film z 1960 roku Breathless był punktem zwrotnym we współczesnej kulturze, między innymi ze względu na oszałamiającą jazzową ścieżkę dźwiękową francusko-algierskiego pianisty i kompozytora Martiala Solala. Film wyreżyserował Jean-Luc Godard, który ukośnym ukłonem w stronę sposobu, w jaki nostalgia ukształtowała popkulturę, powiedział: „to nie jest miejsce, z którego zabierasz rzeczy – to miejsce, do którego zabierasz rzeczy.”
to dyktando odnosi się do świata muzyki, gdzie naśladownictwo i inspiracja były często podwójnym łóżkiem nowych triumfów. Solal żartował, że stworzenie ścieżki dźwiękowej Godarda było po prostu „płatnym koncertem”, ponieważ grał z tak popularnym wówczas „Hollywood jazz”. W rzeczywistości była to piękna synteza, gdy czerpał z dawnych muz, takich jak Django Reinhardt, Sidney Bechet i Bud Powell, aby stworzyć swoją klimatyczną ścieżkę dźwiękową.
podczas czytania posłuchaj naszej listy odtwarzania Nostalgia tutaj.
proces asymilacji
proces asymilacji jest tak stary jak muzyka pisana. Kompozytorzy klasyczni studiowali starych mistrzów, dosłownie kopiując, parafrazując i naśladując ich; jedne z najlepszych baroku, JS Bacha i Händla, są recyklingiem starych mistrzów. W bardziej nowoczesnych czasach Beatlesi kopiowali i interpretowali piosenki udanych zespołów, podczas gdy oni uczyli się ich rzemiosła i wymyślali sposoby komponowania własnej genialnej muzyki. Z kolei ich utwory były powielane i przekazywane przez innych muzyków-czasami jako ćwiczenie nostalgii, innym razem jako sposób nauki śpiewu w ten sam sposób, w jaki uczyli się Beatlesi.
w roku wydania płyty „Breathless” John Coltrane – który, podobnie jak Solal, był również zainspirowany geniuszem saksofonu sopranowego Bechetem – dokonał jednego ze swoich przełomowych nagrań, wersji ” My Favorite Things.”
saksofonista jazzowy otwarcie oświadczył, że jest „bardzo zainteresowany przeszłością” i wiedział, że niespokojna ciekawość pomoże mu rozwinąć się jako muzyk. Jako nastolatek Coltrane był zachwycony nagraniem Colemana Hawkinsa z 1939 roku „Body And Soul”, uważanym za jeden z pierwszych wstrząsów bebopu. Jako syn matki kościelnej pianistki i ojciec skrzypka, Coltrane zapewne doceniłby quicksilverową naturę źródła tego kultowego utworu jazzowego. Hawkins zainspirował się słuchaniem melodii skrzypka Tzigane w węgierskim klubie nocnym w Ostendzie w 1937 roku.
nawet najlepsi improwizatorzy jazzowi uważnie studiowali nagrania innych muzyków jazzowych – przepisując ich solówki, a czasem ćwicząc je jak kompozycje – a Coltrane nie był inny. Powiedział: „dostałem kopię’ Body And Soul ’ i bardzo uważnie słuchałem tego, co robił.”
gdy zaczął poważnie traktować swoją muzykę, Coltrane powiedział, że ” poświęcił sporo mojego czasu na samodzielne studia harmoniczne w bibliotekach.”Ciężka praca opłaciła się w październiku 1960 roku, kiedy 34-letni Coltrane udał się do Atlantic Studios w Nowym Jorku, aby nagrać swój album My Favorite Things.
Coltrane wziął na warsztat walca lilting Richarda Rodgersa i Oscara Hammersteina II – rozsławionego przez Julie Andrews w dźwiękach muzyki-ale, nie tylko ćwicząc nostalgię, znacząco zmienił progresję akordów i tempo, czyniąc utwór swoim wirtuozowskim utworem. „My Favorite Things” był hitem, stał się regularną częścią jego repertuaru koncertowego i był pomostem do publicznej akceptacji bebopu. Inne przeróbki z tego okresu to klasyczny „Embraceable You” Gershwinów z 1930 roku, który otrzymał osobne reinterpretacje bebopu przez Cheta Bakera, Clifforda Browna i Ornette ’ a Colemana.
„Beatlesi są równie ważni jak Gershwinowie”
kolejna melodia Gershwina, ” S 'wonderful” z 1927 roku, z musicalu Funny Face, pierwotnie służyła jako pojazd sceniczny dla Freda Astaire ’ a. Choć może to być trudna piosenka dla wokalistów – Frank Sinatra przepłynął okrążenia pod wodą, aby uzyskać jego oddech prawo do dostawy – jest to piosenka, która pokazuje, jak muzycy właściwe i innowacyjne przy użyciu starej muzyki. W ten sposób swingowy hit Jazzowy dla Benny ’ ego Goodmana (w kwartecie z Lionelem Hamptonem i Teddym Wilsonem) stał się instrumentalnym bebopem dla Lennie Tristano i Lee Konitza, a w 1976 roku został przekształcony w melodię bossa nova przez João Gilberto.
piosenka nadal inspiruje w XXI wieku. Nowatorskie aranżacje Diany Krall na jej albumie Verve z 2001 roku, The Look Of Love, dodane do jej wspaniałego śpiewu, dały temu staremu klasykowi wspaniałe nowe życie. Krall powiedział, że dla niej, pod względem inspiracji, „Beatlesi są tak samo ważni jak Gershwinowie.”
Beatlesi są dowodem na prawdę wierszy poety TS Eliota: „niedojrzali poeci naśladują; Dojrzali poeci kradną; źli poeci niszczą to, co biorą, a dobrzy poeci robią z tego coś lepszego, a przynajmniej coś innego.”The Beatles są prawdopodobnie najbardziej inspirującym zespołem popowym wszech czasów i wykorzystali wszystkie swoje wpływy i stworzyli coś innego-i często lepszego. Nawet gdy zaczynali, nie była to nostalgia, która powodowała, że naśladowali tylko ludzi, których podziwiali. Jak powiedział John Lennon: „to nie była zdzierstwo, to była miłość.”
Duże inspiracje dla młodych Beatlesów pochodziły z amerykańskiego rock ’ n 'rolla, zwłaszcza Elvisa Presleya, Carla Perkinsa i Chucka Berry’ ego. Ale wraz z tymi Hit-parade Heavyweight, uznali również dług wobec zespołu Tamla The Marvelettes. The Beatles – a później Carpenters-nagrali swoją piosenkę ” Please Mr. Postman.”
zanim stali się sławni, Beatlesi umieścili swój własny znaczek na ryczącym hicie z lat 20-tych zatytułowanym „Ain’ t She Sweet”, który został spopularyzowany przez Eddiego Cantora, a później przez Gene ’ a Vincenta. Lennon powiedział, że kiedy nagrali utwór, w czerwcu 1961 roku, chcieli, aby brzmiał bardziej jak „marsz” niż łagodniejsza wersja Vincenta, która była hitem dla Capitol Records. Lennon powiedział przyjaciołom, że bardziej pochłonęła go wersja mało znanego londyńskiego wokalisty bluesowego Duffy ’ ego Power. Chociaż utwór jest niewielki w porównaniu z oszałamiającym katalogiem hitów, które potem nastąpiły, ilustruje to, jak Beatlesi byli w stanie czerpać z różnych źródeł od samego początku. Paul McCartney powiedział: „piosenki takie jak „Ain’ t She Sweet ” były naszym późnym materiałem kabaretowym. Pokazali, że nie jesteśmy kolejną grupą rock ’ n ’ rollową.”
wyjątkowe przygody w dźwięku
inspiracja pochodzi z niezliczonych miejsc. McCartney zobaczył Fahrenheita 451 François Truffauta w kinie na kilka dni przed nagraniem” Eleanor Rigby”. Był zafascynowany partyturą Bernarda Herrmanna i wykorzystaniem smyczków. Struny na” Eleanor Rigby ” mają ogromny dług wobec ścieżki dźwiękowej. Jak powiedział McCartney w 1966 roku, w roku nagrania płyty, ” nie sądzę, żebyśmy kiedykolwiek próbowali ustalić trendy. Staramy się iść do przodu i robić coś innego.”
The Beatles zainspirowali muzyczną rewolucję przełomowymi albumami, takimi jak eksperymentalny zespół Sgt Pepper ’ s Lonely Hearts Club. Ta wyjątkowa przygoda z dźwiękiem, pisaniem piosenek, technologią studyjną, a nawet okładkami miała natychmiastowy wpływ, gdy została uruchomiona 1 czerwca 1967 roku. W ciągu trzech dni od premiery, The Jimi Hendrix Experience otworzyło show w Saville Theatre w Londynie z wykonaniem tytułowego utworu
The Beatles są nadal uważane za jeden z punktów odniesienia w muzyce. Kiedy Kendrick Lamar wydał album Pimp a Butterfly za pośrednictwem Interscope Records w 2015 roku, powiedział, że chce, aby jego praca „była omawiana w taki sam sposób, jak Bob Dylan, The Beatles czy Jimi Hendrix.”Co ciekawe, jego mieszanka jazzu i najnowocześniejszego hip-hopu oraz jego znaczenie kulturowe mogą rościć sobie pretensje do bycia Sgt Pepper swojej dekady.
Super-charging the blues
w przeciwieństwie do Lennona i McCartneya, muzyczne ambicje Micka Jaggera nie były bezpośrednio rozpalane przez Elvisa Presleya. Oddanie muzyce Jaggera-oraz innych członków Rolling Stones, Keitha Richardsa, Billa Wymana, Charliego Wattsa i Briana Jonesa-było tak samo autentyczne jak Beatlesów, ale czerpało się z różnych źródeł. Podobnie jak The Beatles, Stones byli również fanami Chess Records maestro Chucka Berry’ ego, ale bardziej bezpośrednio odnosili się do bluesowych gwiazd wytwórni, takich jak Muddy Waters, Howlin ’ Wolf i Buddy Guy.
The Stones również szanowali wokalistów soulowych, takich jak Otis Redding i Solomon Burke, i wnieśli do równania muzykę tak różnorodną, jak protest piosenki Boba Dylana i pop Buddy 'ego Holly’ ego. Jednak podczas gdy ich muzyka jest prawdopodobnie nasycona większą nostalgią niż ich Wątrobowopudlińscy odpowiednicy, Stones połączyli wszystko w sposób, który pomógł im przepisać Zasady rock ’ n ’ rolla. Rozpoczęli tę podróż, co ciekawe, od pierwszego brytyjskiego hitu (w 1963), który był coverem „I Wanna Be Your Man” Lennona i McCartneya, napisanego podczas gdy Jagger i Richards byli w tym samym pokoju co McCartney.
ale to blues naprawdę rozpalił ich dusze. Jagger miał sprytną zdolność dostosowywania pewnych szczegółów sposobu, w jaki śpiewacy bluesowi wyrażali swoje wokale, podczas gdy Richards i Wyman wzięli wiele swoich haczyków gitarowych i solówek z czarnych źródeł i stworzyli coś mocnego. Nazwa zespołu wzięła się nawet od piosenki Muddy Watersa.
The Stones szybko rozwijali się jako muzycy i pomogli przekształcić popularną muzykę dzięki hitom takim jak ” Satisfaction.”Do czasu wydania czwartego albumu, Aftermath (1966), zespół był ich własną siłą twórczą . Jak powiedział później Jagger: „to był dla mnie wielki przełomowy rekord. Po raz pierwszy napisaliśmy całą płytę i w końcu położył odpocząć duch konieczności zrobić te bardzo ładne i ciekawe, bez wątpienia, ale nadal covery starych piosenek R& B.”
choć wciąż czerpiąc z ich wpływów, ale otrząsając się z ducha nostalgii, kolejne albumy, takie jak Exile On Main St i Sticky Fingers, miały ogromny wpływ – podczas gdy sam „Sympathy For the Devil” pomógł zainspirować wiele zespołów, w tym Primal Scream, The Jesus & Mary Chain i The Charlatans.
„Reminiscence bump”
jedną z wielkich rzeczy w muzycznej inspiracji jest to, że niekoniecznie zanika, zarówno dla fanów muzyki, jak i gwiazd, które tworzą muzykę. Dźwięki, które uwielbialiśmy jako Nastolatki lub odkrywaliśmy po raz pierwszy, są ważne dla naszego poczucia tożsamości i pozostają na zawsze ważne (psychologowie nazywają to pochylenie się w stronę nostalgii „uderzeniem reminiscencyjnym”). Nominowany do Nagrody Grammy album The Rolling Stones, Blue & Lonesome, to piosenka o miłości do bluesa, zawierająca covery piosenek, które kochali jako młodzi Little Walter i Howlin ’ Wolf.
kiedy współczesne gwiazdy mówią o muzykach, którzy zainspirowali ich własną muzykę, wielu wciąż wspomina o Beatlesach i Rolling Stones. Jednak zakres bodźców twórczych jest szeroki. Dla Alicii Keys była to Nina Simone („she taught me about feeling, passion”), Dla Nialla Horana z One Direction rockowa atmosfera lat 80. („I’ m a massive Eagles fan”), Dla Fergie Led Zeppelin i Guns N ’ Roses. „Największym bohaterem” Bena Howarda był piosenkarz folkowy John Martyn.
kiedy Oprah Winfrey poprosiła Pharrella Williamsa o wymienienie niektórych specjalnych wpływów na brzmienie „Happy” – najlepiej sprzedającego się singla 2010 roku-Wśród wymienionych przez niego wpływów były „do i Do” Steviego Wondera i „September” Earth, Wind & Fire.
kobiety z przeszłości zainspirowały młode gwiazdy ostatnich czasów. Dla Lany Del Ray to Joan Baez i Julie London („I love their voices and what they stand for”); dla Lorde była to Etta James („she was so good at harvesting her suffering”); dla Ariany Grande była to Judy Garland, ze względu na filmy, które pokazywała jej matka przez całe dzieciństwo; dla Solange była to Minnie Riperton. Amy Winehouse kochała Ellę Fitzgerald i powiedziała: „nauczyłem się śpiewać od Dinah Washington.”
20-letnia zasada
prawdą jest również, że wiele aspektów biznesu muzycznego ma charakter cykliczny, a gusta i trendy mają zwyczaj powracania. Istnieje nawet koncepcja o nazwie „reguła 20-lat”, której zwolennicy twierdzą, że dany nurt muzyczny, a nawet moda na ubrania, pojawi się i zniknie z popularności mniej więcej co dwie dekady, za każdym razem na rowerze nowa fala nostalgii dla tych, którzy przeżyli go po raz pierwszy.
z pewnością miało to miejsce w latach 70. i 80., kiedy Ameryka i części Europy pogrążały się w nostalgii z objęciem „starych” koncepcji. Zostało to uwiecznione przez Muzyka George’ a Lucasa-ciężkiego hitu z 1973 roku American Graffiti. Ścieżka dźwiękowa, pełna hitów z lat 50. i 60.autorstwa takich artystów jak Chuck Berry, Booker T I The MGs oraz The Beach Boys, stała się albumem Top 10 i posłużyła jako szablon dla pierwszej fali nostalgicznych stacji radiowych.
skórzane kurtki i pudlowe spódnice nagle obfitowały w popularną modę, a sentymentalne baby boomers pogrążone w nostalgii docierały do programów telewizyjnych, takich jak Happy Days i filmów, takich jak Grease. Smak starej muzyki doprowadził nawet do eksplozji coverów z lat 50., w tym Sha-Na-Na.
te same” zjawiska re-run ” były widoczne w latach 80., kiedy nowa fala i hair metalowe szaleństwo powracały do muzyki z lat 60., a w filmach takich jak The Big Chill wykorzystano kultowe utwory takich muzyków jak Smokey Robinson. Nastąpił również gwałtowny wzrost sprzedaży zespołów takich jak The Doors, a wersja „Twist And Shout” Beatlesów ponownie trafiła na listy przebojów po występie w „Day Off” Ferrisa Buellera. Proces trwa. Trzy dekady po latach 80-tych, „Beat It” Michaela Jacksona został zaktualizowany przez Fall Out Boy.
w ciągu ostatnich kilku lat nastąpił rewind lat 90., który obejmował obchody Nevermind Nirvany oraz powrót wielu zespołów z Lat 90., w tym Spice Girls, Backstreet Boys i Blink-182. Jak żartował Frank Zappa: „nie trzeba sobie wyobrażać świata kończącego się w ogniu lub lodzie. Istnieją dwie inne możliwości: jedna to Papierkowa robota, a druga to nostalgia.”
pierwsza Epoka Postmodernistyczna muzyki
chociaż lata 70.były czasem boomu dla nostalgii, była to również prawdopodobnie pierwsza prawdziwie postmodernistyczna era w muzyce popularnej. Muzycy tacy jak David Bowie i Roxy Music zagłębiali się w rockową przeszłość, szukając inspiracji, ale także rekonfigurowali muzykę popularną w coś nowego. Bowie, gwiazda popu w epoce kosmicznej, był pionierem trendów muzycznych i mody popowej. Jego album The Man Who Sold The World, wydany w 1970 roku, był pełen odważnych piosenek i nastrojowych, hard-rockowych brzmień.
nieufny wobec nostalgii, Bowie przywłaszczył sobie glam rock, soul, disco, new wave, punk rock i haute couture i pozostał niespokojnym innowatorem aż do ostatniego albumu ★ (wymawianego „Blackstar”), wydanego tuż przed jego śmiercią w styczniu 2016 roku.
w tym samym czasie, gdy Bowie zaczynał tworzyć fale twórcze, Brian Eno z Roxy Music powiedział, że stoi przed wyborem dotyczącym uprawiania sztuki lub muzyki jako kariery. Widząc, jak Lou Reed i The Velvet Underground wyłaniają się, zdał sobie sprawę, że „można ich jakoś okrakiem okraść.”Eno, wraz z Bryanem Ferrym, założyli Roxy Music w 1971 roku i dzielili jakość dekadencji z ekstrawagancko androgynicznym Bowie. Roxy zyskała natychmiastową akceptację w Wielkiej Brytanii ze swoim pierwszym hitem ” Virginia Plain.”Nawet bez Eno, który odszedł w 1973 roku, ich zgrabny, popowy produkt był nadal ogromnie wpływowy.
gitarzysta Phil Manzanera powiedział, że wczesne lata 70. były pełne drastycznych, jeansowych muzyków przed pojawieniem się Bowiego i Roxy. „Nagle pojawił się kolor, egzotyka i duch rock’ n 'rolla” „Wspieraliśmy Bowiego w Greyhound w Croydon w czerwcu 1972 roku: Bowie w swoim pełnym sprzęcie Ziggy Stardust i my we wszystkich naszych regaliach, występując tylko dla 150 osób w tym małym pokoju na piętrze.”
cała scena New Romantic – zespoły takie jak Visage, Duran Duran, Spandau Ballet i Culture Club – wzięła swoje wskazówki od Bowiego, Roxy Music i Marca Bolana. Bowie miał jednak kolczasty stosunek do naśladowców. Piosenka „Teenage Wildlife” z 1980 roku, podobno skierowana do gwiazdy nowej fali Gary ’ ego Numana, zawiera tekst: „Same old thing/in brand new drag.”
Musical reinvention
Bowie jest również doskonałym przykładem muzyka, który z powodzeniem odnowił się. Bob Dylan robił to samo muzycznie-od wczesnych lat jako wokalista folkowy w stylu Woody 'ego Guthrie’ a do grania electric folk z zespołem, a następnie wykonywania chrześcijańskiego rocka. Inne metamorfozy w popie, wykorzystujące modę do zmiany kształtu, to Madonna, Prince, Lady Gaga i Taylor Swift.
muzycy również na nowo odkryli się pod względem ryzykownych wyborów muzycznych. Willie Nelson podczas swojej długiej kariery zajmował się muzyką country, jazzem i reggae. Tak samo jak każdy wielki współczesny muzyk, Nelson zna wartość czerpania z przeszłych dźwięków i stylów. Jednym z najważniejszych tematów jego amerykańskiej supergrupy The Highwaymen, w której wystąpili Johnny Cash, Waylon Jennings i Kris Kristofferson, jest nastrój refleksji i poczucie straty. Legenda country wie, jak poruszać się z duchem czasu podczas serii eklektycznych partnerstw, pokazanych we współpracy z raperem Snoop Doggiem, przy takich piosenkach jak ” Roll Me Up.”
narodziny hip-hopu
Hip-hop powstały w głównie afroamerykańskiej dzielnicy South Bronx w Nowym Jorku w latach 70. zaczęło się, gdy DJ Kool Herc (znany jako ojciec breakbeat) zaczął izolować i powtarzać przerwy – najbardziej taneczne fragmenty piosenek – i pomógł uruchomić nowy styl muzyki. Z takimi artystami jak Afrika Bambaataa i Grandmaster Flash, hip-hop osadzony w mainstreamie do 1979 roku. W ciągu następnej dekady zyskała popularność na całym świecie.
były poprzedzające – powrót do scat i wokali Louisa Armstronga i poezji Gila Scotta-Herona – ale w latach 80.hip-hop stał się jednym z najbardziej kreatywnych i muzycznych ruchów ery nowożytnej, z grupami takimi jak NWA (z Ice Cube), Public Enemy, Salt-N-Pepper, EPMD i Beastie Boys. W latach 90.pojawili się inni świetni raperzy, w tym LL Cool J, 2Pac, Biggie Smalls i Wu-Tang Clan. Hip-hop jest prawdopodobnie najbardziej dominującą formą muzyki dzisiaj, z muzyków takich jak Jay Z, Drake, Chance raper, i Kendrick Lamar sprzedaży milionów na całym świecie.
Gwiazdy rapu teraz również zyskują uznanie krytyków za swoją pracę. W 2018 roku Lamar zdobył pięć trofeów, zdobywając nagrody za Najlepszy występ Rap/Sung, Najlepszy występ śpiewany, najlepszą piosenkę Rap, Najlepszy Album Rap i Najlepszy Teledysk.
nawet coś tak nowatorskiego jak hip-hop, jednak oddaje się nostalgii. Saksofonista Terrace Martin, który wyprodukował zarówno Lamara, jak i Snoop Dogga, powiedział: „zacząłem produkować utwory hip-hopowe, ponieważ była to muzyka moich czasów, ale nigdy nie straciłem miłości do jazzu.”Terrace, wielki fan Verve Records i wspaniałych Blue Note, takich jak Sonny Stitt i Jackie McLean, powiedział, że Lamar, podobnie jak Coltrane przed nim, zawsze studiuje i myśli o muzyce.
Hip-hop nie jest jedyną muzyką, która ewoluowała i redefiniowała się w ciągu ostatnich trzech dekad. Muzyka Country widziała eksplozję w alt.artyści country, tacy jak Steve Earle i Lucinda Williams, oraz Gwiazdy współczesnej Ameryki, takie jak Ryan Adams, którzy pomogli zmienić postrzeganie tego, czym jest współczesna muzyka country, torując drogę talentom XXI wieku, takim jak Kacey Musgraves.
przełączanie gatunków w piosenkach
w latach 90., kiedy zespoły czasami zmieniały podejście z albumu na album, gwiazdy takie jak Beck nawet mieszały gatunki w piosenkach.
Beck zdobył Nagrodę Grammy w kategorii Best Alternative Album za płytę Odelay z 1996 roku. Producent Mike Simpson powiedział, że jeden z utworów, „Hotwax”, był „a labor of love”, który trwał sześć miesięcy.
w utworze Beck rapuje na gitarze country. Sprowadzał wszelkiego rodzaju sprzęty, takie jak krótkofalówki, które kupował w sklepach charytatywnych, aby grać na wierzchu. Utwór, charakteryzujący się różnymi tempami i oszałamiającą gamą efektów, pokazuje, dlaczego został okrzyknięty człowiekiem, który” uchwycił ducha czasu ” w tej dekadzie. Nie jest zaskoczeniem, że jego muzyczne wpływy są zróżnicowane, z tyglem Mississippi John Hurt, Big Bill Broonzy, Sonic Youth, Velvet Underground i Grandmaster Flash odgrywający rolę w jego mistrzowskim rozmyciu granic.
zapylanie krzyżowe w XXI wieku
w miarę zbliżania się do trzeciej dekady XXI wieku, gatunki i style zmieniają się cały czas. W ostatnich latach Rihanna zajmowała się Tame Impala, a Miley Cyrus współpracowała z Flaming Lips. Termin „świat muzyki post-gatunkowej” został nawet dołączony do współczesnej sceny muzycznej.
zapylanie muzyki będzie kontynuowane w szybkim tempie, ponieważ streaming, YouTube i aplikacje mobilne rozwijają się w nowej erze cyfrowej, zmieniając sposób, w jaki muzycy tworzą muzykę i sposób, w jaki fani ją konsumują. Aby stworzyć naprawdę dobrą muzykę, wykonawca nadal będzie potrzebował solidnych fundamentów i inspiracji z różnych źródeł. Przyznają to największe światowe gwiazdy. Chance raper wychwalał wpływy wokalisty gospel Kirka Franklina; Ed Sheeran wychwalał wpływy irlandzkiej piosenkarki folkowej Cary Dillon i jej „sublime voice”.”
oprócz inspiracji przeszłością, nowe i palące kwestie społeczne pobudzają świeżą energię twórczą i twórczość muzyków. Temat przemocy z bronią, który zdominował debatę w Ameryce na początku 2018 roku, jest sercem albumu Terence ’ a Blancharda, nagranego na żywo z jego zespołem E-Collective. Blanchard powiedział, że spotkali się, ponieważ chcieli ” grać muzykę, która inspiruje młodych ludzi.”
muzyka będzie nadal ewoluować i nadal będzie się przejmować nostalgią. Przyszłość czeka, ale przeszłość będzie tam do wydobycia. Jak John Coltrane powiedział DownBeat we wrześniu 1960: „odkryłem, że musisz spojrzeć wstecz na stare rzeczy i zobaczyć je w nowym świetle.”
Posłuchaj listy odtwarzania uDiscover Nostalgia tutaj.