film 1960 Breathless byl mezníkem v moderní kultuře, v neposlední řadě pro svůj ohromující jazzový soundtrack francouzsko-alžírského klavíristy a skladatele Martiala Solala. Film režíroval Jean-Luc Godard, SZO, šikmo kývl na způsob, jakým nostalgie formovala popkulturu, skvěle řekl, „není to místo, odkud berete věci.“ – je to místo, kam berete věci.“
tento výrok se vztahuje na svět hudby, kde imitace a inspirace byly často dvojčetem nových triumfů. Solal žertoval, že tvorba Godardova soundtracku byla jen „placeným koncertem“, když si hrál s“ hollywoodským jazzem “ tak populárním v té době. Ve skutečnosti to byla krásná syntéza, když čerpal z minulých múz, jako je Django Reinhardt, Sidney Bechet a Bud Powell, aby vytvořil svůj Atmosférický soundtrack.
během čtení si poslechněte náš seznam skladeb Nostalgia zde.
proces asimilace
proces asimilace je stejně starý jako psaná Hudba. Klasičtí skladatelé studovali staré mistry doslovným kopírováním, parafrázovat, a napodobovat je; některé z nejlepších barokní éry, JS Bach a Handel, je recyklace starých mistrů. V modernější době Beatles kopírovali a interpretovali písně úspěšných kapel, zatímco se naučili své řemeslo a vynalezli způsoby skládání vlastní brilantní hudby. Na oplátku, jejich písně byly duplikovány a směrovány jinými hudebníky-někdy jako cvičení v nostalgii, jindy jako způsob učení songcraft stejným způsobem jako Beatles.
v roce, kdy byl vydán Breathless, John Coltrane – který se stejně jako Solal inspiroval také sopránovým saxofonovým géniem Bechetem – natočil jednu ze svých klíčových nahrávek, verzi “ My Favorite Things.“
jazzový saxofonista otevřeně prohlásil, že se „velmi zajímá o minulost“ a věděl, že neklidná zvědavost mu pomůže růst jako hudebník. Jako teenager byl Coltrane ohromen deskou Colemana Hawkinse „Body And Soul“ z roku 1939, považovanou za jeden z prvních otřesů bebopu. Jako syn matky církevního pianisty a otce houslisty, Coltrane by možná ocenil quicksilver povahu zdroje tohoto ikonického jazzového díla. Hawkins byl inspirován slyšením melodie houslisty Tzigane v maďarském nočním klubu v Ostende v roce 1937.
i ti nejlepší jazzoví improvizátoři pečlivě studovali nahrávky jiných jazzových hudebníků-přepisovali jejich sóla a někdy je zkoušeli jako skladby – a Coltrane se nelišil. Řekl: „dostal jsem kopii“ těla a duše “ a opravdu jsem poslouchal, co dělá.“
jak se o své hudbě začal vážněji zajímat, Coltrane řekl ,že “ věnoval docela dost času harmonickým studiím sám v knihovnách.“Tvrdá práce se vyplatila v říjnu 1960, když 34letý Coltrane odešel do Atlantic Studios v New Yorku, aby nahrál své album My Favorite Things.
Coltrane vzal Richard Rodgers a Oscar Hammerstein II lilting valčík-proslavil Julie Andrews ve zvuku hudby-ale, ne pouhé cvičení v nostalgii, výrazně změnil jeho akord progrese a tempo, dělat píseň jeho vlastní virtuózní kus. „My Favorite Things“ byl hit, stal se pravidelnou součástí jeho koncertního repertoáru a byl mostem k veřejnému přijetí bebopu. Mezi další přepracování z tohoto období patří gershwinsova klasika „Embraceable You“ z roku 1930, která dostala samostatné bebopovy reinterpretace Chet Baker, Clifford Brown a Ornette Coleman.
„Beatles jsou stejně důležité jako Gershwins“
další gershwinova melodie, 1927 “ S ‚wonderful“ z muzikálu Funny Face, původně sloužila jako jevištní vozidlo pro Freda Astaira. I když to může být složitá píseň pro zpěváky – Frank Sinatra plaval kola pod vodou, aby si dýchal správně pro doručení – je to píseň, která ukazuje, jak hudebníci vhodní a inovují pomocí staré hudby. Tak swingový jazzový hit pro Bennyho Goodmana (v kvartetu, který zahrnoval Lionel Hampton a Teddy Wilson) se stal bebopovým instrumentálem pro Lennie Tristano a Lee Konitz, a v roce 1976 byl přepracován jako bossa nova melodie João Gilberto.
píseň pokračuje v inspiraci v 21. století. Inovativní aranžmá Diany Krallové na jejím albu Verve z roku 2001 The Look Of Love, přidané k jejímu jemnému zpěvu, dodalo této staré klasice nádherný nový život. Krall to řekl, pro ni, pokud jde o inspiraci, “ Beatles jsou stejně důležití jako Gershwins.“.“
Beatles jsou důkazem pravdy linií básníka TS Eliota, “ nezralí básníci napodobují; zralí básníci kradou; špatní básníci poškozují to, co berou, a dobří básníci z toho dělají něco lepšího, nebo alespoň něco jiného.“Beatles jsou možná nejinspirativnější popovou kapelou všech dob a vzali všechny své vlivy a udělali něco jiného – a často lepšího. I když začali, nebyl to případ nostalgie, která by je vedla k pouhému napodobování lidí, které obdivovali. Jak řekl John Lennon: „nebylo to rip-off, byla to láska.“.“
velké inspirace pro mladé Beatles byly z amerického rock ‚ n ‚ rollu, zejména Elvis Presley, Carl Perkins a Chuck Berry. Ale spolu s těmito hitparádami heavyweights, uznali také dluh vůči Tamla band The Marvelettes. Beatles – a později tesaři-nahráli svou píseň “ Please Mr. pošťák.“
než se stali slavnými, Beatles dali své vlastní razítko na řvoucí hitovou píseň 20. let s názvem „Ain‘ t She Sweet, “ který popularizoval Eddie Cantor a, později, Gene Vincent. Lennon řekl, že když nahrávali melodii v červnu 1961, chtěli, aby to znělo spíše jako „pochod“ než Vincentova měkčí verze, která byla hitem pro Capitol Records. Lennon řekl přátelům, že ho více zaujala verze od málo známého londýnského bluesového zpěváka jménem Duffy Power. Ačkoli je píseň menší ve srovnání s ohromujícím katalogem hitů, které následovaly, ilustruje to, jak Beatles dokázali od začátku čerpat z různých zdrojů. Paul McCartney řekl: „písně jako“ Ain ‚t She Sweet“ byly naším kabaretním materiálem pozdě v noci. Ukázali, že nejsme jen další rock ‚ n ‚ rollová skupina.“
unikátní dobrodružství ve zvuku
inspirace pochází z nesčetných míst. McCartney viděl v kině Fahrenheit 451 Françoise Truffauta několik dní předtím, než byla nahrána“ Eleanor Rigby“. Trefil se Bernard Herrmann a využil struny. Struny na „Eleanor Rigby“ dluží soundtracku obrovský dluh. Jak řekl McCartney v roce 1966, v roce, kdy byla deska vyrobena,“ nemyslím si, že bychom se někdy snažili vytvářet trendy. Snažíme se jít dál a dělat něco jiného.“
Beatles by pokračovali v inspiraci hudební revoluce průkopnickými Alby, jako je experimentální skupina Sgt Pepper ‚ s Lonely Hearts Club. Toto jedinečné dobrodružství v oblasti zvuku, psaní písní, studiové technologie a dokonce i obalového umění mělo okamžitý dopad, když bylo zahájeno 1. června 1967. Během tří dnů od jeho vydání, Jimi Hendrix Experience zahájila show v Saville Theatre v Londýně s ztvárněním titulní skladby
Beatles jsou stále považovány za jeden z měřítek v hudbě. Když Kendrick Lamar vydal Pimp a Butterfly prostřednictvím Interscope Records v roce 2015, řekl, že chce, aby se o jeho práci “ mluvilo stejně, jako se mluví o Bobu Dylanovi nebo Beatles nebo Jimi Hendrixovi.“Vhodně, jeho mix jazzu a špičkového hip-hopu a jeho kulturní význam mohou tvrdit, že jsou Sgt pepřem svého desetiletí.
Super-nabíjení blues
na rozdíl od Lennona a McCartneyho nebyly hudební ambice Micka Jaggera přímo zapáleny Elvisem Presleym. Oddanost hudbě Jaggera – a kolegů členů Rolling Stones Keitha Richardse, Bill Wyman, Charlie Watts, a Brian Jones – byla stejně autentická jako oddanost Beatles, ale byl čerpán z různých studní. Stejně jako Beatles, Stones byli také fanoušci šachových desek maestro Chuck Berry, ale více se dívali přímo na bluesové hvězdy labelu, jako je Muddy Waters, Howlin ‚ Wolf, a Buddy Guy.
Stones také uctívali soulové zpěváky jako Otis Redding a Solomon Burke a přinesli do rovnice hudbu tak rozmanitou jako protestní písně Boba Dylana a pop Buddyho Hollyho. Zatímco jejich hudba byla pravděpodobně naplněna více nostalgií než jejich protějšky Liverpudlian, Stones vše spojili dohromady způsobem, který jim pomohl přepsat pravidla pro rock ‚ n ‚ roll. Tuto cestu začali zajímavě prvním britským hitem (v roce 1963), který byl obálkou Lennonova a McCartneyho „I Wanna Be Your Man“, napsaného, zatímco Jagger a Richards byli ve stejné místnosti jako McCartney.
ale bylo to blues, které opravdu vystřelilo jejich duše. Jagger měl chytrou schopnost přizpůsobit určité podrobnosti o tom, jak bluesoví zpěváci formulovali své vokály, zatímco Richards a Wyman vzali mnoho svých kytarových háčků a sól z černých zdrojů a vytvořili něco vlastního. Dokonce si vzali jméno kapely z písně Muddy Waters.
The Stones rychle rostli jako hudebníci a pomohli transformovat populární hudbu hitovými singly jako “ Satisfaction.“V době jejich čtvrtého alba Aftermath (1966) byla kapela vlastní tvůrčí silou. Jak později řekl Jagger: „to byl pro mě velký mezník. Je to poprvé, co jsme napsali celou desku a konečně položili k odpočinku ducha, že musíme dělat tyto velmi pěkné a zajímavé, bezpochyby, ale stále cover verze starých písní R&B.“
i když stále čerpají ze svých vlivů, ale setřásají ducha nostalgie, alba, která následovala, jako Exile On Main St a Sticky Fingers, byly nesmírně vlivné – zatímco“ Sympathy for the Devil “ sám pomohl inspirovat pruhy kapel, včetně Primal Scream, Ježíš & Mary Chain a The Charlatans.
„reminiscence bump“
jednou z velkých věcí na hudební inspiraci je to, že nemusí nutně vyblednout, a to ani pro hudební fanoušky, ani pro hvězdy, které hudbu vytvářejí. Zvuky, které jsme milovali jako teenageři nebo které jsme objevili poprvé, jsou důležité pro náš smysl pro identitu a zůstávají navždy důležité (psychologové nazývají tento sklon k nostalgii „reminiscence bump“). Album Rolling Stones nominované na Grammy z roku 2016, Blue & Lonesome, je milostná píseň k blues, s obaly písní, které milovali jako mladí Little Walter a Howlin ‚ Wolf.
když moderní superhvězdy mluví o hudebnících, kteří inspirovali svou vlastní hudbu, mnozí stále zmiňují Beatles a Rolling Stones. Rozsah tvůrčích podnětů je však rozsáhlý. Pro Alicia Keys to byla Nina Simone („naučila mě o pocitu, vášni“); pro Nialla Horana z One Direction to byla rocková atmosféra 80. let („jsem fanoušek massive Eagles“); pro Fergie to byly Led Zeppelin a Guns N ‚ Roses. „Největším hrdinou“ Bena Howarda byl folkový zpěvák John Martyn.
když byl Pharrell Williams požádán Oprah Winfrey, aby uvedl některé ze zvláštních vlivů na zvuk „Happy“ – nejprodávanějšího singlu roku 2010-mezi vlivy, které citoval, byly“ Do I Do „od Stevie Wondera a „září“ od země, vítr & oheň.
ženy z dávných dob inspirovaly mladé hvězdy nedávné doby. Pro lanu Del Ray to byly Joan Baez a Julie London („miluji jejich hlasy a to, za co stáli“); pro Lorde to byla Etta James („byla tak dobrá při sklizni svého utrpení“); pro Arianu Grande to byla Judy Garlandová, kvůli videím, které jí její matka ukázala během dětství; pro Solange to byla Minnie Ripertonová. Amy Winehouse milovala Ellu Fitzgeraldovou a řekla: „naučil jsem se zpívat od Dinah Washington.“.“
20leté pravidlo
je také pravda, že mnoho aspektů hudebního průmyslu je cyklických a chutě a trendy mají zvyk znovu se vracet. Existuje dokonce koncept nazvaný“ pravidlo 20 let“, jehož zastánci tvrdí, že určitý hudební trend, nebo dokonce móda oblečení, přijde a odejde z popularity zhruba každé dvě desetiletí, pokaždé na kole nová vlna nostalgie pro ty,kteří to prožili poprvé.
to jistě platilo v 70. a 80. letech, kdy se Amerika a části Evropy válely nostalgií svým přijetím konceptu“ oldies“. To bylo zapouzdřeno hudebně těžkým hitem George Lucase z roku 1973 American Graffiti. Soundtrack, nabitý hity z 50. a 60. let umělci jako Chuck Berry, Booker T A MGs, a Beach Boys, se stal top 10 album a sloužil jako šablona pro první vlnu nostalgie rozhlasových stanic.
kožené bundy a pudlové sukně najednou oplývaly populární módou a sentimentální baby boomers, kteří se v nostalgii utápěli v televizních pořadech, jako jsou Happy Days a filmy jako Grease. Chuť na starou hudbu dokonce vedla k explozi 50. let cover kapel, včetně Sha-Na-Na.
stejné „re-run jevy“ byl patrný v 80. letech, kdy new wave a hair metal crazes přehodnotil hudbu 60. let – a filmy jako The Big Chill používaly ikonické písně od Smokey Robinson. Došlo také k nárůstu prodejnosti kapel, jako jsou The Doors, zatímco Beatlesova verze „Twist And Shout“ zasáhla grafy znovu po vystoupení v den volna Ferrise Buellera. Proces pokračuje. Tři desetiletí od 80. let, Michael Jackson „Beat It“ byl aktualizován Fall Out Boy.
v posledních několika letech došlo k přetočení 90. let, které zahrnovalo oslavy Nirvany Nevermind, a návrat mnoha kapel 90. let, včetně Spice Girls, Backstreet Boys a Blink-182. Jak vtipkoval Frank Zappa, “ není nutné si představovat, že svět končí ohněm nebo ledem.“. Existují dvě další možnosti: jedna je papírování a druhá nostalgie.“
první postmoderní éra hudby
ačkoli 70. léta byla dobou rozmachu nostalgie, byla to pravděpodobně také první skutečně postmoderní éra v populární hudbě. Hudebníci jako David Bowie a Roxy Music se ponořili do rockové minulosti pro inspiraci, ale také překonfigurovali populární hudbu do něčeho nového. Bowie, vesmírná popová hvězda, byl průkopníkem hudebních trendů a popové módy. Jeho album The Man Who Sold the World, vydané v roce 1970, bylo plné odvážného psaní písní a náladových, hard-rockových zvuků.
na pozoru před nostalgií, Bowie nicméně přivlastnil – a ovlivnil-glam rock, soul, disco, new wave, punk rock, a haute couture, a zůstal neklidný inovátor až do svého posledního alba, ★ (prohlásil „Blackstar“), vydané těsně před jeho smrtí v lednu 2016.
ve stejné době, kdy Bowie začínal vytvářet kreativní vlny, Brian Eno z Roxy Music řekl, že stojí před volbou o pokračování umění nebo hudby jako kariéry. Poté, co viděl Lou Reed a Velvet Underground vynoří, uvědomil si, “ dalo by se obkročmo dva nějak.“Eno spolu s Bryanem Ferrym založili Roxy Music v roce 1971 a sdíleli kvalitu dekadence s okázale androgynním Bowiem. Roxy získala okamžité přijetí ve Velké Británii svým prvním hitem “ Virginia Plain.“I bez Eno, který odešel v roce 1973, byl jejich úhledný, popový produkt stále nesmírně vlivný.
kytarista Phil Manzanera řekl, že na počátku 70. let byly plné fádní, džínové nošení hudebníků před vznikem Bowie a Roxy. „Najednou tu byla barva, exotika a zase duch rock‘ n ‚rollu,“ řekl. „Podporovali jsme Bowieho v Greyhound v Croydonu v červnu 1972: Bowie v jeho plné výbavě Ziggy Stardust a my ve všech našich regálech, vystupující pouze 150 lidem v této malé místnosti nahoře.“
celá nová romantická scéna – kapely jako Visage, Duran Duran, Spandau Ballet a Culture Club – převzaly své podněty od Bowieho, Roxy Music A marca Bolana. Bowie měl vůči imitátorům ostnatý postoj, nicméně. Píseň „Teenage Wildlife“ z roku 1980, údajně zaměřená na hvězdu nové vlny Garyho Numana, obsahuje text: „Same old thing/in brand new drag.“
hudební znovuobjevení
Bowie je také ukázkovým příkladem hudebníka, který se úspěšně objevil. Bob Dylan udělal totéž hudebně – od svých počátků jako folkový písničkář ve stylu Woody Guthrie až po hraní elektrického folku s kapelou a poté předvádění křesťanského rocku. Další metamorfózy v popu, pomocí módy k posunu tvaru, by zahrnovaly Madonnu, princ, Lady Gaga, a Taylor Swift.
hudebníci se také znovu objevili, pokud jde o dobrodružné hudební volby. Willie Nelson se během své dlouhé kariéry zabýval country hudbou, jazzem a reggae. Stejně jako každý skvělý moderní hudebník, Nelson zná hodnotu kreslení z minulých zvuků a stylů. Jedním z hlavních témat jeho Americké supergroup The Highwaymen-který představoval Johnny Cash, Waylon Jennings, a Kris Kristofferson – je nálada reflexe a pocit ztráty. Country legenda věděla, jak se pohybovat s dobou během řady eklektických partnerství, ukázáno ve spolupráci s rapperem Snoop Doggem, na písních jako “ Roll Me Up.“
zrod hip-hopu
Hip-hop vznikl v převážně afroamerické oblasti jižního Bronxu v New Yorku v 70. letech. začalo to, když DJ Kool Herc (známý jako otec breakbeatu) začal izolovat a opakovat přestávky-nejtancovanější části písní – a pomohl zahájit nový styl hudby. S umělci jako Afrika Bambaataa a Grandmaster Flash se hip-hop začlenil do hlavního proudu do roku 1979. Během následujícího desetiletí, získala globální pokračování.
byli předchůdci – vracející se k scat a vocalese Louise Armstronga a básnickým písním Gil Scott-Heron – ale v 80. letech se hip-hop stal jedním z nejkreativnějších a hudebních hnutí moderní doby, se skupinami jako NWA (s Ice Cube), Public Enemy, Salt-N-Pepper, EPMD a Beastie Boys. V 90. letech následovali další skvělí rappeři, včetně LL Cool J, 2pac, Biggie Smalls a Wu-Tang Clan. Hip-hop je dnes možná nejdominantnější formou hudby, s hudebníky jako Jay Z, Kačer, Chance Rapper, a Kendrick Lamar prodává miliony po celém světě.
rapové hvězdy nyní také získávají hlavní kritiku za svou práci. Na Grammy 2018 získal Lamar pět trofejí a získal ocenění za nejlepší rapový / zpívaný výkon, Nejlepší zpívaný výkon, Nejlepší rapovou píseň, Nejlepší rapové Album a nejlepší hudební Video.
i něco tak špičkového, jako je hip-hop, se však oddává nostalgii. Saxofonista Terrace Martin, který produkoval Lamara i Snoop Dogga, řekl: „začal jsem produkovat hip-hopové skladby, protože to byla hudba mé doby ,ale nikdy jsem neztratil lásku k jazzu.“Terrace, masivní fanoušek Verve Records a Blue Note velikáni jako Sonny Stitt a Jackie McLean, řekl, že Lamar, stejně jako Coltrane před ním, vždy studuje a přemýšlí o hudbě.
Hip-hop není jediná hudba, která se v posledních třech desetiletích vyvinula a předefinovala. Country Hudba viděla výbuch v alt.country akty, jako Steve Earle a Lucinda Williams, a moderní americké hvězdy, jako je Ryan Adams, kteří pomohli změnit vnímání toho, co je moderní country hudba, dláždí cestu talentům 21.století, jako je Kacey Musgraves.
přepínání žánrů v písních
v 90. letech, kdy kapely někdy změnily svůj přístup z alba na album, hvězdy jako Beck dokonce spojovaly žánry v písních.
Beck získal Grammy za nejlepší alternativní Album za svou desku Odelay z roku 1996. Producent Mike Simpson řekl jednu konkrétní skladbu, „Hotwax,“ byla „práce lásky“, která trvala šest měsíců.
v písni Beck rapuje nad country kytarou. Přinesl všechny druhy vybavení, jako jsou vysílačky, které si koupil v charitativních obchodech, hrát na vrcholu. Skladba, představovat různá tempa a závratnou řadu efektů, ukazuje, proč byl oslavován jako muž, který „zachytil zeitgeistu“ během tohoto desetiletí. Není divu, že jeho hudební vlivy jsou rozmanité, s tavícím kotlem Mississippi John Hurt, Big Bill Broonzy, Sonic Youth, Velvet Underground, a velmistr Flash hraje roli v jeho vlastním mistrovském rozmazání hranic.
křížové opylení v 21. století
jak směřujeme ke třetí dekádě 21. století, žánry a styly se neustále mění. V posledních letech, Rihanna pokryla Tame Impala a Miley Cyrus spolupracovala s Flaming Lips. Termín „post-žánrový hudební svět“ byl dokonce spojen s moderní hudební scénou.
křížové opylení hudby bude pokračovat apace, protože streamování, YouTube a mobilní aplikace se daří v novém digitálním věku, mění způsob, jakým hudebníci dělají hudbu a způsob, jakým ji fanoušci konzumují. K vytvoření skutečně dobré hudby bude umělec stále potřebovat pevné základy a inspirace z různých zdrojů. Nejúspěšnější globální superhvězdy to uznávají. Chance Rapper chválil vliv zpěváka evangelia Kirka Franklina; Ed Sheeran oslavoval vliv irské lidové zpěvačky Cary Dillonové a jejího „vznešeného hlasu“.“
stejně jako inspirace z minulosti, nové a naléhavé sociální problémy jiskří čerstvou tvůrčí energií a výstupem hudebníků. Téma násilí na zbraních, téma, které dominovalo debatě v Americe na začátku roku 2018, je jádrem Alba Terence Blanchard, live, nahraného se svou kapelou E-Collective. Blanchard řekl, že se dali dohromady, protože chtěli “ hrát hudbu, aby inspirovali mladé lidi.“
hudba se bude i nadále vyvíjet a nadále přijímat nostalgii. Budoucnost čeká, ale minulost tam bude, aby se těžila. Jak řekl John Coltrane DownBeat v září 1960: „zjistil jsem, že se musíte podívat zpět na staré věci a vidět je v novém světle.“
Poslechněte si seznam skladeb uDiscover Nostalgia zde.