1960-filmen Breathless var ett landmärke i modern kultur, inte minst för sitt fantastiska jazz soundtrack av fransk-algerisk pianist-kompositör Martial Solal. Filmen regisserades av Jean-Luc Godard, som i en sned nick till hur nostalgi har format popkulturen, sade berömt: ”det är inte där du tar saker från – det är där du tar saker till.”
det diktumet gäller musikvärlden, där imitation och inspiration ofta har varit de dubbla berggrundarna för nya triumfer. Solal skämtade med att göra Godards soundtrack var bara” en betald spelning ”när han spelade med” Hollywood jazz ” så populär då. Det var faktiskt en härlig syntes när han drog på tidigare muser, som Django Reinhardt, Sidney Bechet och Bud Powell, för att skapa sitt atmosfäriska soundtrack.
medan du läser, lyssna på vår nostalgi-spellista här.
en process för assimilering
processen för assimilering är lika gammal som skriven musik. Klassiska kompositörer studerade de gamla mästarna genom att bokstavligen kopiera, parafrasera och imitera dem; några av de bästa i barocktiden, av JS Bach och Händel, är en återvinning av gamla mästare. I mer modern tid kopierade och tolkade Beatles låtarna från framgångsrika band medan de lärde sig sitt hantverk och uppfann sätt att komponera sin egen lysande musik. I sin tur har deras låtar duplicerats och kanaliserats av andra musiker – ibland som en övning i nostalgi, andra gånger som ett sätt att lära sig songcraft på samma sätt som Beatles gjorde.
under året Breathless släpptes, John Coltrane-som, precis som Solal, också inspirerades av sopransaxofongeni Bechet – gjorde en av hans banbrytande inspelningar, en version av ”My Favorite Things.”
jazzsaxofonisten förklarade öppet att han var ”mycket intresserad av det förflutna” och visste att rastlös nyfikenhet skulle hjälpa honom att växa som musiker. Som tonåring hade Coltrane blivit förskräckt av Coleman Hawkins 1939-skiva” Body And Soul”, betraktad som en av de första skakningarna i bebop. Som son till en kyrka pianist mor och violinist far, Coltrane skulle kanske ha uppskattat quicksilver natur källan till denna ikoniska jazz Bit. Hawkins hade inspirerats av att höra melodin från en Tzigane-violinist i en ungersk nattklubb i Oostende 1937.
även de bästa jazzimprovisatorerna studerade noggrant andra jazzmusikers inspelningar-transkriberade deras solon och ibland repeterade dem som kompositioner – och Coltrane var inte annorlunda. Han sa: ”jag fick en kopia av” Body And Soul ” och lyssnade riktigt hårt på vad han gjorde.”
när han blev mer seriös om sin musik sa Coltrane att han ” ägnade en hel del av min tid till harmoniska studier på egen hand i bibliotek.”Det hårda arbetet lönade sig i oktober 1960 när den 34-årige Coltrane gick in i Atlantic Studios i New York för att spela in sitt album My Favorite Things.
Coltrane tog Richard Rodgers och Oscar Hammerstein II: s lilting waltz – känd av Julie Andrews i ljudet av musik – men, inte bara övning i nostalgi, förändrade signifikant ackordprogressionen och tempot, vilket gjorde låten till sin egen virtuosa Bit. ”Mina favorit saker” var en hit, blev en vanlig del av hans konsertrepertoar och var en bro till allmänhetens acceptans av bebop. Andra omarbetningar från perioden inkluderar Gershwins 1930-klassiker” Embraceable You”, som fick separata bebop-tolkningar av Chet Baker, Clifford Brown och Ornette Coleman.
”Beatles är lika viktiga som Gershwins”
en annan Gershwin-melodi, 1927s ”s ’ wonderful”, från musikalen roligt ansikte, hade ursprungligen fungerat som ett scenfordon för Fred Astaire. Även om det kan vara en knepig sång för vokalister – Frank Sinatra simmade varv under vattnet för att få hans andning rätt för leveransen – det är en låt som visar hur musiker lämpliga och förnya med gammal musik. Således blev en swing jazz hit för Benny Goodman (i en kvartett som inkluderade Lionel Hampton och Teddy Wilson) en Bebop-instrumental för Lennie Tristano och Lee Konitz, och 1976 omarbetades som en bossa nova-melodi av Jo Askorbo Gilberto.
låten fortsätter att inspirera i det 21: a århundradet. Diana Kralls innovativa arrangemang på hennes 2001 Verve album, The Look of Love, läggs till hennes fina sång, gav denna gamla klassiker en underbar nytt liv. Krall sa att för henne, när det gäller inspiration, ”Beatles är lika viktiga som Gershwins.”
Beatles är bevis på sanningen i poeten TS Eliots linjer, ”omogna poeter imiterar; mogna poeter stjäl; dåliga poeter vanställa vad de tar, och goda poeter gör det till något bättre, eller åtminstone något annat.”Beatles är kanske det mest inspirerande popbandet genom tiderna och de tog alla sina influenser och gjorde något annorlunda – och ofta bättre. Även när de började var detta inte ett fall av nostalgi som ledde dem att bara imitera människor de beundrade. Som John Lennon sa: ”Det var inte en rip-off, det var en kärlek-in.”
de stora inspirationerna för de unga Beatles var från amerikansk rock ’ n ’ roll, särskilt Elvis Presley, Carl Perkins och Chuck Berry. Men tillsammans med dessa hit-parade tungviktare erkände de också en skuld till Tamla-bandet The Marvelettes. Beatles – och senare Snickare-spelade in sin låt ” Please Mr.Postman.”
innan de blev kända satte Beatles sin egen stämpel på en brusande 20-talssång som heter ”Ain’ t She Sweet”, som populariserades av Eddie Cantor och senare av Gene Vincent. Lennon sa att när de spelade in låten, i juni 1961, ville de att den skulle låta mer som ”A march” än Vincents mjukare version, som hade varit en hit för Capitol Records. Lennon berättade för vänner att han hade tagits mer av en version från en lite känd London-bluesångare som heter Duffy Power. Även om låten är en mindre en jämfört med den fantastiska katalog av hits som följde, det illustrerar hur Beatles kunde dra från olika källor från början. Paul McCartney sa, ”låtar som” Ain ’t She Sweet” var vårt sena kabaretmaterial. De visade att vi inte bara var en annan rock ’ N ’ Roll-grupp.”
unika äventyr i ljud
Inspiration kommer från otaliga platser. McCartney såg Fran Actuliois Truffauts Fahrenheit 451 på bio några dagar innan” Eleanor Rigby ” spelades in. Han kastades över av Bernard Herrmanns poäng och användning av strängar. Strängarna på” Eleanor Rigby ” är skyldiga en stor skuld till ljudspåret. Som McCartney sa 1966, året då rekordet gjordes, ”jag tror inte att vi någonsin försöker etablera trender. Vi försöker fortsätta framåt och göra något annat.”
Beatles skulle fortsätta att inspirera en musikalisk revolution med banbrytande album som det experimentella Sgt Pepper ’ s Lonely Hearts Club Band. Detta unika äventyr inom ljud, låtskrivning, studioteknologi och till och med omslagskonst hade en omedelbar inverkan när det lanserades den 1 juni 1967. Inom tre dagar efter utgivningen öppnade Jimi Hendrix Experience en show på Saville Theatre i London med en återgivning av titelspåret
Beatles betraktas fortfarande som ett av riktmärkena i musik. När Kendrick Lamar släppte till Pimp A Butterfly genom Interscope Records 2015 sa han att han ville att hans arbete ”skulle prata om samma sätt som Bob Dylan eller Beatles eller Jimi Hendrix talas om.”Passande, dess blandning av jazz och banbrytande hiphop, och dess kulturella betydelse, kan göra anspråk på att vara Sgt-peppar i sitt decennium.
Superladdande blues
till skillnad från Lennon och McCartney tändes inte Mick Jaggers musikaliska ambitioner direkt av Elvis Presley. Hängivenheten till musik av Jagger-och andra Rolling Stones-medlemmar Keith Richards, Bill Wyman, Charlie Watts och Brian Jones – var lika autentisk som Beatles, men drogs från olika brunnar. Liksom Beatles var Stones också fans av Chess Records Maestro Chuck Berry men tittade mer direkt på etikettens bluesstjärnor, som Muddy Waters, Howlin’ Wolf och Buddy Guy.
stenarna vördade också själsångare som Otis Redding och Solomon Burke, och förde in i ekvationen musik så olika som Protestlåtarna från Bob Dylan och popen från Buddy Holly. Men medan deras musik förmodligen har infunderats med mer nostalgi än deras Liverpudlian motsvarigheter, Stones meshed allt tillsammans på ett sätt som hjälpte dem att skriva om regelboken för rock ’ N ’ Roll. De började denna resa, intressant, med en första brittisk hit (1963) som var ett omslag av Lennon och McCartneys ”I Wanna Be Your Man”, skrivet medan Jagger och Richards var i samma rum som McCartney.
men det var bluesen som verkligen avfyrade sina själar. Jagger hade en smart förmåga att anpassa vissa detaljer om hur blues sångare formulerade sin sång, medan Richards och Wyman tog många av sina gitarrkrokar och solon från svarta källor och gjorde något potent av sina egna. De tog till och med bandets namn från en Muddy Waters-låt.
stenarna växte snabbt som musiker och hjälpte förvandla populärmusik med hitsinglar sådan ”tillfredsställelse.”Vid tiden för deras fjärde album, Aftermath (1966), var bandet deras egen kreativa kraft. Som Jagger senare sa: ”det var en stor milstolpe för mig. Det är första gången vi skrev hela skivan och slutligen lade för att vila spöket att behöva göra dessa mycket trevliga och intressanta, utan tvekan, men ändå täcka versioner av gamla r&B låtar.”
även om de fortfarande bygger på deras influenser men skakar av nostalgiens spöke, var album som följde, som Exile On Main St och Sticky Fingers, enormt inflytelserika – medan ”Sympathy For the Devil” ensam hjälpte till att inspirera band av band, inklusive Primal Scream, Jesus & Mary Chain och charlatanerna.
”reminiscence bump”
en av de stora sakerna med musikalisk inspiration är att den inte nödvändigtvis bleknar, varken för musikfans eller stjärnorna som skapar musiken. Ljuden vi älskade som tonåringar eller upptäckte för första gången är viktiga för vår känsla av identitet och förblir för alltid viktiga (psykologer kallar detta luta mot nostalgi ”reminiscence bump”). Rolling Stones Grammy-nominerade album från 2016, Blue & Lonesome, är en kärlekssång till blues, med omslag av låtar de älskade som ungdomar av Little Walter och Howlin’ Wolf.
när moderna superstjärnor pratar om musikerna som inspirerade sin egen musik, nämner många fortfarande Beatles och Rolling Stones. Utbudet av kreativ stimulans är dock omfattande. För Alicia Keys var det Nina Simone (”hon lärde mig om känsla, passion”); för One Direction’ s Niall Horan var det 80-talets rockvibe (”jag är en massiv Eagles fan”); för Fergie var det Led Zeppelin och Guns N ’ Roses. Ben Howards ”största hjälte” var folksångaren John Martyn.
när Pharrell Williams ombads av Oprah Winfrey att lista några av de speciella influenserna för ljudet av ”Happy” – den bästsäljande singeln på 2010-talet – bland de influenser han citerade var ”Do I Do” av Stevie Wonder och ”September” av Earth, Wind & Fire.
kvinnorna från förr har inspirerat de unga stjärnorna på senare tid. För Lana Del Ray var det Joan Baez och Julie London (”Jag älskar deras röster och vad de stod för”); för Lorde var det Etta James (”hon var så bra på att skörda sitt lidande”); för Ariana Grande var det Judy Garland, på grund av de videor som hennes mamma visade henne under hela sin barndom; för Solange var det Minnie Riperton. Amy Winehouse älskade Ella Fitzgerald och sa, ” jag lärde mig att sjunga från Dinah Washington.”
20-årsregeln
det är också sant att många aspekter av musikbranschen är cykliska och smaker och trender har en vana att komma igen. Det finns till och med ett koncept som kallas ”20-årsregeln”, vars förespråkare hävdar att en viss musiktrend, eller till och med ett klädmode, kommer in och ut ur popularitet ungefär vartannat decennium, varje gång man cyklar en ny våg av nostalgi för dem som levde det första gången.
detta var verkligen sant på 70-och 80-talet, när Amerika och delar av Europa vältrade sig i nostalgi med sin omfamning av ”oldies” – konceptet. Detta inkapslades av George Lucas Musik-tung 1973 HitFilm amerikansk Graffiti. Soundtracket, packat med hits från 50-och 60-talet av artister som Chuck Berry, Booker T och MGs, och Beach Boys, blev ett topp 10-album och fungerade som en mall för den första vågen av nostalgi-radiostationer.
skinnjackor och pudelkjolar överflödade plötsligt på populärt sätt och sentimentala babyboomers som vältrade sig i nostalgi lappade upp TV-program som Happy Days och filmer som Grease. Smaken för gammal musik ledde till och med till en explosion av 50-talets coverband, inklusive Sha-Na-Na.
samma ”re-run phenomena” var tydlig på 80 – talet, när new wave och hair metal crazes reviderade 60-talets musik-och filmer som The Big Chill använde ikoniska låtar från Smokey Robinson. Det ökade också marknadsförbarheten för band som The Doors, medan Beatles version av ”Twist And Shout” slog listorna igen efter ett framträdande i Ferris Buellers lediga dag. Processen fortsätter. Tre decennier från 80-talet uppdaterades Michael Jacksons ”Beat It” Av Fall Out Boy.
de senaste åren har sett en 90-talspolning, som har inkluderat firandet av Nirvanas Nevermind, och återkomsten av många 90-talsband inklusive Spice Girls, Backstreet Boys och Blink-182. Som Frank Zappa skämtade, ” det är inte nödvändigt att föreställa sig att världen slutar i eld eller is. Det finns två andra möjligheter: en är pappersarbete, och den andra är nostalgi.”
musikens första postmoderna era
även om 70-talet var en boom tid för nostalgi, det var också utan tvekan den första verkligt postmoderna eran i populärmusik. Musiker som David Bowie och Roxy Music grävde in i rocks förflutna för inspiration men konfigurerade också populärmusik till något nytt. Bowie, popstjärnan i rymdåldern, var en föregångare av musikaliska trender och popmode. Hans album The Man Who Sold the World, släppt 1970, var full av vågat låtskrivning och humöriga hårdrockljud.
försiktig med nostalgi, Bowie anslöt sig ändå från – och påverkade-glamrock, soul, disco, new wave, punkrock och haute couture, och förblev en rastlös innovatör ända fram till sitt sista album, bisexuell (uttalad ”Blackstar”), släppt strax före hans död i januari 2016.
samtidigt som Bowie började skapa kreativa vågor sa Brian Eno från Roxy Music att han stod inför valet om att bedriva konst eller musik som karriär. Efter att ha sett Lou Reed och Velvet Underground dyka upp, han insåg ”du kunde grensla de två på något sätt.”ENO, tillsammans med Bryan Ferry, bildade Roxy Music 1971, och de delade en dekadenskvalitet med den flamboyant androgyn Bowie. Roxy fick omedelbar acceptans i Storbritannien med sin första hit ”Virginia Plain.”Även utan Eno, som lämnade 1973, var deras snygga popprodukt fortfarande enormt inflytelserik.
gitarristen Phil Manzanera sa att de tidiga 70-talet var fulla av tråkiga, denimbärande musiker före uppkomsten av Bowie och Roxy. ”Plötsligt fanns det färg och exotism och andan av rock’ N ’ Roll igen,” sa han. ”Vi stödde Bowie på Greyhound i Croydon i juni 1972: Bowie i sin fulla Ziggy Stardust-utrustning och oss i alla våra regalia och uppträdde för bara 150 personer i detta lilla övervåningsrum.”
hela den nya romantiska scenen – band som Visage, Duran Duran, Spandau Ballet och Culture Club – tog sina ledtrådar Från Bowie, Roxy Music och Marc Bolan. Bowie hade en taggad inställning till imitatorer, i alla fall. 1980-låten ”Teenage Wildlife”, enligt uppgift riktad mot new wave-stjärnan Gary Numan, innehåller texterna: ”samma gamla sak/i helt nytt drag.”
Musikalisk återuppfinning
Bowie är också ett utmärkt exempel på en musiker som framgångsrikt uppfann sig själv. Bob Dylan har gjort detsamma musikaliskt-från hans tidiga dagar som en Woody Guthrie-stil folksångare-låtskrivare till att spela electric folk med bandet och sedan utföra kristen rock. Andra metamorfoser i pop, som använder Mode för att forma Skift, skulle inkludera Madonna, prins, Lady Gaga och Taylor Swift.
musiker har också uppfunnit sig själva när det gäller äventyrliga musikaliska val. Willie Nelson har tacklat countrymusik, jazz och reggae under sin långa karriär. Så mycket som någon stor modern musiker, Nelson vet värdet av att dra från tidigare ljud och stilar. Ett övergripande tema för hans amerikanska supergrupp The Highwaymen-som innehöll Johnny Cash, Waylon Jennings och Kris Kristofferson – är en stämning av reflektion och en känsla av förlust. Countrylegenden har vetat hur man rör sig med tiden under en serie eklektiska partnerskap, som visas i hans samarbete med rapparen Snoop Dogg, på låtar som ”Roll Me Up.”
födelsen av hip-hop
Hip-hop har sitt ursprung i det främst afroamerikanska South Bronx-området i New York på 70 – talet. det började när DJ Kool Herc (känd som breakbeats far) började isolera och upprepa raster – de mest dansbara delarna av låtar-och hjälpte till att lansera en ny musikstil. Med artister som Afrika Bambaataa och Grandmaster Flash, hip-hop inbäddade sig som en del av mainstream 1979. Under det följande decenniet fick det en global följd.
det fanns antecedenter-går tillbaka till scat och vocalese av Louis Armstrong och poesi låtar av Gil Scott-Heron – men på 80-talet, hip-hop blev en av de mest kreativa och musikaliska rörelser i modern tid, med grupper som NWA (med Ice Cube), Public Enemy, Salt-N-Pepper, EPMD, och Beastie Boys. Andra stora rappare följde på 90-talet, inklusive LL Cool J, 2pac, Biggie Smallsoch Wu-Tang Clan. Hiphop är kanske den mest dominerande formen av musik idag, med musiker som Jay Z, Drake, Chance The Rapper och Kendrick Lamar som säljer miljoner runt om i världen.
Rap stjärnor nu också tjäna vanliga kritik för sitt arbete. Vid Grammys 2018 vann Lamar fem pokaler och vann priserna för Bästa Rap/sjungit Prestanda, Bästa sjungna Prestanda, Bästa rapsång, bästa rapalbum och bästa musikvideo.
till och med något så banbrytande som hiphop hänger sig dock i nostalgi. Saxofonisten Terrace Martin, som har producerat både Lamar och Snoop Dogg, sa: ”jag började producera hiphop-spår eftersom det var min tids musik, men jag förlorade aldrig min kärlek till jazz.”Terrace, ett massivt fan av Verve Records och Blue Note-storheter som Sonny Stitt och Jackie McLean, sa att Lamar, som Coltrane före honom, alltid studerar och tänker på musik.
hiphop är inte den enda musiken som har utvecklats och omdefinierat sig under de senaste tre decennierna. Countrymusik såg en explosion i alt.land agerar, såsom Steve Earle och Lucinda Williams, och moderna Americana stjärnor som Ryan Adams, som har bidragit till att förändra synen på vad modern countrymusik är, banar väg för 21: a århundradet talanger som Kacey Musgraves.
byta genrer inom låtar
på 90-talet, när band ibland ändrade sin inställning från album till album, var stjärnor som Beck till och med mashing tillsammans genrer inom låtar.
Beck vann en Grammy för Bästa Alternativa Album för sin 1996-skiva, Odelay. Producent Mike Simpson sa ett visst spår,” Hotwax, ”var” a labor of love ” som tog sex månader att slutföra.
i låten rappar Beck över en countrygitarr. Han tog in alla typer av utrustning, som walkie-talkies som han hade köpt i välgörenhetsbutiker, för att spela på toppen. Spåret, med olika tempos och ett svimlande utbud av effekter, visar varför han har hyllats som en man som ”fångade zeitgeisten” under det decenniet. Det är ingen överraskning att hans musikaliska influenser varierar, med en smältdegel av Mississippi John Hurt, Big Bill Broonzy, Sonic Youth, Velvet Underground och Grandmaster Flash spelar en roll i sin egen mästerliga suddning av gränser.
korsbestämning i det 21: a århundradet
när vi går mot det tredje decenniet av det 21: a århundradet, skiftar genrer och stilar hela tiden. Under de senaste åren har Rihanna täckt Tame Impala och Miley Cyrus samarbetat med Flaming Lips. Termen ”post-genre musikvärld” har till och med knutits till den moderna musikscenen.
korsbestämning av musik kommer att fortsätta i snabb takt, eftersom streaming, YouTube och mobilappar trivs i den nya digitala tidsåldern, vilket förändrar hur musiker gör musik och hur fans konsumerar det. För att skapa riktigt bra musik behöver en artist fortfarande solida fundament och inspiration från olika källor. De mest framgångsrika globala superstjärnorna erkänner detta. Chance rapparen har lovordat påverkan av gospelsångaren Kirk Franklin; Ed Sheeran har hyllat påverkan av irländsk folksångare Cara Dillon och hennes ”sublima röst.”
förutom inspiration från det förflutna väcker nya och pressande sociala frågor ny kreativ energi och produktion från musiker. Ämnet för vapenvåld, ett ämne som dominerade debatten i Amerika i början av 2018, är kärnan i Terence Blanchard-albumet, Live, inspelat med sitt band E-Collective. Blanchard sa att de träffades för att de ville ”spela musik för att inspirera unga människor.”
musik kommer både att fortsätta att utvecklas och fortsätta att omfamna nostalgi. Framtiden väntar men det förflutna kommer att vara där för att brytas. Som John Coltrane berättade DownBeat i September 1960: ”jag har funnit att du måste se tillbaka på de gamla sakerna och se dem i ett nytt ljus.”
lyssna på udiscover Nostalgia-spellistan här.