucesso, tornou-se uma parte regular de seu repertório de concertos e foi uma ponte para a aceitação pública do bebop. Outras reformulações do período incluem o clássico de Gershwins de 1930 “Embraceable You”, que recebeu reinterpretações separadas de bebop por Chet Baker, Clifford Brown e Ornette Coleman.
“os Beatles são tão importantes quanto os Gershwins”
outra melodia de Gershwin, “S’Wonderful” de 1927, do musical Funny Face, serviu originalmente como um veículo de palco para Fred Astaire. Embora possa ser uma música complicada para vocalistas – Frank Sinatra nadou voltas Debaixo d’água para obter a respiração certa para a entrega – é uma música que mostra como os músicos se apropriam e inovam usando música antiga. Assim, um swing jazz bater por Benny Goodman (em um quarteto que incluía Lionel Hampton e Teddy Wilson) tornou-se um bebop instrumental para Lennie Tristano e Lee Konitz, e, em 1976, foi reconstruída como uma bossa nova, música de João Gilberto.
a música continua a inspirar no século XXI. Os arranjos inovadores de Diana Krall em seu álbum Verve de 2001, The Look of Love, adicionado ao seu belo canto, deram a este clássico antigo um maravilhoso novo sopro de vida. Krall disse que, para ela, em termos de inspiração, “os Beatles são tão importantes quanto os Gershwins.”
os Beatles são evidências da verdade das falas do poeta TS Eliot: “poetas imaturos imitam; poetas maduros roubam; poetas maus desfiguram o que tomam, e bons poetas fazem isso em algo melhor, ou pelo menos algo diferente.”Os Beatles são talvez a banda pop mais inspiradora de todos os tempos e eles pegaram todas as suas influências e fizeram algo diferente – e muitas vezes melhor. Mesmo quando começaram, este não era um caso de nostalgia levando-os a simplesmente imitar as pessoas que admiravam. Como John Lennon disse: “não foi um roubo,foi um amor.”As grandes inspirações para os jovens Beatles foram do rock’n’roll americano, especialmente Elvis Presley, Carl Perkins e Chuck Berry. Mas junto com esses pesos pesados de parada de sucesso, eles também reconheceram uma dívida com a banda Tamla The Marvelettes. Os Beatles – e mais tarde Carpenters-gravaram sua música ” Please Mr. Postman.”
Antes de se tornarem famosos, Os Beatles colocar seu próprio selo em uma loucos anos 20 hit chamado “Ain’t She Sweet”, que foi popularizada por Eddie Cantor e, mais tarde, por Gene Vincent. Lennon disse que quando gravaram a música, em junho de 1961, eles queriam que soasse mais como “uma marcha” do que a versão mais suave de Vincent, que havia sido um sucesso para a Capitol Records. Lennon disse a amigos que ele havia sido mais tomado por uma versão de um cantor de blues de Londres pouco conhecido chamado Duffy Power. Embora a música seja menor em comparação com o impressionante catálogo de sucessos que se seguiram, ilustra como os Beatles foram capazes de extrair de várias fontes desde o início. Paul McCartney disse: “músicas como’ Ain’t She Sweet ‘ eram nosso material de cabaré noturno. Eles mostraram que não éramos apenas mais um grupo de rock’n’Roll.”
aventuras únicas no som
a inspiração vem de uma miríade de lugares. McCartney viu Fahrenheit 451 de François Truffaut no cinema alguns dias antes de “Eleanor Rigby” ser gravado. Ele foi atropelado pela partitura de Bernard Herrmann e uso de cordas. As cordas de “Eleanor Rigby” DEVEM uma enorme dívida à trilha sonora. Como McCartney disse em 1966, o ano em que o disco foi feito, “Eu não acho que nunca tentamos estabelecer tendências. Tentamos seguir em frente e fazer algo diferente.”
Os Beatles iriam inspirar uma revolução musical com inovadora álbuns como o experimental Sgt pepper’s Lonely Hearts Club Band. Essa aventura única em som, composição, tecnologia de estúdio e até arte de capa teve um impacto imediato quando foi lançada em 1º de junho de 1967. Dentro de três dias depois do seu lançamento, The Jimi Hendrix Experience abriu um show no Saville Theatre, em Londres, com uma versão da faixa-título
Os Beatles ainda são considerados como uma das referências na música. Quando Kendrick Lamar lançou para Pimp a Butterfly através da Interscope Records em 2015, ele disse que queria que seu trabalho “fosse falado da mesma forma que Bob Dylan ou os Beatles ou Jimi Hendrix são falados. Apropriadamente, sua mistura de jazz e hip-hop de ponta, e seu significado cultural, pode reivindicar ser a pimenta Sgt de sua década.
ao contrário de Lennon e McCartney, as ambições musicais de Mick Jagger não foram diretamente acesas por Elvis Presley. A devoção à música de Jagger-e outros membros dos Rolling Stones Keith Richards, Bill Wyman, Charlie Watts e Brian Jones – era tão autêntica quanto a dos Beatles, mas foi tirada de poços diferentes. Como os Beatles, os Stones também eram fãs do maestro Chuck Berry Da Chess Records, mas olhavam mais diretamente para as estrelas do blues da gravadora, como Muddy Waters, Howlin’ Wolf e Buddy Guy.
os Stones também reverenciavam cantores de soul como Otis Redding e Solomon Burke, e trouxeram para a equação músicas tão diversas quanto as canções de Protesto de Bob Dylan e o pop de Buddy Holly. No entanto, embora sua música tenha sido indiscutivelmente infundida com mais nostalgia do que suas contrapartes Liverpudlianas, os Stones combinaram tudo de uma maneira que os ajudou a reescrever o livro de regras do rock’n’Roll. Eles começaram essa jornada, curiosamente, com um primeiro hit Britânico (em 1963) que foi um cover de “I Wanna Be Your Man” de Lennon e McCartney, escrito enquanto Jagger e Richards estavam na mesma sala que McCartney.
mas foi o blues que realmente disparou suas almas. Jagger tinha uma habilidade inteligente de personalizar certos detalhes da maneira como os cantores de blues expressavam seus vocais, enquanto Richards e Wyman pegavam muitos de seus ganchos de guitarra e solos de fontes negras e faziam algo poderoso. Eles até pegaram o nome da banda de uma música de Muddy Waters.
os Stones cresceram rapidamente como músicos e ajudaram a transformar a música popular com singles de sucesso como ” Satisfaction.”Na época de seu quarto álbum, Aftermath (1966), a banda era sua própria força criativa. Como Jagger disse mais tarde: “esse foi um grande recorde para mim. É a primeira vez que escrevemos todo o disco e finalmente colocamos de lado o fantasma de ter que fazer essas músicas muito legais e interessantes, sem dúvida, mas ainda covers de músicas antigas de R&B.”
Apesar de ainda desenho sobre suas influências, mas sacudir o espírito de nostalgia, álbuns que se seguiram, como o Exile On Main St e Sticky Fingers, foram extremamente influentes – enquanto “Sympathy For The Devil” só ajudou a inspirar faixas de bandas, incluindo Primal Scream, O Jesus & Mary Chain e The Charlatans.
A “reminiscência ” bump”
Uma das grandes coisas sobre a inspiração musical é que não necessariamente desaparecer, tanto para os fãs de música ou as estrelas que criar a música. Os sons que amamos quando adolescentes ou descobrimos pela primeira vez são importantes para o nosso senso de identidade e permanecem para sempre importantes (os psicólogos chamam essa inclinação para a nostalgia de “colisão de reminiscência”). O álbum indicado ao Grammy dos Rolling Stones de 2016, Blue Lonesome, é uma canção de amor ao blues, com covers de músicas que eles amavam quando jovens de Little Walter e Howlin’ Wolf.Quando superstars modernos falam sobre os músicos que inspiraram sua própria música, muitos ainda mencionam os Beatles e os Rolling Stones. No entanto, a gama de estímulos criativos é extensa. Para Alicia Keys era Nina Simone (“ela me ensinou sobre sentimento, paixão”); para Niall Horan do One Direction era a vibração do rock dos anos 80 (“eu sou um grande fã de Eagles”); para Fergie era Led Zeppelin e Guns N’ Roses. O “maior herói” de Ben Howard foi o cantor folk John Martyn.
Quando Pharrell Williams, foi questionado por Oprah Winfrey, uma lista de alguns dos especiais influências para o som do “Feliz” – o best-seller único de 2010 – entre as influências que ele citou foram “eu Faço” por Stevie Wonder e “setembro” por Terra, Vento & Fogo.
as mulheres do passado inspiraram as jovens estrelas dos últimos tempos. Para Lana Del Ray foi Joan Baez e Julie London (“eu amo suas vozes e o que eles representavam”); para Lorde era Etta James (“ela era tão boa em colher seu sofrimento”); para Ariana Grande Era Judy Garland, por causa dos vídeos que sua mãe a mostrou durante toda a infância; para Solange era Minnie Riperton. Amy Winehouse amava Ella Fitzgerald e disse: “Aprendi a cantar com Dinah Washington.”
a regra de 20 anos
também é verdade que muitos aspectos do negócio da música são cíclicos e gostos e tendências têm o hábito de voltar. Existe até um conceito chamado “a regra dos 20 anos”, cujos defensores argumentam que uma tendência musical específica, ou mesmo uma moda de roupas, entrará e sairá de popularidade aproximadamente a cada duas décadas, cada vez que pedala uma nova onda de nostalgia por aqueles que a viveram pela primeira vez.Isso certamente era verdade nos anos 70 e 80, quando a América e partes da Europa se afogaram em nostalgia com o abraço do conceito “oldies”. Isso foi encapsulado pelo filme de sucesso de George Lucas, American Graffiti, de 1973. A trilha sonora, repleta de sucessos dos anos 50 e 60 de artistas como Chuck Berry, Booker T e The MGs e The Beach Boys, tornou-se um dos 10 melhores álbuns e serviu de modelo para a primeira onda de estações de rádio nostálgicas.
jaquetas de couro e saias de poodle de repente abundavam na moda popular e os baby boomers sentimentais chafurdando na nostalgia dobraram programas de TV como Happy Days e filmes como Grease. O gosto pela música antiga até levou a uma explosão de bandas cover dos anos 50, incluindo Sha-Na-Na.
O mesmo de “re-executar fenômenos” era evidente nos anos 80, quando o new wave e o cabelo de metal manias revisitada música dos anos 60 e filmes como The Big Chill usado canções icónicas dos gostos de Smokey Robinson. Houve também um aumento na comercialização de bandas como The Doors, enquanto a versão dos Beatles de “Twist And Shout” chegou às paradas novamente após uma aparição no Day Off de Ferris Bueller. O processo continua. Três décadas depois dos anos 80, “Beat It” de Michael Jackson foi atualizado por Fall Out Boy.
os últimos anos viram um retrocesso dos anos 90, que incluiu celebrações do Nevermind do Nirvana, e o retorno de inúmeras bandas dos anos 90, incluindo Spice Girls, Backstreet Boys e Blink-182. Como Frank Zappa brincou, ” não é necessário imaginar o mundo terminando em fogo ou gelo. Existem duas outras possibilidades: uma é papelada e a outra é nostalgia.”
a primeira era pós-moderna da música
embora os anos 70 tenham sido um boom de nostalgia, também foi indiscutivelmente a primeira era verdadeiramente pós-moderna na música popular. Músicos como David Bowie e Roxy Music mergulharam no passado do rock em busca de inspiração, mas também reconfiguraram a música popular em algo novo. Bowie, a estrela pop da era espacial, foi um pioneiro das tendências musicais e da moda pop. Seu álbum The Man Who Sold the World, lançado em 1970, estava cheio de composições ousadas e sons temperamentais de hard-rock.Cauteloso com a nostalgia, Bowie, no entanto, se apropriou – e influenciou – glam rock, soul, disco, new wave, punk rock e alta costura, e permaneceu um inovador inquieto até seu último álbum, ★ (pronuncia-se “Blackstar”), lançado pouco antes de sua morte em janeiro de 2016.Ao mesmo tempo em que Bowie estava começando a fazer ondas criativas, Brian Eno, da Roxy Music, disse que estava enfrentando a escolha de seguir arte ou música como carreira. Tendo visto Lou Reed e o Velvet Underground emergirem, ele percebeu que ” você poderia montar os dois de alguma forma. Eno, junto com Bryan Ferry, formou a Roxy Music em 1971, e eles compartilharam uma qualidade de decadência com o flamboyantly androgynous Bowie. Roxy ganhou aceitação imediata no Reino Unido com seu primeiro hit “Virginia Plain.”Mesmo sem Eno, que saiu em 1973, seu produto Pop liso ainda era extremamente influente.
o guitarrista Phil Manzanera disse que o início dos anos 70 estava cheio de músicos monótonos e vestindo jeans antes do surgimento de Bowie e Roxy. “De repente, houve cor e exotismo e o espírito do rock’n’Roll novamente”, disse ele. “Nós apoiamos Bowie no Greyhound em Croydon em junho de 1972: Bowie em seu equipamento completo Ziggy Stardust e nós em todos os nossos trajes, atuando para apenas 150 pessoas neste pequeno quarto no andar de cima.”
toda a nova cena romântica-bandas como Visage, Duran Duran, Spandau Ballet e Culture Club – tomou suas pistas de Bowie, Roxy Music e Marc Bolan. Bowie tinha uma atitude farpada em relação aos imitadores, no entanto. A canção de 1980 “Teenage Wildlife”, supostamente destinada à estrela de new wave Gary Numan, inclui a letra: “Same old thing / in brand new drag.”
reinvenção Musical
Bowie também é um excelente exemplo de um músico que se reinventou com sucesso. Bob Dylan fez o mesmo musicalmente-desde seus primeiros dias como um Woody Guthrie-estilo folk cantor e compositor para tocar folk elétrico com a banda e, em seguida, realizando Rock Cristão. Outras metamorfoses no pop, usando a moda para mudar de forma, incluiriam Madonna, Prince, Lady Gaga e Taylor Swift.
os músicos também se reinventaram em termos de escolhas musicais aventureiras. Willie Nelson abordou música country, jazz e reggae durante sua longa carreira. Tanto quanto qualquer grande músico moderno, Nelson sabe o valor de desenhar a partir de sons e estilos passados. Um tema primordial de seu supergrupo americano The Highwaymen – que contou com Johnny Cash, Waylon Jennings e Kris Kristofferson-é um clima de reflexão e uma sensação de perda. A Lenda do país sabe como se mover com os tempos durante uma série de parcerias ecléticas, mostradas em sua colaboração com o rapper Snoop Dogg, em músicas como “Roll Me Up.”
O nascimento do hip-hop
Hip-hop teve origem em a, principalmente, os afro-Americanos do Sul do Bronx área de Nova York nos anos 70. Tudo começou quando o DJ Kool Hercos (conhecido como o pai do breakbeat) começou a isolar e a repetição de quebra – mais dançante partes de músicas – e ajudou a lançar um novo estilo de música. Com artistas como Afrika Bambaataa e Grandmaster Flash, o hip-hop se incorporou como parte do mainstream em 1979. Durante a década seguinte, ganhou seguidores globais.
havia antecedentes – indo de volta para o scat e vocalese de Louis Armstrong e a poesia canções de Gil Scott-Heron, mas nos anos 80, o hip-hop tornou-se um dos mais criativos e movimentos musicais da era moderna, com grupos como NWA (com cubos de Gelo), o Inimigo Público, Salt-N-Pimenta, EPMD, e Beastie Boys. Outros grandes rappers seguiram nos anos 90, incluindo LL Cool J, 2pac, Biggie Smalls e Wu-Tang Clan. O Hip-hop é talvez a forma mais dominante de música hoje, com músicos como Jay Z, Drake, Chance The Rapper e Kendrick Lamar vendendo milhões em todo o mundo.
estrelas do Rap agora também ganham aclamação da crítica mainstream por seu trabalho. No Grammy de 2018, Lamar ganhou cinco troféus, conquistando os prêmios de Melhor Performance de Rap/cantada, Melhor Performance cantada, Melhor Música De Rap, Melhor Álbum de Rap e Melhor Videoclipe.
mesmo algo tão inovador quanto o hip-hop, no entanto, se entrega à nostalgia. O saxofonista Terrace Martin, que produziu Lamar e Snoop Dogg, disse: “comecei a produzir faixas de hip-hop porque era a música do meu tempo, mas nunca perdi meu amor pelo jazz. Terrace, um grande fã da Verve Records e grandes nomes da Blue Note, como Sonny Stitt e Jackie McLean, disse que Lamar, como Coltrane antes dele, está sempre estudando e pensando em música.
o Hip-hop não é a única música que evoluiu e se redefiniu nas últimas três décadas. A música Country viu uma explosão em alt.artistas country, como Steve Earle e Lucinda Williams, e estrelas americanas modernas como Ryan Adams, que ajudaram a mudar a percepção do que é a música country moderna, abrindo caminho para talentos do século 21, como Kacey Musgraves.
alternando gêneros dentro das músicas
nos anos 90, quando as bandas às vezes mudavam sua abordagem de álbum para álbum, estrelas como Beck estavam até misturando gêneros dentro das músicas.Beck ganhou um Grammy de Melhor Álbum Alternativo por seu disco de 1996, Odelay. O produtor Mike Simpson disse que uma faixa em particular, “Hotwax”, foi” um trabalho de amor ” que levou seis meses para ser concluída.
na música, Beck raps sobre uma guitarra country. Ele trouxe todos os tipos de equipamentos, como walkie-talkies que comprou em lojas de caridade, para jogar no topo. A faixa, com diferentes tempos e uma variedade vertiginosa de efeitos, mostra por que ele foi saudado como um homem que “capturou o zeitgeist” durante essa década. Não é surpresa que suas influências musicais sejam variadas, com um caldeirão de Mississippi John Hurt, Big Bill Broonzy, Sonic Youth, The Velvet Underground e Grandmaster Flash desempenhando um papel em seu próprio borrão magistral de limites.
polinização cruzada no século 21
à medida que nos dirigimos para a terceira década do século 21, gêneros e estilos estão mudando o tempo todo. Nos últimos anos, Rihanna cobriu Tame Impala e Miley Cyrus colaborou com os lábios flamejantes. O termo “mundo da música pós-gênero” foi anexado à cena musical moderna.A polinização cruzada da música continuará em ritmo acelerado, à medida que o streaming, o YouTube e os aplicativos móveis prosperam na nova era digital, mudando a maneira como os músicos fazem música e a maneira como os fãs a consomem. Para criar uma música verdadeiramente boa, um artista ainda precisará de bases sólidas e inspirações de uma variedade de fontes. As superestrelas globais de maior sucesso reconhecem isso. Chance The Rapper elogiou a influência do cantor gospel Kirk Franklin; Ed Sheeran elogiou a influência da cantora folclórica irlandesa Cara Dillon e sua “voz sublime.”Bem como inspiração do passado, novas e prementes questões sociais despertam nova energia criativa e produção de músicos. O tema da violência armada, um tema que dominou o debate na América no início de 2018, está no coração do álbum Terence Blanchard, ao vivo, gravado com sua banda e-Collective. Blanchard disse que se reuniram porque queriam ” tocar música para inspirar os jovens.”
a Música será tanto continuar a evoluir e continuar a abraçar nostalgia. O futuro, mas o passado vai estar lá para ser extraído. Como John Coltrane disse Pessimista em setembro de 1960: “eu encontrei você tem que olhar para as coisas antigas e vê-los em uma nova luz.”
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