Der Film Breathless aus dem Jahr 1960 war ein Meilenstein in der modernen Kultur, nicht zuletzt wegen seines atemberaubenden Jazz-Soundtracks des französisch-algerischen Pianisten und Komponisten Martial Solal. Regie führte Jean-Luc Godard, der in einer schrägen Anspielung auf die Art und Weise, wie Nostalgie die Popkultur geprägt hat, berühmt sagte: „Es ist nicht der Ort, von dem aus man Dinge nimmt – es ist der Ort, an den man Dinge bringt.“
Dieses Sprichwort gilt für die Welt der Musik, in der Nachahmung und Inspiration oft die beiden Grundlagen neuer Triumphe waren. Solal scherzte, dass Godards Soundtrack nur „ein bezahlter Auftritt“ sei, als er mit dem damals so beliebten „Hollywood Jazz“ herumspielte. Tatsächlich war es eine schöne Synthese, als er auf vergangene Musen wie Django Reinhardt, Sidney Bechet und Bud Powell zurückgriff, um seinen atmosphärischen Soundtrack zu kreieren.
Während Sie lesen, hören Sie sich hier unsere Nostalgie-Playlist an.
Ein Prozess der Assimilation
Der Prozess der Assimilation ist so alt wie die geschriebene Musik. Klassische Komponisten studierten die alten Meister, indem sie sie buchstäblich kopierten, paraphrasierten und imitierten; Einige der besten der Barockzeit, von JS Bach und Händel, sind ein Recycling alter Meister. In moderneren Zeiten kopierten und interpretierten die Beatles die Songs erfolgreicher Bands, während sie ihr Handwerk lernten und Wege erfanden, ihre eigene brillante Musik zu komponieren. Im Gegenzug wurden ihre Songs von anderen Musikern dupliziert und kanalisiert – manchmal als Übung in Nostalgie, manchmal als eine Möglichkeit, Songcraft auf die gleiche Weise wie die Beatles zu lernen.
Im Jahr der Veröffentlichung von Breathless machte John Coltrane – der wie Solal auch vom Sopransaxophon–Genie Bechet inspiriert wurde – eine seiner wegweisenden Aufnahmen, eine Version von „My Favorite Things.“
Der Jazzsaxophonist erklärte offen, dass er „sehr an der Vergangenheit interessiert“ sei und wusste, dass unruhige Neugier ihm helfen würde, als Musiker zu wachsen. Als Teenager war Coltrane von Coleman Hawkins ‚1939er Platte „Body And Soul“ beeindruckt, die als eines der ersten Zittern des Bebop galt. Als Sohn einer Kirchenpianistinmutter und eines Geigervaters hätte Coltrane vielleicht die Quecksilbernatur der Quelle dieses legendären Jazzstücks geschätzt. Hawkins war inspiriert worden, als er 1937 in einem ungarischen Nachtclub in Ostende die Melodie eines Tzigane-Geigers hörte.
Selbst die besten Jazz-Improvisatoren studierten die Aufnahmen anderer Jazzmusiker genau – transkribierten ihre Soli und probten sie manchmal wie Kompositionen – und Coltrane war nicht anders. Er sagte: „Ich habe eine Kopie von’Body And Soul’bekommen und sehr genau zugehört, was er tat.“
Als er ernster mit seiner Musik wurde, sagte Coltrane, dass er „ziemlich viel meiner Zeit dem harmonischen Studium in Bibliotheken widmete.“ Die harte Arbeit zahlte sich im Oktober 1960 aus, als der 34-jährige Coltrane in die Atlantic Studios in New York ging, um sein Album My Favorite Things aufzunehmen.
Coltrane nahm Richard Rodgers und Oscar Hammerstein II’s lilting Waltz – berühmt geworden durch Julie Andrews in The Sound Of Music – aber, keine bloße Übung in Nostalgie, deutlich verändert seine Akkordfolge und Tempo, so dass das Lied sein eigenes virtuoses Stück. „My Favorite Things“ war ein Hit, wurde ein fester Bestandteil seines Konzertrepertoires und war eine Brücke zur öffentlichen Akzeptanz von Bebop. Weitere Überarbeitungen aus dieser Zeit sind der Gershwins-Klassiker „Embraceable You“ von 1930, der von Chet Baker, Clifford Brown und Ornette Coleman separat neu interpretiert wurde.
“ Die Beatles sind so wichtig wie die Gershwins“
Eine weitere Gershwin-Melodie, „S’Wonderful“ von 1927 aus dem Musical Funny Face, diente ursprünglich als Bühnenfahrzeug für Fred Astaire. Obwohl es für Sänger ein kniffliges Lied sein kann – Frank Sinatra schwamm unter Wasser, um für die Lieferung richtig zu atmen –, ist es ein Lied, das zeigt, wie Musiker mit alter Musik angemessen und innovativ sind. So wurde ein Swing-Jazz-Hit für Benny Goodman (in einem Quartett, zu dem Lionel Hampton und Teddy Wilson gehörten) zu einem Bebop-Instrumental für Lennie Tristano und Lee Konitz und wurde 1976 von João Gilberto als Bossa Nova-Melodie neu gefasst.
Das Lied inspiriert auch im 21. Diana Kralls innovative Arrangements auf ihrem Verve-Album The Look Of Love aus dem Jahr 2001, ergänzt um ihren feinen Gesang, gaben diesem alten Klassiker ein wunderbares neues Leben. Krall sagte, dass für sie in Bezug auf Inspiration „Die Beatles genauso wichtig sind wie die Gershwins.“
Die Beatles sind ein Beweis für die Wahrheit der Zeilen des Dichters TS Eliot: „Unreife Dichter imitieren; reife Dichter stehlen; Schlechte Dichter verunstalten, was sie nehmen, und gute Dichter machen daraus etwas Besseres oder zumindest etwas anderes.“ Die Beatles sind vielleicht die inspirierendste Popband aller Zeiten und sie haben all ihre Einflüsse genommen und etwas anderes gemacht – und oft besser. Selbst als sie anfingen, war dies kein Fall von Nostalgie, der sie dazu brachte, nur Menschen nachzuahmen, die sie bewunderten. Wie John Lennon sagte: „Es war keine Abzocke, es war eine Liebe.“
Die großen Inspirationen für die jungen Beatles stammten vom amerikanischen Rock’n’Roll, insbesondere von Elvis Presley, Carl Perkins und Chuck Berry. Aber zusammen mit diesen Hitparaden-Schwergewichten, Sie erkannten auch eine Schuld gegenüber der Tamla-Band The Marvelettes an. Die Beatles – und später Carpenters – nahmen ihren Song „Please Mr. Postman.“
Bevor sie berühmt wurden, drückten die Beatles einem brüllenden Hit der 20er Jahre namens „Ain’t She Sweet“ ihren eigenen Stempel auf, der von Eddie Cantor und später von Gene Vincent populär gemacht wurde. Lennon sagte, als sie die Melodie im Juni 1961 aufnahmen, wollten sie, dass sie eher wie „ein Marsch“ klingt als wie Vincents weichere Version, die ein Hit für Capitol Records gewesen war. Lennon erzählte Freunden, dass er eher von einer Version eines wenig bekannten Londoner Blues-Sängers namens Duffy Power angetan war. Obwohl das Lied im Vergleich zu dem atemberaubenden Hitkatalog, der folgte, geringfügig ist, Es zeigt, wie die Beatles von Anfang an aus verschiedenen Quellen schöpfen konnten. Paul McCartney sagte: „Songs wie’Ain’t She Sweet‘ waren unser Late-Night-Kabarett-Material. Sie zeigten, dass wir nicht nur eine weitere Rock’n’Roll-Gruppe waren.“
Einzigartige Klangabenteuer
Inspiration kommt von unzähligen Orten. McCartney sah François Truffauts Fahrenheit 451 einige Tage vor der Aufnahme von „Eleanor Rigby“ im Kino. Er wurde von Bernard Herrmanns Partitur und Verwendung von Streichern überwältigt. Die Streicher auf „Eleanor Rigby“ verdanken dem Soundtrack eine große Schuld. Wie McCartney 1966, dem Jahr der Aufnahme, sagte: „Ich glaube nicht, dass wir jemals versuchen, Trends zu etablieren. Wir versuchen weiterzumachen und etwas anderes zu machen.“
Die Beatles inspirierten eine musikalische Revolution mit bahnbrechenden Alben wie der experimentellen Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Dieses einzigartige Abenteuer in Bezug auf Sound, Songwriting, Studiotechnologie und sogar Cover-Art hatte unmittelbare Auswirkungen, als es am 1. Juni 1967 ins Leben gerufen wurde. Innerhalb von drei Tagen nach seiner Veröffentlichung eröffnete die Jimi Hendrix Experience eine Show im Saville Theatre in London mit einer Wiedergabe des Titeltracks
Die Beatles gelten immer noch als einer der Maßstäbe in der Musik. Als Kendrick Lamar 2015 To Pimp A Butterfly über Interscope Records veröffentlichte, sagte er, dass er wollte, dass über seine Arbeit „genauso gesprochen wird wie über Bob Dylan, die Beatles oder Jimi Hendrix“.“ Passenderweise kann seine Mischung aus Jazz und modernem Hip-Hop und seine kulturelle Bedeutung behaupten, der Sgt Pepper seines Jahrzehnts zu sein.
Super-charging the blues
Im Gegensatz zu Lennon und McCartney wurden Mick Jaggers musikalische Ambitionen nicht direkt von Elvis Presley entfacht. Die Hingabe an die Musik von Jagger – und anderen Rolling Stones-Mitgliedern Keith Richards, Bill Wyman, Charlie Watts und Brian Jones – war so authentisch wie die der Beatles, wurde aber aus verschiedenen Quellen gezogen. Wie die Beatles waren auch die Stones Fans von Chess Records Maestro Chuck Berry, sahen aber direkter zu den Blues-Stars des Labels wie Muddy Waters, Howlin ‚Wolf und Buddy Guy.
Die Stones verehrten auch Soulsänger wie Otis Redding und Solomon Burke und brachten Musik in die Gleichung, die so vielfältig war wie die Protestlieder von Bob Dylan und der Pop von Buddy Holly. Doch während ihre Musik wohl mit mehr Nostalgie durchdrungen war als ihre liverpudlischen Kollegen, Die Stones haben alles auf eine Weise miteinander verzahnt, die ihnen geholfen hat, das Regelwerk für Rock’n’Roll neu zu schreiben. Sie begannen diese Reise interessanterweise mit einem ersten britischen Hit (1963), der ein Cover von Lennon und McCartneys „I Wanna Be Your Man“ war, das geschrieben wurde, während Jagger und Richards im selben Raum wie McCartney waren.
Aber es war der Blues, der ihre Seelen wirklich befeuert hat. Jagger hatte eine clevere Fähigkeit, bestimmte Details der Art und Weise anzupassen, wie Blues-Sänger ihren Gesang formulierten, während Richards und Wyman viele ihrer Gitarrenhaken und Soli aus schwarzen Quellen nahmen und etwas Eigenes machten. Sie nahmen sogar den Namen der Band von einem Muddy Waters Song.
Die Stones wuchsen schnell als Musiker und halfen, populäre Musik mit Hit-Singles wie „Satisfaction.“ Zum Zeitpunkt ihres vierten Albums Aftermath (1966) war die Band ihre eigene kreative Kraft. Wie Jagger später sagte: „Das war ein großer Meilenstein für mich. Es ist das erste Mal, dass wir die ganze Platte geschrieben haben und endlich den Geist, diese sehr schönen und interessanten, ohne Zweifel, aber immer noch Coverversionen alter R & B-Songs machen zu müssen, zur Ruhe gebracht haben.“
Obwohl sie sich immer noch auf ihre Einflüsse stützten, aber den Geist der Nostalgie abschüttelten, waren die folgenden Alben wie Exile On Main St und Sticky Fingers enorm einflussreich – während „Sympathy For The Devil“ allein dazu beitrug, Bands wie Primal Scream, The Jesus & Mary Chain und The Charlatans zu inspirieren.
Die „Reminiszenz-Beule“
Eines der großartigen Dinge an musikalischer Inspiration ist, dass sie nicht unbedingt verblasst, weder für Musikfans noch für die Stars, die die Musik kreieren. Die Klänge, die wir als Teenager geliebt oder zum ersten Mal entdeckt haben, sind wichtig für unser Identitätsgefühl und bleiben für immer wichtig (Psychologen nennen diese Neigung zur Nostalgie den „Reminiszenzstoß“). Das Grammy-nominierte Album der Rolling Stones von 2016, Blue & Lonesome, ist ein Liebeslied an den Blues, mit Covers von Songs, die sie als Jugendliche von Little Walter und Howlin’Wolf geliebt haben.
Wenn moderne Superstars über die Musiker sprechen, die ihre eigene Musik inspiriert haben, erwähnen viele immer noch die Beatles und die Rolling Stones. Das Spektrum kreativer Impulse ist jedoch umfangreich. Für Alicia Keys war es Nina Simone („She teached me about feeling, passion“); für Niall Horan von One Direction war es der Rock-Vibe der 80er Jahre („I’m a massive Eagles fan“); Für Fergie waren es Led Zeppelin und Guns N’Roses. Ben Howards „größter Held“ war der Folksänger John Martyn.
Als Pharrell Williams von Oprah Winfrey gebeten wurde, einige der besonderen Einflüsse für den Sound von „Happy“ – der meistverkauften Single der 2010er Jahre – aufzulisten, zitierte er unter anderem „Do I Do“ von Stevie Wonder und „September“ von Earth, Wind & Fire.
Die Frauen von gestern haben die jungen Stars der letzten Zeit inspiriert. Für Lana Del Ray waren es Joan Baez und Julie London („Ich liebe ihre Stimmen und wofür sie standen“); für Lorde war es Etta James („Sie war so gut darin, ihr Leiden zu ernten“); Für Ariana Grande war es Judy Garland, wegen der Videos, die ihre Mutter ihr während ihrer Kindheit zeigte; Für Solange war es Minnie Riperton. Amy Winehouse liebte Ella Fitzgerald und sagte: „Ich habe von Dinah Washington singen gelernt.“
Die 20-Jahres-Regel
Es ist auch wahr, dass viele Aspekte des Musikgeschäfts zyklisch sind und Geschmäcker und Trends die Angewohnheit haben, wieder zu kommen. Es gibt sogar ein Konzept namens „die 20-Jahres-Regel“, dessen Befürworter argumentieren, dass ein bestimmter Musiktrend oder sogar eine Kleidungsmode ungefähr alle zwei Jahrzehnte an Popularität gewinnen und wieder verschwinden wird, jedes Mal mit einer neuen Welle von Nostalgie für diejenigen, die es das erste Mal gelebt haben.
Dies war sicherlich in den 70er und 80er Jahren der Fall, als Amerika und Teile Europas mit ihrer Umarmung des „Oldies“ -Konzepts in Nostalgie schwelgten. Dies wurde durch George Lucas ‚musiklastigen 1973-Hit American Graffiti gekapselt. Der Soundtrack, vollgepackt mit Hits aus den 50er und 60er Jahren von Künstlern wie Chuck Berry, Booker T And The MGs und den Beach Boys, wurde zu einem Top-10-Album und diente als Vorlage für die erste Welle von Nostalgie-Radiosendern.
Lederjacken und Pudelröcke waren plötzlich in populärer Mode im Überfluss vorhanden, und sentimentale Babyboomer, die sich in Nostalgie wälzten, umhüllten TV-Shows wie Happy Days und Filme wie Grease. Der Geschmack für alte Musik führte sogar zu einer Explosion von Coverbands der 50er Jahre, darunter Sha-Na-Na.
Die gleichen „Re-Run-Phänomene“ waren in den 80er Jahren offensichtlich, als die New Wave– und Hair Metal-Crazes die Musik der 60er Jahre wieder aufgriffen – und Filme wie The Big Chill ikonische Songs von Smokey Robinson verwendeten. Es gab auch einen Anstieg der Marktfähigkeit von Bands wie The Doors, während die Beatles-Version von „Twist And Shout“ nach einem Auftritt in Ferris Buellers Day Off erneut in die Charts kam. Der Prozess geht weiter. Drei Jahrzehnte nach den 80ern wurde Michael Jacksons „Beat It“ von Fall Out Boy aktualisiert.
In den letzten Jahren gab es einen Rücklauf der 90er Jahre, der Feiern von Nirvanas Nevermind und die Rückkehr zahlreicher 90er-Bands wie Spice Girls, Backstreet Boys und Blink-182 beinhaltete. Wie Frank Zappa scherzte: „Man muss sich nicht vorstellen, dass die Welt in Feuer oder Eis endet. Es gibt zwei andere Möglichkeiten: Eine ist Papierkram und die andere ist Nostalgie.“
Die erste postmoderne Ära der Musik
Obwohl die 70er Jahre eine Boomzeit für Nostalgie waren, war es wohl auch die erste wirklich postmoderne Ära in der Popmusik. Musiker wie David Bowie und Roxy Music tauchten zur Inspiration in die Vergangenheit des Rocks ein, konfigurierten aber auch die Popmusik zu etwas Neuem. Bowie, der Popstar des Weltraumzeitalters, war ein Wegbereiter musikalischer Trends und Popmode. Sein 1970 veröffentlichtes Album The Man Who Sold The World war voller gewagter Songwritings und launischer Hardrock-Sounds.
Bowie war der Nostalgie gegenüber misstrauisch und eignete sich dennoch Glam Rock, Soul, Disco, New Wave, Punkrock und Haute Couture an – und beeinflusste sie – und blieb bis zu seinem letzten Album ein rastloser Innovator ★ (ausgesprochen „Blackstar“), das kurz vor seinem Tod im Januar 2016 veröffentlicht wurde.
Zur gleichen Zeit, als Bowie anfing, kreative Wellen zu schlagen, sagte Brian Eno von Roxy Music, dass er vor der Wahl stehe, Kunst oder Musik als Karriere zu verfolgen. Nachdem er Lou Reed und The Velvet Underground gesehen hatte, wurde ihm klar: „Man könnte die beiden irgendwie überspannen.“ Eno gründete zusammen mit Bryan Ferry 1971 Roxy Music, und sie teilten eine Qualität der Dekadenz mit dem extravagant androgynen Bowie. Roxy gewann sofortige Akzeptanz in Großbritannien mit ihrem ersten Hit „Virginia Plain.“ Auch ohne Eno, der 1973 ging, war ihr glattes Pop-Produkt immer noch enorm einflussreich.
Gitarrist Phil Manzanera sagte, dass die frühen 70er Jahre vor dem Aufkommen von Bowie und Roxy voller trister, Denim tragender Musiker waren. „Plötzlich gab es wieder Farbe und Exotik und den Geist des Rock’n’Roll“, sagte er. „Wir haben Bowie im Greyhound in Croydon im Juni 1972 unterstützt: Bowie in seiner vollen Ziggy Stardust-Ausrüstung und wir in all unseren Insignien, vor nur 150 Leuten in diesem kleinen Raum im Obergeschoss.“
Die gesamte New Romantic–Szene – Bands wie Visage, Duran Duran, Spandau Ballet und Culture Club – orientierten sich an Bowie, Roxy Music und Marc Bolan. Bowie hatte jedoch eine widerspenstige Haltung gegenüber Nachahmern. Der Song „Teenage Wildlife“ von 1980, der sich angeblich an den New Wave-Star Gary Numan richtet, enthält den Text: „Same old thing / In brand new drag.“
Musikalische Neuerfindung
Bowie ist auch ein Paradebeispiel für einen Musiker, der sich erfolgreich neu erfunden hat. Bob Dylan hat musikalisch dasselbe getan – von seinen frühen Tagen als Folk-Singer-Songwriter im Woody Guthrie-Stil über Electric Folk mit der Band bis hin zu christlichem Rock. Andere Metamorphosen im Pop, die Mode nutzen, um sich zu verändern, wären Madonna, Prince, Lady Gaga und Taylor Swift.
Musiker haben sich auch in Bezug auf abenteuerliche musikalische Entscheidungen neu erfunden. Willie Nelson hat sich in seiner langen Karriere mit Country-Musik, Jazz und Reggae auseinandergesetzt. Wie jeder große moderne Musiker weiß Nelson, wie wichtig es ist, aus vergangenen Klängen und Stilen zu schöpfen. Ein übergeordnetes Thema seiner amerikanischen Supergroup The Highwaymen – mit Johnny Cash, Waylon Jennings und Kris Kristofferson – ist eine Stimmung der Reflexion und ein Gefühl des Verlustes. Die Country-Legende hat es verstanden, während einer Reihe eklektischer Partnerschaften mit der Zeit zu gehen, gezeigt in seiner Zusammenarbeit mit Rapper Snoop Dogg, auf Songs wie „Roll Me Up.“
Die Geburt des Hip-Hop
Hip-Hop entstand in den 70er Jahren in der hauptsächlich afroamerikanischen South Bronx in New York. Es begann, als DJ Kool Herc (bekannt als der Vater des Breakbeats) begann, Breaks – die tanzbarsten Teile von Songs – zu isolieren und zu wiederholen und einen neuen Musikstil auf den Weg zu bringen. Mit Künstlern wie Afrika Bambaataa und Grandmaster Flash, Hip-Hop eingebettet sich als Teil des Mainstreams von 1979. Während des folgenden Jahrzehnts gewann es eine globale Anhängerschaft.
Es gab Vorläufer – zurück zum Scat und Vocalese von Louis Armstrong und den Gedichtliedern von Gil Scott-Heron – aber in den 80er Jahren wurde Hip-Hop mit Gruppen wie NWA (mit Eiswürfel), Public Enemy, Salt-N-Pepper, EPMD und Beastie Boys zu einer der kreativsten und musikalischsten Bewegungen der Neuzeit. Andere große Rapper folgten in den 90er Jahren, darunter LL Cool J, 2pac, Biggie Smalls und Wu-Tang Clan. Hip-Hop ist heute vielleicht die dominanteste Form der Musik, mit Musikern wie Jay Z, Drake, Chance the Rapper und Kendrick Lamar, die Millionen auf der ganzen Welt verkaufen.
Rap-Stars verdienen jetzt auch Mainstream-Kritikerlob für ihre Arbeit. Bei den Grammys 2018 gewann Lamar fünf Trophäen und gewann die Auszeichnungen für die beste Rap / Sung-Performance, die beste Sung-Performance, den besten Rap-Song, das beste Rap-Album und das beste Musikvideo.
Selbst etwas so Innovatives wie Hip-Hop schwelgt jedoch in Nostalgie. Der Saxophonist Terrace Martin, der sowohl Lamar als auch Snoop Dogg produziert hat, sagte: „Ich habe angefangen, Hip-Hop-Tracks zu produzieren, weil es die Musik meiner Zeit war, aber ich habe nie meine Liebe zum Jazz verloren.“ Terrace, ein großer Fan von Verve Records und Blue Note-Größen wie Sonny Stitt und Jackie McLean, sagte, dass Lamar, wie Coltrane vor ihm, immer Musik studiert und darüber nachdenkt.
Hip-Hop ist nicht die einzige Musik, die sich in den letzten drei Jahrzehnten weiterentwickelt und neu definiert hat. Country-Musik sah eine Explosion in alt.country-Acts wie Steve Earle und Lucinda Williams und moderne Americana-Stars wie Ryan Adams, die dazu beigetragen haben, die Wahrnehmung der modernen Country-Musik zu verändern und den Weg für Talente des 21.Jahrhunderts wie Kacey Musgraves zu ebnen.
Genres innerhalb von Songs wechseln
In den 90er Jahren, als Bands manchmal ihren Ansatz von Album zu Album änderten, mischten Stars wie Beck sogar Genres innerhalb von Songs zusammen.
Beck gewann einen Grammy für das beste alternative Album für sein 1996er Album Odelay. Produzent Mike Simpson sagte, ein bestimmter Track, „Hotwax“, sei „eine Liebesarbeit“, deren Fertigstellung sechs Monate dauerte.
In dem Song rappt Beck über eine Country-Gitarre. Er brachte alle Arten von Ausrüstung mit, wie Walkie-Talkies, die er in Wohltätigkeitsgeschäften gekauft hatte, um oben zu spielen. Der Track mit verschiedenen Tempi und einer schwindelerregenden Reihe von Effekten zeigt, warum er in diesem Jahrzehnt als Mann gefeiert wurde, der „den Zeitgeist eingefangen“ hat. Es ist keine Überraschung, dass seine musikalischen Einflüsse vielfältig sind, wobei ein Schmelztiegel aus Mississippi John Hurt, Big Bill Broonzy, Sonic Youth, The Velvet Underground und Grandmaster Flash eine Rolle bei seinem eigenen meisterhaften Verwischen von Grenzen spielt.
Fremdbestäubung im 21.Jahrhundert
Auf dem Weg in das dritte Jahrzehnt des 21.Jahrhunderts verschieben sich Genres und Stile ständig. In den letzten Jahren hat Rihanna über Tame Impala berichtet und Miley Cyrus hat mit den Flaming Lips zusammengearbeitet. Der Begriff „Post-Genre-Musikwelt“ wurde sogar an die moderne Musikszene angehängt.
Die gegenseitige Bestäubung von Musik wird weiter voranschreiten, da Streaming, YouTube und mobile Apps im neuen digitalen Zeitalter florieren und die Art und Weise, wie Musiker Musik machen, und die Art und Weise, wie Fans sie konsumieren, verändern. Um wirklich gute Musik zu kreieren, braucht ein Performer immer noch solide Grundlagen und Inspirationen aus einer Vielzahl von Quellen. Die erfolgreichsten globalen Superstars erkennen dies an. Chance Der Rapper hat den Einfluss des Gospelsängers Kirk Franklin gelobt; Ed Sheeran hat den Einfluss der irischen Folksängerin Cara Dillon und ihre „erhabene Stimme“ gefeiert.“
Neben der Inspiration aus der Vergangenheit entfachen neue und drängende gesellschaftliche Themen frische kreative Energie und Output von Musikern. Das Thema Waffengewalt, ein Thema, das Anfang 2018 die Debatte in Amerika dominierte, steht im Mittelpunkt des Albums von Terence Blanchard, Live, aufgenommen mit seiner Band E-Collective. Blanchard sagte, sie hätten sich zusammengetan, weil sie „Musik spielen wollten, um junge Leute zu inspirieren.“
Musik wird sich sowohl weiterentwickeln als auch Nostalgie annehmen. Die Zukunft wartet, aber die Vergangenheit wird da sein, um abgebaut zu werden. Wie John Coltrane im September 1960 zu DownBeat sagte: „Ich habe festgestellt, dass man auf die alten Dinge zurückblicken und sie in einem neuen Licht sehen muss.“
Hören Sie sich hier die uDiscover Nostalgia Playlist an.