Il film del 1960 Breathless è stato un punto di riferimento nella cultura moderna, non da ultimo per la sua splendida colonna sonora jazz del pianista-compositore franco-algerino Martial Solal. Il film è stato diretto da Jean-Luc Godard, che, in un cenno obliquo al modo in cui la nostalgia ha plasmato la cultura pop, ha detto: “Non è dove prendi le cose-è dove prendi le cose.”
Tale dictum si applica al mondo della musica, dove l’imitazione e l’ispirazione sono state spesso le basi gemelle di nuovi trionfi. Solal ha scherzato sul fatto che fare la colonna sonora di Godard fosse solo ” un concerto a pagamento “mentre giocava con” Hollywood jazz ” così popolare all’epoca. In effetti, è stata una bella sintesi mentre attingeva alle muse del passato, come Django Reinhardt, Sidney Bechet e Bud Powell, per creare la sua colonna sonora d’atmosfera.
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Un processo di assimilazione
Il processo di assimilazione è antico quanto la musica scritta. I compositori classici hanno studiato i vecchi maestri copiandoli, parafrasandoli e imitandoli letteralmente; alcuni dei migliori dell’era barocca, di JS Bach e Händel, sono un riciclaggio di vecchi maestri. In tempi più moderni, i Beatles copiavano e interpretavano le canzoni di band di successo mentre imparavano il loro mestiere e inventavano modi di comporre la propria musica brillante. A loro volta, le loro canzoni sono state duplicate e canalizzate da altri musicisti – a volte come un esercizio di nostalgia, altre volte come un modo di imparare songcraft allo stesso modo dei Beatles.
Nell’anno in cui fu pubblicato Breathless, John Coltrane – che, come Solal, si ispirò anche al genio del sassofono soprano Bechet – fece una delle sue registrazioni seminali, una versione di “My Favorite Things.”
Il sassofonista jazz dichiarò apertamente di essere “molto interessato al passato” e sapeva che l’irrequieta curiosità lo avrebbe aiutato a crescere come musicista. Da adolescente, Coltrane era rimasto impressionato dal disco di Coleman Hawkins del 1939 “Body And Soul”, considerato uno dei primi tremori del bebop. Come figlio di una madre pianista di chiesa e padre violinista, Coltrane avrebbe forse apprezzato la natura arguta della fonte di questo pezzo iconico jazz. Hawkins era stato ispirato da ascoltare la melodia di un violinista tzigane in un locale notturno ungherese a Ostenda nel 1937.
Anche i migliori improvvisatori jazz hanno studiato da vicino le registrazioni di altri musicisti jazz – trascrivendo i loro assoli e talvolta provandoli come composizioni – e Coltrane non era diverso. Ha detto: “Ho preso una copia di ‘Body And Soul’ e ho ascoltato molto bene quello che stava facendo.”
Mentre diventava più serio riguardo alla sua musica, Coltrane disse che “dedicava un bel po’ del mio tempo agli studi armonici da solo nelle biblioteche.”Il duro lavoro ripagò nell’ottobre del 1960 quando il 34enne Coltrane entrò negli Atlantic Studios di New York per registrare il suo album My Favorite Things.
Coltrane prese il valzer di Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II – reso famoso da Julie Andrews in The Sound Of Music – ma, non un semplice esercizio di nostalgia, ne alterò significativamente la progressione di accordi e il tempo, rendendo la canzone il suo pezzo virtuoso. “My Favorite Things” fu un successo, divenne una parte regolare del suo repertorio concertistico e fu un ponte per l’accettazione pubblica del bebop. Altre rielaborazioni del periodo includono il classico del 1930 dei Gershwins “Embraceable You”, che fu reinterpretato separatamente da Chet Baker, Clifford Brown e Ornette Coleman.
“I Beatles sono importanti quanto i Gershwin”
Un altro brano di Gershwin, “S’Wonderful” del 1927, tratto dal musical Funny Face, era originariamente servito come veicolo scenico per Fred Astaire. Anche se può essere una canzone difficile per i cantanti – Frank Sinatra nuotato giri sott’acqua per ottenere il suo respiro giusto per la consegna – si tratta di una canzone che mostra come i musicisti appropriati e innovare utilizzando la vecchia musica. Così un successo swing jazz per Benny Goodman (in un quartetto che comprendeva Lionel Hampton e Teddy Wilson) divenne un bebop strumentale per Lennie Tristano e Lee Konitz, e, nel 1976, fu rifusa come bossa nova da João Gilberto.
La canzone continua ad ispirare nel 21 ° secolo. Gli arrangiamenti innovativi di Diana Krall sul suo album Verve del 2001, The Look Of Love, aggiunti al suo bel canto, hanno dato a questo vecchio classico una meravigliosa nuova prospettiva di vita. Krall ha detto che, per lei, in termini di ispirazione, ” I Beatles sono importanti quanto i Gershwin.”
I Beatles sono la prova della verità delle linee del poeta TS Eliot, “I poeti immaturi imitano; i poeti maturi rubano; i cattivi poeti deturpano ciò che prendono, e i buoni poeti lo trasformano in qualcosa di meglio, o almeno qualcosa di diverso.”I Beatles sono forse la band pop più ispiratrice di tutti i tempi e hanno preso tutte le loro influenze e fatto qualcosa di diverso – e spesso migliore. Anche quando hanno iniziato, questo non era un caso di nostalgia che li portava a imitare semplicemente le persone che ammiravano. Come disse John Lennon: “Non era una fregatura, era un amore.”
Le grandi ispirazioni per i giovani Beatles erano dal rock’n’roll americano, in particolare Elvis Presley, Carl Perkins e Chuck Berry. Ma insieme a questi pesi massimi hit-parade, hanno anche riconosciuto un debito con Tamla band The Marvelettes. I Beatles – e più tardi i falegnami-registrarono la loro canzone ” Please Mr. Postman.”
Prima di diventare famosi, i Beatles hanno messo il loro timbro su una canzone di successo ruggente degli anni ‘ 20 chiamata “Ain’t She Sweet”, che è stata resa popolare da Eddie Cantor e, più tardi, da Gene Vincent. Lennon disse che quando registrarono il brano, nel giugno 1961, volevano che suonasse più come “una marcia” che la versione più morbida di Vincent, che era stata un successo per la Capitol Records. Lennon ha detto agli amici che era stato più preso da una versione da un poco noto cantante blues di Londra chiamato Duffy Power. Anche se la canzone è una minore rispetto al catalogo mozzafiato di successi che seguirono, illustra come i Beatles sono stati in grado di attingere da varie fonti fin dall’inizio. Paul McCartney ha detto, “Canzoni come’ Ain’t She Sweet ‘ erano il nostro materiale cabaret a tarda notte. Hanno dimostrato che non eravamo solo un altro gruppo rock’n’roll.”
Avventure uniche nel suono
L’ispirazione proviene da una miriade di luoghi. McCartney vide Fahrenheit 451 di François Truffaut al cinema pochi giorni prima della registrazione di” Eleanor Rigby”. Fu colpito dalla partitura e dall’uso degli archi di Bernard Herrmann. Le corde di “Eleanor Rigby” hanno un enorme debito con la colonna sonora. Come disse McCartney nel 1966, l’anno in cui fu realizzato il disco, “Non credo che abbiamo mai cercato di stabilire delle tendenze. Cerchiamo di andare avanti e fare qualcosa di diverso.”
I Beatles avrebbero continuato a ispirare una rivoluzione musicale con album rivoluzionari come la sperimentale Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Questa avventura unica nel suono, songwriting, tecnologia di studio, e anche la copertina ha avuto un impatto immediato quando è stato lanciato il 1 ° giugno 1967. Entro tre giorni dalla sua uscita, The Jimi Hendrix Experience ha aperto uno spettacolo al Saville Theatre di Londra con una reinterpretazione della title track
I Beatles sono ancora considerati come uno dei punti di riferimento nella musica. Quando Kendrick Lamar ha pubblicato Per Pimp A Butterfly attraverso Interscope Records nel 2015, ha detto che voleva che il suo lavoro “fosse parlato allo stesso modo in cui si parla di Bob Dylan o dei Beatles o di Jimi Hendrix.”Opportunamente, il suo mix di jazz e hip-hop all’avanguardia, e il suo significato culturale, può rivendicare di essere il Sgt Pepper del suo decennio.
Super-carica il blues
A differenza di Lennon e McCartney, le ambizioni musicali di Mick Jagger non sono state direttamente accese da Elvis Presley. La devozione alla musica di Jagger-e colleghi membri dei Rolling Stones Keith Richards, Bill Wyman, Charlie Watts, e Brian Jones – era autentica come quella dei Beatles, ma è stato tratto da diversi pozzi. Come i Beatles, gli Stones erano anche fan del maestro Chess Records Chuck Berry, ma guardavano più direttamente alle stelle del blues dell’etichetta, come Muddy Waters, Howlin’ Wolf e Buddy Guy.
Gli Stones venerarono anche cantanti soul come Otis Redding e Solomon Burke, e portarono nell’equazione musica così diversa come le canzoni di protesta di Bob Dylan e il pop di Buddy Holly. Eppure, mentre la loro musica è stata probabilmente infusa con più nostalgia delle loro controparti Liverpudlian, gli Stones hanno unito tutto in un modo che li ha aiutati a riscrivere il regolamento per il rock’n’roll. Iniziarono questo viaggio, curiosamente, con un primo successo britannico (nel 1963) che era una cover di “I Wanna Be Your Man” di Lennon e McCartney, scritta mentre Jagger e Richards erano nella stessa stanza di McCartney.
Ma è stato il blues che ha davvero sparato le loro anime. Jagger aveva una capacità intelligente di personalizzare alcuni dettagli del modo in cui i cantanti blues esprimevano la loro voce, mentre Richards e Wyman prendevano molti dei loro ganci per chitarra e assoli da fonti nere e creavano qualcosa di potente. Hanno anche preso il nome della band da una canzone Muddy Waters.
Gli Stones crebbero rapidamente come musicisti e contribuirono a trasformare la musica popolare con singoli di successo come “Satisfaction.”Al momento del loro quarto album, Aftermath (1966), la band era la loro forza creativa. Come disse in seguito Jagger: “È stato un disco importante per me. E ‘ la prima volta che scriviamo l’intero disco e finalmente mettiamo a tacere il fantasma di dover fare queste belle e interessanti, senza dubbio, ma ancora cover di vecchie canzoni R&B.”
Anche se ancora attingendo alle loro influenze ma scrollandosi di dosso il fantasma della nostalgia, gli album che seguirono, come Exile On Main St e Sticky Fingers, furono estremamente influenti – mentre” Sympathy For The Devil ” da sola aiutò a ispirare fasce di band, tra cui Primal Scream, The Jesus & Mary Chain e The Charlatans.
La”reminiscence bump”
Una delle grandi cose di ispirazione musicale è che non necessariamente svanisce, sia per gli appassionati di musica o le stelle che creano la musica. I suoni che abbiamo amato da adolescenti o scoperti per la prima volta sono importanti per il nostro senso di identità e rimangono per sempre importanti (gli psicologi chiamano questa inclinazione verso la nostalgia il “urto della reminiscenza”). L’album dei Rolling Stones nominato ai Grammy del 2016, Blue & Lonesome, è una canzone d’amore al blues, con cover di canzoni che amavano da giovani di Little Walter e Howlin’ Wolf.
Quando le superstar moderne parlano dei musicisti che hanno ispirato la propria musica, molti menzionano ancora i Beatles e i Rolling Stones. Tuttavia, la gamma di stimoli creativi è ampia. Per Alicia Keys è Nina Simone (“Mi ha insegnato il sentimento, la passione”); per Niall Horan degli One Direction è stata l’atmosfera rock degli anni’ 80 (“Sono un grande fan degli Eagles”); per Fergie sono stati Led Zeppelin e Guns N ‘ Roses. Il “più grande eroe” di Ben Howard era il cantante folk John Martyn.
Quando Pharrell Williams è stato chiesto da Opah Winfrey di elencare alcune delle influenze speciali per il suono di “Happy” – il singolo più venduto degli anni 2010-tra le influenze che ha citato c’erano “Do I Do” di Stevie Wonder e “September” degli Earth, Wind & Fire.
Le donne di un tempo hanno ispirato le giovani star degli ultimi tempi. Per Lana Del Ray erano Joan Baez e Julie London (“Amo le loro voci e ciò che rappresentavano”); per Lorde era Et James (“Era così brava a raccogliere le sue sofferenze”); per Ariana Grande era Judy Garland, a causa dei video che sua madre le mostrava durante la sua infanzia; per Solange era Minnie Riperton. Amy Winehouse amava Ella Fitzgerald e disse: “Ho imparato a cantare da Dinah Washington.”
La regola dei 20 anni
È anche vero che molti aspetti del business musicale sono ciclici e i gusti e le tendenze hanno l’abitudine di tornare indietro. C’è anche un concetto chiamato “la regola dei 20 anni”, i cui sostenitori sostengono che una particolare tendenza musicale, o anche una moda di abbigliamento, entrerà e uscirà dalla popolarità all’incirca ogni due decenni, ogni volta in bicicletta una nuova ondata di nostalgia per coloro che l’hanno vissuta la prima volta.
Questo era certamente vero negli anni ’70 e’ 80, quando l’America e parti d’Europa sguazzavano nella nostalgia con il loro abbraccio al concetto di “oldies”. Questo è stato incapsulato da George Lucas ‘ music-heavy 1973 film di successo American Graffiti. La colonna sonora, ricca di successi degli anni ’50 e’ 60 di artisti come Chuck Berry, Booker T e The MGs e The Beach Boys, divenne un album Top 10 e servì da modello per la prima ondata di stazioni radio nostalgia.
Giacche di pelle e gonne barboncino improvvisamente abbondavano nella moda popolare e baby boomers sentimentali sguazzare nella nostalgia lambito spettacoli televisivi come Happy Days e film come Grease. Il gusto per la vecchia musica ha portato anche a un’esplosione di cover band anni ‘ 50, tra cui Sha-Na-Na.
Lo stesso “re-run phenomena” era evidente negli anni ’80, quando la new wave e le manie hair metal rivisitavano la musica degli anni’ 60 – e film come The Big Chill usavano canzoni iconiche del calibro di Smokey Robinson. C’è stato anche un aumento della commerciabilità di band come The Doors, mentre la versione dei Beatles di “Twist And Shout” ha colpito di nuovo le classifiche dopo un’apparizione in Day Off di Ferris Bueller. Il processo va avanti. Tre decenni dopo dagli anni ‘ 80, “Beat It” di Michael Jackson è stato aggiornato da Fall Out Boy.
Gli ultimi anni hanno visto un riavvolgimento degli anni ’90, che ha incluso le celebrazioni di Nevermind dei Nirvana, e il ritorno di numerose band degli anni’ 90 tra cui Spice Girls, Backstreet Boys e Blink-182. Come ha scherzato Frank Zappa, ” Non è necessario immaginare il mondo che finisce nel fuoco o nel ghiaccio. Ci sono altre due possibilità: una è il lavoro di ufficio e l’altra è la nostalgia.”
La prima era postmoderna della musica
Sebbene gli anni ‘ 70 fossero un periodo di boom per la nostalgia, fu anche probabilmente la prima era veramente postmoderna nella musica popolare. Musicisti come David Bowie e Roxy Music hanno approfondito il passato del rock per trovare ispirazione, ma hanno anche riconfigurato la musica popolare in qualcosa di nuovo. Bowie, la pop star dell’era spaziale, era un pioniere delle tendenze musicali e della moda pop. Il suo album The Man Who Sold The World, pubblicato nel 1970, era pieno di canzoni audaci e suoni lunatici e hard-rock.
Diffidente nei confronti della nostalgia, Bowie tuttavia si appropriò da – e influenzò – glam rock, soul, disco, new wave, punk rock e haute couture, e rimase un innovatore irrequieto fino al suo ultimo album, ★ (pronunciato “Blackstar”), pubblicato poco prima della sua morte nel gennaio 2016.
Nello stesso momento in cui Bowie stava iniziando a fare onde creative, Brian En dei Roxy Music ha detto che stava affrontando la scelta di perseguire l’arte o la musica come carriera. Dopo aver visto Lou Reed e The Velvet Underground emergere, si rese conto ” si potrebbe cavalcare i due in qualche modo.”En, insieme a Bryan Ferry, formarono i Roxy Music nel 1971, e condividevano una qualità di decadenza con il flamboyantly androgynous Bowie. Roxy ha ottenuto immediata accettazione nel Regno Unito con il loro primo successo “Virginia Plain.”Anche senza En, che ha lasciato nel 1973, il loro prodotto slick, pop era ancora estremamente influente.
Il chitarrista Phil Manzanera ha detto che i primi anni ‘ 70 erano pieni di squallidi musicisti che indossavano denim prima dell’emergere di Bowie e Roxy. “Improvvisamente c’era colore ed esotismo e lo spirito del rock’n’roll di nuovo”, ha detto. “Abbiamo supportato Bowie al Greyhound di Croydon nel giugno 1972: Bowie nella sua attrezzatura Ziggy Stardust e noi in tutte le nostre insegne, esibendoci a sole 150 persone in questa piccola stanza al piano di sopra.”
L’intera scena New Romantic – band come Visage, Duran Duran, Spandau Ballet e Culture Club – ha preso spunto da Bowie, Roxy Music e Marc Bolan. Bowie aveva un atteggiamento spinato verso gli imitatori, tuttavia. La canzone del 1980 “Teenage Wildlife”, secondo quanto riferito, mirava alla stella della new wave Gary Numan, include il testo: “Same old thing / In brand new drag.”
Reinvenzione musicale
Bowie è anche un ottimo esempio di musicista che ha reinventato con successo se stesso. Bob Dylan ha fatto lo stesso musicalmente – dai suoi primi giorni come un Woody Guthrie-stile folk cantautore a suonare folk elettrico con la band e poi l ” esecuzione di Christian rock. Altre metamorfosi nel pop, usando la moda per cambiare forma, includerebbero Madonna, Prince, Lady Gaga e Taylor Swift.
I musicisti si sono anche reinventati in termini di scelte musicali avventurose. Willie Nelson ha affrontato la musica country, jazz e reggae durante la sua lunga carriera. Come ogni grande musicista moderno, Nelson conosce il valore di attingere a suoni e stili passati. Uno dei temi principali del suo supergruppo americano The Highwaymen-che comprendeva Johnny Cash, Waylon Jennings e Kris Kristofferson – è uno stato d’animo di riflessione e un senso di perdita. La leggenda del paese ha saputo muoversi con i tempi durante una serie di partnership eclettiche, mostrate nella sua collaborazione con il rapper Snoop Dogg, su canzoni come “Roll Me Up.”
La nascita dell’hip-hop
L’hip-hop ha avuto origine nella zona prevalentemente afro-americana del South Bronx di New York negli anni ‘ 70. È iniziata quando DJ Kool Herc (noto come il padre del breakbeat) ha iniziato a isolare e ripetere le pause – le parti più ballabili delle canzoni – e ha contribuito a lanciare un nuovo stile musicale. Con artisti come Afrika Bambaataa e Grandmaster Flash, l’hip-hop si è incorporato come parte del mainstream dal 1979. Durante il decennio successivo, ha guadagnato un seguito globale.
C’erano antecedenti-risalendo allo scat e al vocalese di Louis Armstrong e alle canzoni poetiche di Gil Scott-Heron-ma negli anni ‘ 80, l’hip-hop divenne uno dei movimenti più creativi e musicali dell’era moderna, con gruppi come NWA (with Ice Cube), Public Enemy, Salt-N-Pepper, EPMD e Beastie Boys. Altri grandi rapper seguirono negli anni ‘ 90, tra cui LL Cool J, 2pac, Biggie Smalls e Wu-Tang Clan. L’hip-hop è forse la forma di musica più dominante oggi, con musicisti come Jay Z, Drake, Chance the Rapper e Kendrick Lamar che vendono milioni in tutto il mondo.
Rap stelle ora anche guadagnare il plauso della critica mainstream per il loro lavoro. Ai Grammy 2018, Lamar ha vinto cinque trofei, ottenendo i premi per la migliore performance rap / cantata, la migliore performance cantata, la migliore canzone rap, il miglior album rap e il miglior video musicale.
Anche qualcosa di all’avanguardia come l’hip-hop, tuttavia, indulge nella nostalgia. Il sassofonista Terrace Martin, che ha prodotto sia Lamar che Snoop Dogg, ha dichiarato: “Ho iniziato a produrre brani hip-hop perché era la musica del mio tempo, ma non ho mai perso il mio amore per il jazz.”Terrace, un grande fan della Verve Records e dei grandi della Blue Note come Sonny Stitt e Jackie McLean, ha detto che Lamar, come Coltrane prima di lui, studia e pensa sempre alla musica.
L’hip-hop non è l’unica musica che si è evoluta e ridefinita negli ultimi tre decenni. La musica country ha visto un’esplosione in alt.artisti country, come Steve Earle e Lucinda Williams, e star americane moderne come Ryan Adams, che hanno contribuito a cambiare la percezione di ciò che è la musica country moderna, aprendo la strada a talenti del 21 ° secolo come Kacey Musgraves.
Cambiare genere all’interno delle canzoni
Negli anni ‘ 90, quando le band a volte cambiavano il loro approccio da un album all’altro, star come Beck stavano persino mischiando generi all’interno delle canzoni.
Beck ha vinto un Grammy come Miglior album alternativo per il suo disco del 1996, Odelay. Il produttore Mike Simpson ha detto che una traccia particolare, “Hotwax”, è stata “un lavoro d’amore” che ha richiesto sei mesi per essere completata.
Nella canzone, Beck rappa su una chitarra country. Ha portato in tutti i tipi di attrezzature, come walkie-talkie che aveva comprato nei negozi di beneficenza, per giocare in cima. La traccia, con diversi tempi e una vertiginosa serie di effetti, mostra perché è stato salutato come un uomo che “ha catturato lo zeitgeist” durante quel decennio. Non sorprende che le sue influenze musicali siano varie, con un melting pot di Mississippi John Hurt, Big Bill Broonzy, Sonic Youth, The Velvet Underground e Grandmaster Flash che giocano un ruolo nella sua magistrale sfocatura dei confini.
Impollinazione incrociata nel 21 ° secolo
Mentre ci dirigiamo verso il terzo decennio del 21 ° secolo, i generi e gli stili si stanno spostando continuamente. Negli ultimi anni, Rihanna ha coperto Tame Impala e Miley Cyrus collaborato con le labbra fiammeggianti. Il termine “mondo musicale post-genere” è stato anche attaccato alla scena musicale moderna.
L’impollinazione incrociata della musica continuerà a ritmo sostenuto, poiché streaming, YouTube e app mobili prosperano nella nuova era digitale, cambiando il modo in cui i musicisti fanno musica e il modo in cui i fan la consumano. Per creare veramente buona musica, un esecutore avrà ancora bisogno di solide basi e ispirazioni da una varietà di fonti. Le superstar globali di maggior successo lo riconoscono. Possibilità Il Rapper ha lodato l “influenza del cantante gospel Kirk Franklin; Ed Sheeran ha salutato l” influenza della cantante folk irlandese Cara Dillon e la sua ” voce sublime.”
Oltre all’ispirazione del passato, nuove e pressanti questioni sociali suscitano nuova energia creativa e produzione da parte dei musicisti. Il tema della violenza armata, un argomento che ha dominato il dibattito in America nella prima parte di 2018, è al centro dell’album di Terence Blanchard, Live, registrato con la sua band E-Collective. Blanchard ha detto che si sono riuniti perché volevano ” suonare musica per ispirare i giovani.”
La musica continuerà ad evolversi e continuerà ad abbracciare la nostalgia. Il futuro attende, ma il passato sarà lì per essere estratto. Come John Coltrane disse a DownBeat nel settembre 1960: “Ho scoperto che devi guardare indietro alle vecchie cose e vederle sotto una nuova luce.”
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